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Corti and Cigarettes 2010, vince Camaiti

2010-07-01T19:44:00.001+02:00

Corti and Cigarettes muove i suoi primi passi, e sono già passi da gigante. Nato quasi per gioco tre anni fa, con la serata finale di ieri il Festival internazionale di cortometraggi piomba di diritto tra gli appuntamenti da non perdere delle future estati romane.

La terza edizione vede il trionfo di Massimiliano Camaiti, vincitore con il suo “L’amore non esiste” sia del premio come miglior corto sia del Premio Cinecittà Luce, che assicurerà al film l’impagabile “lusso” della distribuzione in sala. Il tutto sotto l’occhio esperto di una giuria di primo piano presieduta da Bruno Altissimi e composta dalle attrici Ana Caterina Morariu e Monica Scattini, dall'autore Rai Adriano De Maio, dallo scenografo premio Oscar Osvaldo Desideri e dai registi Giancarlo Scarchilli, Alexis Sweet e Marco Filiberti.

Annamaria Liguori (presidente del Festival), la giuria e l’avv. Luciano Sovena (Amministratore delegato di Cinecittà Luce) hanno apprezzato l’ironia graffiante, concisa, diretta di “L’amore non esiste”, impreziosito inoltre da un surreale Pietro Sermonti.

Serata di grandi attori: come migliore interprete è premiato infatti Massimo Poggio, figlio alle prese con il vecchio padre in “L’esame” di Andrea De Sica. È l’attore Pino Quartullo a premiare il collega.

Il miglior soggetto invece è andato ai più esperti Werther Germondari e Laura Spagnoli, autori di “Per Versum”, piccolo gioiello che gioca sul sottile confine tra comicità e tragedia.

Menzione Speciale infine consegnata da Maurizio Ponzi al commovente “Banduryst”: sogno e realtà si confondono nella vita di Vasyl, musicista costretto a consegnare bombole del gas per sopravvivere.

A bocca asciutta, ma comunque interessantissimi, “Il vincitore” di Davide Labanti, sguardo “teatrale” all’Italia della crisi, e “He Xenjym Helium” di Giuseppe Schettino, che porta al Festival un po’ di sano sperimentalismo.

Fuori concorso invece è presentato “19 giorni di massima sicurezza” di Enzo De Camillis, su un tragico caso di errore giudiziario. Il film ha ricevuto anche un riconoscimento per la migliore fotografia, consegnato da Giuseppe Francone a Roberto Girometti. Sempre fuori concorso è stata proiettata una breve clip de “Il Compleanno” di Marco Filiberti, reduce da un discreto successo a Venezia.

La serata, condotta dall’attrice Giulietta Revel, allietata dal Jazz di Antonello Sorrentino, è animata dalla presenza di numerosi ospiti d’eccezione quali , Piera Degli Esposti, chiamata a premiare Roberta Allegrini per la fotografia del film “Il compleanno”, Stefano Di Tommaso, Consigliere d’Amministrazione della “Roma-Lazio Film Commission”, il consigliere regionale Carlo De Romanis, il critico de “Il messaggero” Fabio Ferzetti, l’attrice Sidne Rome, l’ex ministro Girolamo Sirchia, lo sceneggiatore Alfredo Covelli, e il doppiatore Angelo Maggi.

I corti sono forma d’arte sempre viva, sottoterra di brevi illuminazioni in continuo movimento e rigenerazione. Essi sono per il cinema dei “grandi”, come piccole ma irrinunciabili iniezioni di fiducia e nuove idee. Dopo ieri sera la fiducia non può che essere tanta.

Fiducia nel cinema, dato per morto e invece vivissimo proprio dove e quando ancora bisogna combattere per farlo. Fiducia in Roma, città capace una volta di più di ospitare manifestazioni di questo genere. Infine fiducia nei giovani che il Festival hanno creato, sfidando tempi di drastici tagli e depauperamento diffuso nel mondo della cultura e del cinema in particolare.

Riccardo Antonangeli

FONTE: MP NEWS ( www.mpnews.it )

Recensione di Segreti di famiglia - Il ritorno di un maestro

2009-11-16T12:37:00.004+01:00

Francis Ford Coppola torna a firmare interamente una pellicola a più di 35 anni da “La conversazione”. “Tetro”, girato e scritto dal regista ormai settantenne, è un film in cui l'autore riversa tanto di quello che la famiglia e l'arte sono significati per lui, dalle origini italiane alla (onni)presenza di musicisti in 'casa'.

Coppola ci racconta con piglio teatrale una famiglia attraversata da sentimenti contrastanti e spesso insostenibili. Benjamin, a pochi giorni dal suo diciottesimo compleanno, arriva a Buenos Aires alla ricerca del fratello maggiore che non vede da anni. La sua non sarà una semplice ricerca fisica, ma soprattutto un'analisi intimistica all'interno della ambigua e schizofrenica personalità di Angelo, ormai divenuto Tetro (abbreviazione di Tetrocini, il loro cognome). Un poeta maledetto che vivacchia in un decaduto ambiente bohemién nel mitico quartiere di La Boca, cuore pulsante della cultura argentina negli anni '70, e che schiva il mondo esterno tenendo la sua opera incompleta e mai pubblicata, esternando il più classico dei patemi dell'artista.

L'incontro tra i due sarà una resa dei conti, il duello risolutivo di un percorso che attinge tanto alla tragedia greca e al teatro classico. Il teatro, la scrittura, lo spirito bohemién che impregna i personaggi porgeranno a Coppola un palcoscenico ideale dove inscenare una pellicola magistralmente condotta, tra un presente indefinito e i flashback che ben introducono la figura del padre-padrone , e a tratti addirittura sorprendente dal punto di vista visivo, attraverso l'uso di un bel bianco e nero e di uno straordinario e straziatissimo Vincent Gallo nei panni, davvero giusti per uno come lui, di Tetro. Su tutti sempre impeccabile il montaggio dell'inseparabile Walter Murch, due volte premio Oscar (“Apocalypse Now” e “Il paziente inglese”), che dimostra ancora una volta, dopo “L'altra giovinezza”, di aver digerito meglio di molti altri il cambio della guardia tra analogico e digitale.

Un po' romanzo di formazione, ci sono tutte le classiche figure come quella del 17enne vergine americano impacciato 'svezzato' da un procace ragazza argentina e sua zia (vedi “The dreamers”), un po' crocevia dell'artista incompiuto di mezz'età, “Segreti di famiglia” è senza dubbio un film potente, epico, che naviga tra il surreale e il reale, in una dimensione senza tempo. Un Coppola rinnovato ritorna protagonista di un cinema maestoso, fatto di immagini e di grandi sentimenti.

La sezione Extra del Festival di Roma presenta "Human comedy in Tokyo"

2009-11-02T10:52:00.003+01:00

"Human comedy in Tokyo" è un affresco delicato, con picchi struggenti, sulla situazione femminile della capitale nipponica. Il regista utilizza un registro tipico della cinemtografica orientale, inchiodando il concetto di fondo sui musi lunghi dei protagonisti. Tra momenti bloccati e brevi accelerazioni anche spiritose, Koji Fukada porta per mano lo spettatore attraverso tre episodi tutti collegati tra loro da un dettaglio, l'ultimo dei quali si porrà come momento risolutore delle intere tensioni e ambizioni dei primi due.

La città, perlopiù la sua periferia residenziale, viene percorsa con occhio distratto, raccontata dai dettagli ma anche dal corpo narrativo. Sarà infatti lo specchio delle varie solitudini che vi si muoveranno, come anime che ripetono una danza solitaria anelando lo sguardo e l'interesse altrui.

Ed infatti "Human comedy in Tokyo" vuole prima di tutto raccontare le persone sole che compongono per la maggior parte il tessuto sociale di una megalopoli vorticosa come Tokyo, gli amori non corrisposti, quelli mendaci, le amicizie false e i rapporti di una serata.

L'esperimento coraggiosamente presentato dai bravi selezionatori di Extra è un prodotto dallo scarso appeal commerciale, sia per durata, quasi due ore e mezza, che per cifra stilistica. Un film che difficilmente riuscirà ad essere visto in Italia, e che, pur se visto, accoglierebbe pochi adepti.

Il Festival si chiude con Sotto il Celio Azzurro, il (multi)colorato documentario di Edoardo Winspeare

2009-11-02T10:51:00.000+01:00

Il documentario "Sotto il Celio azzurro" ha chiuso questa quarta edizione del Festival romano. Una chiusura dedicata al piccolo fenomeno sociologico che è questo asilo, il Celio Azzurro. Un luogo quasi idilliaco dove dei maestri anticonvenzionali crescono figli di immigrati, di coppie miste e anche di italiani, un luogo dove non esistono classi, non esistono banchi o registri. L'insegnamento è qualcosa di più profondo, viscerale, al Celio azzurro si permette ai bambini di scoprire in primis loro stessi, per poi potersi confrontare serenamente con i compagni che arrivano da tutto il mondo.

Edoardo Winspeare torna al documentario con un affresco che trasuda umanità e voglia di vivere sin dalle primissime battute, le continue 'lezioni' fatte di giochi e scherzi sono un modello sorprendente di integrazione ed accettazione del diverso. Tutti quelli che vi lavorano sono i primi ad essere perfettamente integrati con gli alunni, ma soprattutto con i genitori, infatti il lavoro che si fa è prima di tutto con loro, i quali saranno parte fondamentale, quasi grimaldelli, del percorso dei bambini. Un'educazione-gioco che inizierà per i ragazzini la mattina quando svegli e finirà prima di addormentarsi.

Romania, Marocco, Senegal, Armenia, Perù si ritroveranno in questo piccolissimo angolo di mondo al centro di Roma. Un angolo dimenticato dalle istituzioni, che oggi combatte con i tagli che la riforma ha sancito, lottando continuamente con la mancanza di fondi e con le falle strutturali dell'edificio che rendono tutto più difficile.

Il percorso di Winspeare incapperà anche nelle forti personalità degli educatori-maestri, che verranno descritti con epica ammirazione, dotando le personalità di questi di un'aura che emana incessantemente una poetica consapevolezza dell'altro. E durante questa splendida strada che è "Sotto il Celio Azzurro" il documentario saprà divertire, più del previsto, il pubblico. Si perde subito il conto dei momenti spassosi che, un po' i ragazzini, un po' gli educatori, grazie alle ottime scelte di Winspeare, metteranno su. Gli occhioni di bambini spaventati dai giochi, o forse storditi da questo tsunami di vitalità che l'asilo è per le loro giovani esistenze, i giochi spensierati di uomini di mezz'età che hanno dedicato anima e corpo alla causa, avranno stabile lo sfondo di una società incosciente, dove esperimenti come questo vengono accantonati più per paura di una perfezione assoluta e sospetta che per cause realmente esistite.

Il documentario del regista pugliese è un urlo di vita che infrange i sottili vetri di una società ancora ibrida e poco multiculturale nel proprio animo, una pennellata d'arcobaleno nel nuvoloso momento tutto italiano, dove le tensioni tra le comunità religioso-razziali continuano a seminare ignoranza ed incultura.

Ecco i vincitori del Festival di Roma: Brotherhood e Giorgio Diritti fanno il pienone, per le interpretazioni premi per Helen Mirren e Castellitto

2009-11-02T10:48:00.001+01:00

Si è chiusa la quarta edizione del Festival Internazionale del Film di Roma con il trionfo, meritato, di "Brotherhood", coraggioso film danese che racconta con garbo la storia d'amore omosessuale nata curiosamente all'interno di un gruppo di movimento neonazista. Una pellicola che taglia in due un argomento difficile, all'interno di un registro formale impeccabile. La Giuria del Festival fa pieno centro, e sceglie il migliore tra quelli in concorso.

Il regista svela anche un curioso retroscena: "Abbiamo avuto tutti molta paura mentre giravamo il film, perchè in quei territori la presenza neonazista è molto forte".

Il pubblico invece ha dato la propria preferenza a "L'uomo che verrà" di Giorgio Diritti, che si è aggiudicato anche il Marco Aurelio d'Argento della Giuria. Il film racconta con toni realistici la strage di Marzabotto nel '43. Il regista dice: "Spero che questa vittoria dia un segnale importante, e sia un buon auspicio per il futuro del cinema italiano, è davvero bello quando c'è uno scambio del genere con il pubblico e si regsitra un tale apprezzamento ".

Ad aggiudicarsi invece il premio come Miglior Attore , il Marco Aurelio d'Argento, è, senza sorprese, il profondo Sergio Castellitto di "Alza la testa" nei panni di un padre single che ne passa di tutti i colori, la migliore interprete invece è stata l'irreprensibile Helen Mirren per "The last sation" di Michael Hoffman.
L'interprete italiano ha commentato così: "Ogni premio è un dono, ma anche un'arma a doppio taglio: una gratificazione e una responsabilità a far sempre bene, se non meglio. Spero vivamente che questo premio porti fortuna a questo film, che uscirà il 6 novembre ed intorno al quale c'è già grande attesa. Ora scappo in Toscana dove sto girando un film in cui sono attore e regista, una divertentissima commedia con Laura Morante, Barbara Bobulova e il ritorno del mitico Enzo Iannacci".

Infine alla mitica Meryl Streep, protagonista indiscussa della premiazione e di questa intera edizione, il già annunciato Marco Aurelio alla Carriera. La sessentenne attrice statunitense ha ringraziato commossa il Festival e la città.

Gli altri premi:

- Marco Aurelio d'Argento al miglior documentario della sezione L'altro cinema I Extra: "Sons of Cuba" di Andrew Lang
- Marco Aurelio Alice nela città: "Vegas" di Gunnar Vikene.

Intervista ai Fratelli Coen - A Roma per presentare A serious man

2009-11-02T10:41:00.004+01:00

Nell'ultimo giorno di Festival a Roma arriva la coppia di fratelli registi più amata d'America. I Coen. Presentano il film Fuori Concorso "A serious man", ambientato nella comunità ebraica del Minnesota negli anni ‘60. Tutto questo riporta subito alla mente le origini dei Coen: "Abbiamo girato il film proprio nei posti in cui siamo cresciuti - dice Ethan - ma nonostante questo nella storia non c'è nulla di autobiografico. È tutta finzione".

E proprio sulle origini ebraiche dei Fratelli verterà tutta la conferenza, molto sottotono. I soliti ‘noti' partono all'attacco in maniera assurda chiedendo ai registi cosa pensassero sul Professore della Sapienza, Antonio Caracciolo, che porta avanti le proprie teorie negazioniste riguardo l'olocausto attraverso le sue lezioni ed il suo blog. Ethan, giustamente sorpreso, risponde così: "Mi sembra una cosa molto strana, soprattutto per accadere in un contesto accademico. Però a dire la verità non saprei proprio cosa rispondere, perché non c'entra davvero nulla col nostro film".

La conferenza continua a battere il ferro, ormai caldo, sulla questione ebraica: "La comunità ebraica - dice Joel - è stata molto importante per il film, ne ha segnato proprio la genesi, volevamo fare un film su di un'epoca ben precisa e in un contesto ben delineato. Per fare questo avevamo chiaro in mente la comunità dove siamo cresciuti negli anni '60 nel Midwest".
E proprio tale rappresentazione genera momenti esilaranti all'interno di "A serious man", situazioni forse realmente vissute dagli autori, Joel racconta: "Ci siamo sempre ispirati a qualcuno che abbiamo conosciuto, li abbiamo messi tutti insieme e abbiamo creato degli ibridi. A dir la verità non è questo l'unico film in cui l'abbiamo fatto, abbiamo tratto ispirazioni da persone conosciute tutta la nostra carriera".

Un tale ‘accanimento' cinematografico verso una comunità così potente e così caratterizzata come quella ebraica degli Stati Uniti potrebbe far storcere il naso a più di qualcuno: "Negli Stati Uniti - dice ancora Joel - la comunità ebraica è molto sensibile sul modo in cui viene descritta dai media. Però la maggior parte delle reazioni da parte loro è stata positiva. Comunque è impossibile, quando racconti una comunità, non creare qualche malcontento".
Ethan interviene: "E' anche vero che la comunità più radicale degli ebrei ortodossi non va al cinema e quindi non può esprimersi".

Nel film vi sono molti attori locali, è una caratteristica che ritorna nella filmografia dei fratelli Coen: "In questo film - ancora Joel - molti attori sono di Minneapolis, e quindi attori prettamente locali. Ad esempio però Michael Stuhlbarg è cresciuto in California e vive a New York. Quindi lo definirei un bel mix tra attori locali e non. Michael è stato molto bravo perché ha immediatamente capito le differenze che ci sono tra la cultura ebraica del Midwest e quella che caratterizza la comunità sulle coste degli Usa".

In conclusione i fratelli vengono interrogati sulla natura prima della loro opera, sulla categoria alla quale vorrebbe appartenere, Ethan non vuole differenziazioni tra ‘tragedy or comedy': "Non abbiamo mai pensato in questa maniera, qui si cerca semplicemente di essere veritieri e di raccontare la storia che volevamo raccontare. Sta poi allo spettatore e alla gente avere le reazioni che vuole".

Emitt Rhodes e la sua leggenda in "The One man Beatles", sorprendente mockumentary italiano

2009-11-02T10:38:00.001+01:00

Un giovane ragazzo italiano, Cosimo Messeri, dopo essere inciampato quasi per caso in un vinile d’epoca, s’innamora della musica di Emitt Rhodes. E chi è? Verrebbe da chiedersi. Domanda lecita a cui il documentario risponde alla grande.

È un musicista californiano, col pallino per il pop britannico, che ha mosso i primi passi come leader dei Merry-Go-Round, per poi diventare un solista di successo sparito completamente dalla circolazione nel ’75. Una sparizione quantomeno misteriosa, il suo era un talento di ferro, la musica la mission di un’esistenza.

Tutto questo ha contribuito ad offuscare la leggendaria immagine di un uomo il cui timbro di voce era pressoché identico a quello di McCartney, portando anche qualcuno a giurare sul fatto che la musica di Rhodes altro non fosse che materiale extra dell’opera dei quattro scarafaggi di Liverpool. Una leggenda che ha preceduto la sua musica, ormai molti pensavano non fosse mai esistito. Ma il suo talento era cristallino. Voce angelica e una poliedricità da multistrumentista, suonava ogni singolo strumento nei pezzi che registrava, da qui il titolo (forse un po' ammiccante) del documentario.

Il documentario presentato al Festival è un’opera di un’oretta che sorprende per la capacità di raccontare l’umanità di un personaggio così singolare, muovendosi con dimestichezza tra toni scanzonati e occhiate più intimiste. Tra l’impalpabile mistero della sua scomparsa dalle scene e lo sguardo rarefatto di un orso ormai innocuo. Lo svolgersi di “The One man Beatles” seguirà il percorso curioso dell’esistenza di Emitt, regalandocelo ormai maturo profeta di un karma musicale che lui sembra aver sfiorato tutta la vita, senza riuscire mai ad afferrarlo tra le dita tenendoselo stretto.

Le immagini girate dal giovane cineasta, tra interviste agli ‘amici’ di ieri e di oggi dell’artista ed eccezionali pillole del Rhodes odierno, si fonderanno visceralmente con le tracce del cantante e con le immagini di repertorio, una chicca a proposito la performance nello show di Sir David Frost. Una strada che ricorda tanto quella battuta, con le dovute proporzioni, dal James Mash di “Man on wire”, due uomini, Philippe Petit e Emitt Rhodes, che hanno vissuto fondamentalmente contro il sistema, ai margini di una socialità mai realmente accettata dalle loro anime eteree.

“The One man Beatles” è un rilassato omaggio alla musica, al purismo oltranzista di uno che ha assaporato la fama senza rimanerne invischiato. Il finale del mockumentary si potrebbe facilmente riassumere in una frase di Checov: “Mi prenda con sé... Il nostro tempo fugge, non siamo più giovani. Che almeno alla Fine della vita non sia necessario nascondersi né mentire... ho cinquantacinque anni, è ormai tardi per cambiar vita” , o forse no?

MP News incontra Giorgio Diritti, Alba Rohrwacher e Maya Sansa per "L'uomo che verrà"

2009-11-02T10:36:00.002+01:00

Giorgio Diritti ed il cast del suo film "L'uomo che verrà" hanno presentato al Festival Internazionale del Film di Roma un'opera intensa e realistica sulla strage di Marzabotto.

(al regista) Come mai la scelta di girare in dialetto? Non pensa che possa essere una difficoltà per la diffusione del film?

Giorgio Diritti: "La mia scelta di girare in bolognese antico rientra in una logica generale di creare un forte coinvolgimento e un realismo tale da riportare lo spettatore direttamente a quell'epoca. Infatti ci siamo ben presto accorti che il dialetto bolognese attuale richiamava troppo gli anni '70 e i camionisti e perciò aveva una valenza nettamente diversa dalla situazione sui monti nel 1943, e allora abbiamo giocato la carta del bolognese antico. Devo dire che tutti gli attori sono stati bravissimi, infatti li ho incontrati due settimane prima di iniziare a girare e mi hanno dato tutti il loro assenso. Trovo che l'uso del dialetto ci aiuti a fare un salto indietro nel tempo, si rida un sapore e un suono che gli italiani hanno perso".

Il film ha un forte impatto visivo. Come ci siete arrivati?

Giorgio Diritti: "Il lavoro visivo che abbiamo fatto ha diverse fonti. È nato in primis dalle fotografie in b/n di quell'epoca. Poi ci siamo riferiti anche ad una serie di foto a colori fatte dai soldati americani. Infine c'è stata un'osservazione della produzione artistica relativa alla campagna nell'800-900. Tutti questi elementi infine si sono fusi ed ho usato il mio istinto per le inquadrature". Che ricerca storica è stata fatta? Giorgio Diritti: "Abbiamo fatto una ricerca soprattutto sulla realtà dei fatti. Mi hanno descritto quei ragazzi nazisti, ed erano tutti molto giovani, ciò testimonia che erano persone nate e cresciute sotto il regime nazista. Formate quindi in un certo modo, erano per educazione portati a considerare i diversi, gli italiani in questo caso, come una sottospecie, come fossero subumani. Per loro non faceva differenza uccidere una mucca, una donna o un topo. Il film ha delle basi storiche molto attente. Poi ho cercato di non cadere negli stereotipi, le cose che raccontiamo sono tutte più o meno accadute, quel che m'interessava maggiormente era raccontare la drammaticità di uomini che ne uccidono altri con quella estrema naturalezza".

Nel film i partigiani vengono chiamati ribelli, perché questa scelta?

Giorgio Diritti: "Ribelli era il normale modo di definire chi era contro i fascisti e contro i tedeschi. Di chi quindi non ci stava e si ribellava al regime. Sostanzialmente era un termine gergale senza un peso politico importante".

Che distribuzione avrà il film?

Giorgio Diritti: "Sarà distribuito da Mikado (uscirà il 29 gennaio n.d.r.) e ovviamente c'è un progetto specifico legato alle proiezioni per le scuole. I sopravvissuti invece ancora non hanno visto il film, ci saranno delle proiezioni sul territorio, lì certamente ci sarà una cura particolare. Poi Intramovies è il nostro venditore per l'estero ed ha già riscontrato degli interessi".

(alle attrici) Raccontateci la vostra trasformazione in contadine di quegli anni.

Alba Rohrwacher: "La prima cosa che mi ha spinto è stata la fiducia che Giorgio ha avuto in noi. Aveva visto in noi una capacità di fusione con le facce che aveva scelto. Poi ovviamente nello specifico c'è stato un grande lavoro con i costumi, il trucco e con i capelli, che aiuta un attore a diventare altro da sé. Io e Maya ci siamo mischiate bene con le persone con cui abbiamo lavorato, volevamo soprattutto unirci a loro per raccontare una storia che sentivamo la necessità fosse raccontata".

Maya Sansa: "Oltre a quello che ha detto Alba c'è stato un grande lavoro dei costumisti, dei truccatori e della parrucchiera, sono stati molto attenti a riprodurre quell'aspetto, riportando anche quella sporcizia, che non era un'assenza di igiene, ma una vera e propria mancanza di condizioni. Poi anche i vestiti erano fuori misura e un po' arrangiati, perché ai tempi ce li si passava da madre in figlia. Inoltre il luogo dove abitavamo durante la lavorazione, che era un agriturismo, è stato molto importante per creare gruppo e poi lì c'era questa donna che ci ha insegnato a fare il pane, lei lavorava tutto il giorno tra i campi e la cucina. Ci ha trasmesso una grande energia di donna lavoratrice".

Recensione L'uomo che verrà

2009-10-28T21:33:00.003+01:00

Giorgio Diritti porta al Festival del Cinema di Roma un film che racconta la strage di Marzabotto, un massacro senza precedenti perpetrato dalle SS il 29 settembre 1944 che portò alla cruenta uccisione di 770 tra donne, contadini e bambini.

Il film del regista del sorprendente "Il vento fa il suo giro" vuole essere un racconto delle umanità interrotte, di una serie di barbarie sconsiderate e senza freni. Il cineasta bolognese conferma le sue qualità, costruendo un film che parla al pubblico attraverso il paesaggio e le facce di chi da quel paesaggio dipende, accantonando facili trappoloni da film storico o bellico.

Un'opera che guarda al realismo, un'opera interamente recitata nell'antico dialetto bolognese, ormai in disuso, per scaraventarci alle condizioni di fame e ignoranza di quegli anni lì e soprattutto di quel momento storico. Per rendere il tutto ancor più scarno ed efficace Diritti filtra il suo racconto attraverso gli occhioni di Martina, ragazzina muta, o che non vuole parlare, che curiosa continuamente il mondo che la circonda, trovandosi di volta in volta di fronte ad immagini raccapriccianti ed insostenibili.

"L'uomo che verrà" è però figlioccio di tanto materiale con il quale cinema italiano si è già troppe volte confrontato, ha un suo sguardo se vogliamo più intimista ed asciutto, anche se nel finale alza troppo i toni, ma non riesce comunque a colpire nel segno.
Un buon prodotto quindi, delicato, ben condotto e coerente, ma nulla di più. Si aggiudica comunque la palma del migliore degli italiani in concorso, non che ci volesse un granchè a sbaragliare lo sparring partner "Viola di mare" e lo sprecato "Alza la testa".

Alcune scelte resteranno fisse nella mente di chi lo vedrà, vedi il dialetto, le ambientazioni e le facce che calzano a pennello con i due elementi precedenti, resta però lo sconcerto per la scelta fatta a monte dal regista di imbarcarsi in un progetto così didattico che più di tanto non avrebbe potuto dare.

VOTO 65/100

Tommaso Ranchino

Castellitto e Angelini presentano Alza la testa al Festival di Roma

2009-10-28T21:32:00.002+01:00

Alessandro Angelini torna alla manifestazione romana dopo aver portato nel 2006 "L'aria salata". Ritorna il tema padre - figlio, ma questo è solo un punto di partenza perchè il film è ben più complesso: "E' vero che anche qui ricorre la tematica padre-figlio, ma qui l'ho solamente usata come uno spunto per raccontare meglio la storia di Mero, un percorso sinuoso ed anarchico che è la storia del film".
Il regista ci tiene infatti a sottolineare che la tortuosa via che il film imbocca è voluta: "Non volevamo fare un film lineare, un film che seguisse un percorso canonico. Volevamo raccontare la vita così com'è, dai mille volti e dalle insidie onnipresenti. Per questo la pellicola parte come una commedia sgangherata, poi diventa romanzo di formazione, poi un film dai toni altamente drammatici, per sfociare all'ultimo in un finale liberatorio".

Anche Sergio Castellitto, inteprete favoloso del ruolo del protagonista Mero, ha sue idee forti sul film: "Alza la testa è un film molto semplice e paradossalmente anche molto popolare. Il mio personaggio è un operaio, che si trova abbandonato dalla moglie a dover crescere da solo un bambino. Un padre-madre forse troppo invasivo e troppo possessivo".
Castellito vuole sottolineare come il prorprio personaggio: "fa cose scorrette, ed è per questo che risulta simpatico. E' un animo basico il suo, è un razzista, ma il suo è un razzismo esclusivamente popolare, non è un razzismo che consegue da un ragionamento o da un bagaglio culturale. Si deve scontrare con gli extracomunitari tutti i giorni sul lavoro.
Proprio per queste qualità dei personaggi il nostro è un film che si attesta come una risposta studentesca a tutto quel cinema italiano inutile e autoreferenziale, quel cinema che si interessa più a guardare allo specchio che alla finestra aperta".

MP News incotra il cast e il regista di Oggi sposi

2009-10-28T21:28:00.001+01:00

In una conferenza stampa per pochi intimi nello Spazio Alitalia abbiamo incontrato il gruppone che ha messo su l'ultimo film di Luca Lucini "Oggi sposi". Un cast che, a vederlo tutto insieme, assomiglia di più ad un'associazione che potrebbe chiamarsi ‘nuove leve del cinema italiano'.

La prima domanda è per la Crescentini e il suo personaggio: "Il personaggio che interpreto non è altro che un'arrampicatrice sociale, una che vuole fare la bella vita a tutti i costi, scarificando anche i sentimenti. E a spingerla ossessivamente verso una vita del genere c'è sempre stata una madre fortemente presente che continuava a ripeterle: l'amore passa sempre mentre i soldi rimangono".
Il personaggio di Carolina s'innamora del magistrato nerd intepretato da Filippo Nigro: "In me c'è una bella percentualona di nerdaggine che ritroviamo anche nel mio personaggio, quindi ad essere sincero non ho dovuto faticare neanche tanto per calarmi in questi panni".
La Crescentini interviene e dice: "Quando tu sei una persona molto costruita come lo è il mio personaggio e vedi una persona così semplice e vera non puoi non provare tenerezza ed esserne attratta".

Nel film di Luca Lucini appare, tradendo la riservatezza e la poca voglia di tornare sul grande schermo che lo caratterizza da qualche anno, il mitico Renato Pozzetto. Ovviamente per il regista non deve essere stata una passeggiata convincerlo: "Ho dovuto corteggiarlo un bel po' Renato, e devo dire che lo sforzo per rendere questa una commedia di livello e che funziona è molto dovuto alla grandezza e alla caratura degli attori che interpretano anche ruoli secondari con poche battute. Sono andato a casa di Pozzetto per convincerlo, e sono davvero soddisfatto di averlo fatto tornare in scena rimettendosi in gioco".

Anche il personaggio di Gabriella Pession è, come molte cose in "Oggi sposi", sovraccaricato e manierato: "Il mio è un personaggio sopra le righe che ha molto di Paris Hilton e di Beyonce nella sua costruzione. Ma a dire la verità mi sono ispirata anche ad altre persone di cui vi lascio indovinare il nome...".

Il regista sembrerebbe aver preso spunto dalla classica commedia all'italiana: "Più che un riferimento a qualche film o scena di preciso il mio è stato proprio un atteggiamento. A me la commedia all'italiana è sempre piaciuta tantissimo, e sono convinto che oggi possiamo rinvigorirla attualizzandola e mettendo da parte quel complesso d'inferiorità nei confronti delle cinematografie straniere che ci portiamo dietro. Se i personaggi sono scritti bene e ad interpretarli ci sono dei grandi attori si può uscire fuori dallo stereotipo fatto di sole macchiette che il nostro cinema porta in giro, e i personaggi così avrebbero profondità e umanità".

In un film sul matrimonio la stampa più patinata non può farsi scappare una domanda su questa istituzione sociale-sentimentale, e i vari attori del cast dicono la loro.
Isabella Ragonese: "Non mi sposerò mai".
Francesco Montanari: "Mi sposerò a 90 anni, se c'arrivo, in Grecia. Io, lei e il mare".
Gabriella Pession: "Trovo che la trafila burocratica e organizzativa sia terrificante, al massimo potrei entrare in un posto e sposarmi così, sul momento. Quindi potrei sposarmi solo a Las Vegas".
Moran Atias: "Mi auguro di trovare una persona con cui condividere la vita e sposarmi".
Luca Argentero (da poco convolato a nozze con la collega Myriam Catania): "La fede sulla mano mi da una gran bella sensazione, io, a differenza dei miei colleghi sciagurati (ride ndr) sono convinto che il matrimonio sia un'istituzione molto importante, e che coincida con la fortuna, che ho avuto, di trovare qualcuno con cui condividere il resto della propria vita".
Dario Bandiera, che ha intrattenuto tutti i presenti durante la mini-conferenza stampa: "Vabbè ma non vale, Luca è un tipo tranquillo, mette pace in tutti sul set, noi siamo una manica di pazzi. Per quel che riguarda me io convivo ed è come esser sposati, meglio però perché se ci lasciamo non gli devo dare niente, e poi posso andare con chi mi pare, mi piacciono i rapporti alla pari".
Filippo Nigro: "Anche io sono felicemente sposato, anche se non porto la fede al dito perché trovo che sulla mia mano stia male, mi faccia sembrare un macellaio".
Carolina Crescentini: "Non mi sposerò mai perché non voglio sapere se il mio compagno starà con me tra 30 anni o no, voglio scoprirlo vivendo".

Lucini, incalzato dai presenti riguardo al perché non avesse alzato il tiro del film realizzando una commedia più sofisticata, dice: "Il mio primo obiettivo era fare un film comico e popolare. Trovo che sia un grande pregio il fatto di riuscire a far ridere dal fruttivendolo all'amministratore delegato di una società. È un tentativo di riavvicinare un certo tipo di pubblico verso una commedia che non c'è più".

Non poteva mancare un pensiero a Michele Placido, interprete straordinario in "Oggi sposi", oggi non presente, e su come il regista abbia convinto, dopo Pozzetto, anche un grande come lui: "Io ero sicuro che andando sopra le righe il film avrebbe acquistato maggior forza e originalità. Pensavo che spiegare questo a Placido e convincerlo ad accettare un personaggio del genere sarebbe stata un'impresa. Lui invece mi ha subito capito, quando gli ho fatto un riferimento al Nino Manfredi di Brutti, sporchi e cattivi. Poi sul set si è trovato benissimo con il resto del cast, Luca, Pannofino, Lunetta Savino e si è creato un clima davvero giusto".

Clooney presenta a Roma il suo ultimo film e la stampa italiana continua il suo becero duello col divo

2009-10-28T21:25:00.000+01:00

Clooney non ha un buon rapporto con i giornalisti italiani, questo è ormai evidente. La sua conferenza per presentare l'applauditissimo "Up in the air" è stata scialba e senza mordente, un susseguirisi di domande che poco hanno a che fare con l'ottimo film che l'attore americano ha presentato a Roma e che offre un ampio raggio d'argomenti a disposizione di una stampa che, qui immatura, non lo sa sfruttare.

Immancabile ancora una volta la domanda, anzi l'esortazione a fare outing, riguardo la presunta omosessualità di Mr. Clooney, il quale risponde all'intervistatore: "Lei è una persona davvero simpatica".

Una conferenza insomma che scorre tra l'annuncio di Clooney dei due progetti registici che bollono nel suo pentolone, un film su Guantanamo e una commedia, e le dichiarazioni di circostanza riguardo Violante Placido, con la quale sta lavorando attualmente sul set del prossimo "The American": "Violante è un'attrice fantastica e una donna meravigliosa".

A proposito del film che si gira a Sulmona immancabili, e le definiremmo imperdibili, due parole sull'Aquila: "La città deve ricominciare la propria esistenza, dobbiamo tenerla ancora sotto la luce dei riflettori, per evitare che un tragedia di tali dimensioni cada nel dimenticatoio. E' l'unica cosa che possiamo e dobbiamo fare".

Nella fiera del nonsense ecco il domandone sulla politica, una prode giornalista chiede al bel George le prime cose che farebbe se diventasse per un giorno Presidente del Consiglio dei Ministri: "Ma qui non funziona per caso come in America, dove non puoi diventare Presidente se non sei nato sul suolo dello Stato? Allora il problema non si pone nemmeno". E giustamente non risponde.

Insomma Clooney ce l'ha con la stampa, si è paventato addirittura un ritiro dalle conferenze stampa per la presentazione dei film, altro non sarebbe una semplice conseguenza della scelta già fatta a suo tempo di non rilasciare più interivste tv quando esce un suo nuovo film: "Quando presento un film non rilascio più interviste perchè alla fine non si parla mai del film stesso ma quando ci sono io di mezzo finisce sempre sul gossip".

E' sinceramente deprimente assistere a spettacoli del genere, soprattutto perchè davanti c'è uno come Clooney, uno che di cinema ne sa, uno che anche dietro la macchina dice la sua, uno che si sta ritagliando un suo spazio davvero interessante con ruoli in film (para)indipendenti e che è andato da tempo ben oltre alle smancerie da divo belloccio. Basterebbe capirlo.

Asia Argento incontra il pubblico al Festival di Roma

2009-10-26T19:09:00.001+01:00

Asia Argento è apparsa spigliata e meno ragazzaccia di come la si dipinge di solito. Dotata di un'autoironia davvero fuori dalla norma e arguta nel rispondere ed ammiccare.
Si è presentata così all'incontro con il pubblico, moderato da Mario Sesti, nel quale ha ripercorso la propria carriera, soffermandosi anche sulla regia e sul proprio futuro.

Quella che si era presentata come una ragazzaccia si mostra oggi come una 34enne qualsiasi, i modi di fare da rockstar hanno fatto spazio allo stile da mamma moderna che sfoggia raggiante e soddisfatta: "Al cinema ho spesso interpretato ruoli estremi perché mi divertivano tantissimo. Ma non ero io". Ed in effetti lei è diversa, altrochè se lo è. "Sono stata incastrata a lungo in quei ruoli. E' stata una mia scelta. Mi piaceva esplorare. Colpa della timidezza. Sono profondamente timida, un po' eremita, esco poco di casa. Così, quando uscivo per fare i film, volevo esplorare. Sono ancora timida. Guardate, mi sudano le mani".

Un colpo al cuore per i suoi fan?

Oggi forse la sua testa da cinefila, che è cresciuta a pane, sangue e cinema, è proiettata con maggior impegno nella costruzione di una carriera, e soprattutto una credibilità, dietro la macchina da presa. Effettivamente le opere da lei firmate finora non hanno mai attirato i favori di pubblico e critica, su "Scarlet Diva", che è stato spesso massacrato, dice: "Avevo 23 anni e volevo raccontare quella storia, era una questione di vita o di morte, come succede quando sei giovane. Volevo fare quel film a tutti i costi, era una rabbia che volevo liberare. Ora faccio fatica a rivederlo, è come un diario d'infanzia, con tutte le imperfezioni dell'adolescenza. In Italia non è stato molto amato, c'era del sense of humor e molti invece hanno pensato che mi prendessi sul serio. Ma le critiche mi hanno aiutata".

La carriera di regista gliela consiglia da sempre il padre: "Gli attori sono delle persone terribili, ti conviene fare la regista" (Dario Argento). E proprio sul suo approccio alla recitazione svela un interessante retroscena riguardo la sua interpretazione in "Palombella rossa" di Nanni Moretti: "Girava le scene duemila volte. In seguito capii che lo faceva con tutti. Ma allora, io avevo 14 anni, pensavo che lo facesse solo con me. E cominciai a pensare che davvero quel mestiere non facesse per me".

E proprio sulla sua pesante famiglia d'arte, che annovera nel suo albero genealogico più vicino registi, attori, produttori lei tiene a precisare di non essere una raccomandata: "E' vero che sono filgia d'arte, ma ho sempre dovuto farmi un mazzo così. Lavoro incessantementa da quando avevo 9 anni".

Insomma la determinazione e la tenacia dell'Asia che tutti conosciamo e, chi più chi meno, abbiamo imparato ad apprezzare , o a sopportare, non sembra del tutto sopita. Forse lei dovrebbe ricordarsene di più rendendosi conto che proprio questo suo lato l'ha sempre caratterizzata, evitando lo spauracchio del dimenticatoio e dell'omologazione.

Recensione: Lang Zai Ji (the warrior and the wolf)

2009-10-26T19:08:00.002+01:00

Ambientato più di 2.000 anni il film che il regista cinese Tian Zhuangzhuang presenta al Festival di Roma in concorso. Le truppe dell'imperatore Han vengono sconfitte dalle tribù dei ribelli che vivono all'estremo confine occidentale, il generale Hu è costretto a riportare i superstiti a corte, dove lo aspetta il destino dello sconfitto. Sulla strada del ritorno la tempesta incessante di neve li costringe a fermarsi nella città di Harran, dove vive una tribù maledetta, che esce solo di notte e si trasforma in lupo quando si accoppia con uno 'straniero'.

E' qui che prende vita l'amore violento e passionale tra Hu e una donna Harran, il regista non indugierà nel racconto quantomeno carnale degli amplessi tra i due. Il film sarà per circa 2/3 formato dal sesso violento e disperato che li condurrà verso un amore impossibile, dalle conseguenze licantrope nefaste.

A parte qualche scena di forte impatto paesaggistico, il film cinese si rivela un naufragio senza speranze. L'amore tra i due, che nasce da uno stupro, per poi assestarsi sui toni più civili del sesso violento, si rivela dalla prima apparizione sullo schermo della donna, e gravita troppo l'attenzione dell'autore.

Il film era sembrato sul punto di diventare decente quando erano stati nominati questi Harran, la tribù maledetta con le sue leggende e con il mistero che li avvolgeva da secoli, il che lasciava presagire l'ingresso di un manipolo stanco e sconfitto di soldati all'interno di una comunità ostile e soprannaturale. Ed invece questo aspetto viene lasciato sullo sfondo, accennato in qualche sequenza persino ridicola.

Tutto, per fortuna, si spegne in un finale simbolico e non necessario. Bocciato.

VOTO 40/100

Tommaso Ranchino

Parnassus - L'uomo che voleva ingannare il diavolo (The Imaginarium of Dr. Parnassus)

2009-10-26T18:06:00.006+01:00

Il 4° Festival di Roma ha vissuto una delle esperienze certamente più attese e di maggior richiamo con la proiezione all'Auditorium dell'ultimo film di Terry Gilliam "The imaginarium of Doctor Parnassus". Un progetto segnato da grandi ambizioni e da un'attenzione ovviamente ampilificata a dismisura dalla morte di Heath Ledger.

Gilliam fa scelte coraggiose, forse incaute, per tutto il film. Un'esaltazione quasi religiosa del colore accecante e del kitsch più assurdo che dietro lo specchio magico del Dr. Parnassus prendono forme viste raramente prima. Un esercizio megalomane alla ricerca dell'immagine surreale perfetta, un mondo interposto a quello che tutti conosciamo, dove gli avventori dell'Imaginarium rifocillano le loro anime oppresse e danno sfogo, ognuno a modo suo, a sogni e incubi, sempre costretti a scegliere tra diavolo e acqua santa. Anche Gilliam entra nell'Imaginarium, e perde subito il controllo del materiale che ha in mano. Esalta i propri pregi, evidenziando al contempo i difetti.

La sua inclinazione innata nel provocare l'immaginazione dello spettatore, gettandolo in pasto a elucubrazioni quasi infantili, tocca qui l'apice. E allora il film sarà un viaggio all'interno di storie assurde, immortali, sempre interrotte dall'inizio di un'altra più avvincente, di personaggi rubati qua e là alle favole, alla tragedia, alla mitologia (Faust su tutti) e al cinema di genere.

E proprio qui viene fuori il Gilliam che non sa controllarsi, quello che non riesce a domare nemmeno il mondo che è al di qua dello specchio magico. Il regista, allucinato anch'egli da un progetto forse scappatogli presto dalle mani, non sa rendersi conto che per continuare a stuzzicare la fantasia degli spettatori bisogna far credere loro che vi sia ancora un sottile cordone ombelicale che tiene la storia, o almeno i personaggi, attaccati ad una parvenza di realtà che rende il tutto davvero magico e senza tempo, evitando di porgere il fianco ad una punta d'irritabilità che qualcuno potrebbe palesare in più di due ore di deliri.

Bisognava asciugare, sfoltire tutto il 'troppo' gilliamiano, e ce n'è davvero tanto, rinvigorendo così le ottime idee da cui si era partiti. Dall'omaggio metaforico su cui poggia tutto fatto all'arte, che altro non è che il mondo dietro lo specchio, la porta per noi tutti verso una piacevole deriva dove tutto è lecito, per arrivare conseguentemente alla mitologica figura dell'artista che non riesce mai a godere appieno del proprio talento.

La prematura scomparsa di Ledger non ha certamente aiutato la compatteza della pellicola, che in mezzo a tutto quel frastuono propone anche la trasfigurazione del personaggio di Tony che, aldilà dello specchio, prenderà i volti del solito Johnny Depp, di un Jude Law assolutamente fuori ruolo e di un buon Colin Farrell. Nonostante la scaltrezza di chi ha preso questa decisione, assolutamente plausibile analizzando la storia, cresce proprio in questo suo ultimo film il rammarico, cinefilo più che misericordistico, per la scomparsa di Ledger, qui magnetico e camaleontico come avremmo voluto rivederlo altre volte.

Se è vero che il troppo stroppia, comunque è innegabile che gli eccessi destano anche grandi curiosità, e questo è quello che merita il film di Gilliam, tanta sana curiosità ed ammirazione, con la lucida consapevolezza che si sarebbe potuto fare di meglio semplicemente aggiustando il tiro in un paio di scelte.

VOTO 58/100

Tommaso Ranchino

Terry Gilliam ricorda Heath Ledger

Il genio ex Monty Phyton sbarca al Festival di Roma per presentare "The imaginarium of Dr. Parnassus", ultimo film interpretato dallo scomparso Heath LedgerDifficile soffermarsi su un film, anche se dell'importanza di "The imaginarium of Dr. Parnassus", quando questo porta con sé la struggente testimonianza di una vita, e una carriera, interrotte bruscamente. Ed infatti l'incontro con Gilliam torna spesso, quasi sempre, al ricordo dell'attore americano. "Per me era un attore, un uomo e un amico straodinario. Pieno di vita e di humour, dotato anche di un pizzico di sarcasmo, e poi una cosa che mi impressionava di lui era la saggezza che portava con sé. Ho sempre pensato che nelle sue vene scorresse sangue aborigeno, aveva 247 anni quando è morto".Nella pellicola le scene che Ledger non è riuscito ad intepretare sono state affidate a Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell, tre illustri amici di Heath: "Johnny, Jude, Colin hanno voluto collaborare e prendere parte al film perchè sono sempre stati molto vicini a lui. E io trovo che questo loro conoscerlo così bene lo abbiano portato anche nelle loro interpretazioni. Anche l'entourage di Tom Cruise ha proposto il suo assisitito per sostituire Heath, ma io non ho accettato perchè si conoscevano poco. Volevo solo amici stretti di Heath sul set".Ovviamente la morte di Ledger ha messo tutti di fronte ad una serie di scelte da fare: "Abbiamo deciso - dice il regista - di non cambiare assolutamente lo script, di realizzare il film così come lo avevamo immaginato con Heath".E proprio questa dichiarazione sposta l'attenzione sulla passione che l'interprete aveva per la regia, della quale avrebbe voluto fare il proprio lavoro un domani: "Era così deciso a diventare un regista, sul set non faceva altro che apprendere e la sua voglia di imparare era inesauribile. Voleva cambiare continuamente le scene e addirittura modificava le proprie battute. La sua presenza era così forte sul set che avevamo anche pensato di co-firmare la regia. Devo essere sincero neanche io spesso riuscivo a stare dietro a tutta la sua energia, era incredibile quando lavorava".
E questa energia sul set era forse una delle sue caratteristiche fondamentali, quello che lo stanno immortalando nel ricordo di tutti come un personaggio incredibilmente carismatico e pieno di vita: "Rideva continuamente, ci sorprendeva davvero in ogni momento, riempiva tutti di scherzi. E la cosa incredibile che lui faceva tutto questo sempre nell'ottica della continua costruzione del suo personaggio. Cambiava accento e modi a seconda dell'oggetto della sua seduzione. Questa natura camaleontica che ha contribuito a creare un personaggio davvero complesso son certo che ha aiutato l'opera di Depp, Law e Farrell che hanno potuto reinterpretare a loro modo un personaggio dalle mille facce".

Muccino vs Tornatore

2009-10-26T18:05:00.001+01:00

Continua l'iter del Festival di Roma nel presentare al pubblico duetti (o duelli?) d'eccezione, le poltrone della Sala Petrassi che l'anno scorso erano riservate a Toni Servillo e a Carlo Verdone passano quest'anno alla coppia di autori Gabriele Muccino - Giuseppe Tornatore. Una chiacchierata piacevole, a tratti, un po' tediosa in altri, ripercorre attraverso le scene più significative dei loro film, che sono state scelte a vicenda, l'opera dei due. Due visioni di cinema formalmente diverse, sostanzialmente no. Entrambi amanti di una coralità partecipata, di uno sguardo multiforme e sempre in movimento, le scene di "Malena" e di "Come te nessuno mai" ne provano l'efficacia, si incontrano senza scontrarsi. Ciononostante le premesse erano sembrate diverse, pronti-via e Muccino attacca Tornatore: "Sei ridondante nei tuoi film, alla fine in quel marasma non arrivi al cuore della questione che vuoi raccontare". E Tornatore, meno frizzante e istrionico del collega balbuziente romano nell'eloquio, ma dotato di retorica da vecchia volpe, ribatte secco: "Me lo dicono in tanti, mai pensato che è semplicemente il mio stile?". Le acque, ahinoi, si quietano ben presto. I due si cullano l'uno nell'altro, sviolinate per il quantomeno discutibile "Baarìa" da una parte, buonismo da venditore dall'altra. Tornatore, addirittura ribattezzato Peppuzzo da Muccino in un'occasione, descrive così il cinema del romano: "La sua costante credo sia raccontare in modo effervescente, brillante, generazioni diverse. Mi sembra che tutti i protagonisti dei suoi film vadano verso quello che è anche il titolo di una delle sua pellicole: La ricerca della felicità". E va realmente vicino a quello che per l'Italia è stato Muccino, dimenticandosi presto però di quello che sta invece facendo oltreoceano, dove accetta di stordire gli spettatori con i patemi tutti hollywoodiani di Mr. Will Smith. Nella cinematografia del siciliano è palese, anche troppo, il continuo omaggio al cinema, "Nuovo Cinema Paradiso" e "L'uomo delle stelle" su tutti, mentre in Muccino questo aspetto non si riscontra, anche se lui si definisce, divertendo il pubblico, uno "che sa cosa ruba e a chi. Anche per rubare ci vuole un'arte". Tra scene di "Sette anime" e "La ricerca della felicità" ci si imbatte in un Polanski attore d'eccezione per una sequenza, quella del suicidio di Depardieau, di "Una pura formalità". Occasione imperdibile, visti i recenti accadimenti legati alla carcerazione del genio polacco, per Tornatore che corregge il tiro alle dichiarazioni da lui lasciate giorni addietro: "Molti hanno frainteso il senso delle mie parole in suo favore. Non volevo avallare gli 'stupri d'autore', come alcuni hanno voluto interpretare, ma solo dimostrare il mio affetto per Roman. La giustizia deve fare il suo corso, ma finora con lui le cose sono andate in maniera un po' strana". E Mario Sesti, e la sala tutta, si è stretta idealmente intorno a Roman, che finirà il suo "Ghost" in carcere per presentarlo alla Berlinale 2010. Anche questa volta l'incontro tra due grandi del cinema italiano di oggi ha fatto centro, soprattuto perchè il reale merito di un progetto di questo tipo è quello di trasformare lo spettatore occasionale in (neo)cinefilo, e questo per noi è sempre un bene, facendolo entrare inconsapevolmente in una forma mentis che non aveva prima.

Recensione: Tra le nuvole

2009-10-26T18:03:00.001+01:00

Clooney incanta il Festival con un personaggio che gli si cuce addosso, e il film piace a tutti

Ancora a Roma, ancora una full immersion nel microcosmo di personaggi anticonvenzionali per un Jason Reitman che, se è vero che tre indizi fanno una prova, dopo "Thank you for smoking" e "Juno" dichiara sommessamente al mondo cinefilo di essere bravo. E lo è per molti motivi, tanto per cominciare perchè con lui gli attori danno sempre il meglio, Aron Eckhart prima, Jennifer Paige poi, ancora si cullano e raccolgono i frutti delle loro esperienze reitmaniane. Lo è perchè il suo registro agrodolce ingenera risate sempre più intelligenti, pennellando favolette nere mai ridondanti.

Oggi la sua preda è la crisi profonda delle aziende statunitensi, che, costrette a ridurre drasticamente il personale, devono affidarsi a tagliatori di teste professionisti. Gente senza scrupoli e senza fissa dimora, che divora chilometri per licenziare i poveri disgraziati. E nella squadra hollywoodiana degli attori di mezz'età nessuno meglio del ragazzaccio dagli occhi languidi George Clooney poteva imbarcarsi in un ruolo non scontato come questo. Ed allora il mostro di Reitman prende presto forma, un uomo fissato con le carte fedeltà delle compagnie aeree, del noleggio auto, delle grandi catene alberghiere (e qui il product placement si spreca), che vive la sua esistenza, vuota, tra licenziamenti lampo e convegni nei quale promuovere un filosofia di vita tutta sua e alquanto deprimente. Tutto questo tra sequenze che ammiccano risate mai scontate.

Reitman si conferma abile domatore di stranezze, il film scorre e diverte, merito da dividere con Clooney questo, a volte è addirittura irresistibile, con un occhio sempre attaccato all'attualità degli Stati Uniti, e ai vizi di una società che da qualche tempo, Obama a parte, sembra essere arrivata ad un punto di saturazione preoccupante.
E' forse qui il merito maggiore di "Up in the air", nel forsennato andirivieni e avvicendarsi delle città degli States, l'occhio del protagonista attraversa in lungo e in largo un Pese intero, e quello dell'autore, parallelamente, va a fondo di un impianto sociologico dal denominatore comune.

Il film non si esaurisce qui, i personaggi si ritrovano inconsapevoli passeggeri di un percorso che porterà (quasi tutti) ad una risoluzione, o perlomeno maturazione, che segnerà il continuo delle loro esistenze. E Ryan (Clooney) sarà il collante, il deus ex machina che avvierà ogni processo interno ai personaggi che lo affiancano, trovando quell'amara consapevolezza che chiude il sipario.
Tutto è veloce, i ritmi incalzano lo spettatore. Un film da vedere, un gioiellino per il Festival di Roma.

VOTO 76/100

Tommaso Ranchino

Recensione: Viola di mare

2009-10-26T17:56:00.002+01:00

Presentato all'Auditorium il primo film italiano in concorso. Prodotto dalla Cucinotta, che si ritaglia anche un piccolo ruolo, e distribuito da Medusa, il film della Maoirca si ispira ad un romanzo di Giacomo Pilati, "Minchia di Re", che racconta il percorso e l'amore omosessuale di due giovani donne in un'isoletta sicula di meta '800. L'approccio alla tematica e l'ingresso di questa in un ambiente iperconservatore e patriarcale non erano dei più comodi, ed infatti il film della Maiorca si sgretola ben presto. La storia, pur se tratta da un episodio (dicono) realmente accaduto, viene soffocata sotto il peso delle innumerevoli sovrastrutture che vi si creano sopra, ancora una volta la complessità di un romanzo rovina l'intenzione di un film. Gli spunti interessanti non mancano, vedi la coraggiosa scelta registica manifestata da inquadrature non convenzionali e poco televisive (rischio scongiurato vista la militanza dell'autrice nel piccolo schermo) e la colonna sonora di Gianna Nannini, che sporca e attualizza il costume ottocentesco. Ma non basta. Le scelte voluttuose che accompagnano tutto il rapporto tra le due, una buona Solarino, che esce alla lunga, e un'impacciata Ragonese, meno in palla rispetto a "Tutta la vita davanti", intasano il gusto di chi guarda il film, paralizzano il percorso intrapreso all'interno dell'ipocrisia popolare e sottocategorizzano il tutto ad un melò ambiguamente realizzato. Un melò nel quale il motto è: "C'è solo un modo per volersi bene" (Angela a Sara). D'altro canto però il repentino cambio di rotta che "Viola di mare" vive, che non anticipiamo, lascia il campo al teatro del paradosso, desta la curiosità dei più attenti e fa crescere il rammarico. Il vero punto di forza dell'intero progetto sarebbe dovuto essere quello di analizzare le reazioni e le relazioni sociali che una bomba ad orologeria come il rapporto tra Angela (Solarino) e Sara (Ragonese) e le sue conseguenze avrebbero potuto avere. Questo soprattutto all'interno di un ambiente del genere, e lo sfruttare meglio l'ambientazione dell'isola, che in questi esperimenti aiuta eccome (Abrams docet), avrebbe rafforzato l'impianto metaforico e la riuscita della pellicola. Invece quel che rimane è un melodrammone troppo elaborato che vive soprattutto dell'interpretazione della Solarino e della singolarità comunque riconoscibile della tematica, il tutto deliziato da alcune scene erotiche d'impatto che esaltano sinuosità e asperità fiscihe delle due protagoniste, modelli di bellezze agli antipodi tra loro.

Mp News incontra Valeria Solarino, Isabella Ragonese, Donatella Maiorca, Maria Grazia Cucinotta e Gianna Nannini

(alla regista) La voglia di rappresentare un amore irrituale, che poi alla fine risulta essere l'unico sentimento sincero, a cosa è dovuta?

Donatella Maiorca: "Viola di mare è una grande storia d'amore e di libertà, la libertà di poter scegliere chi amare. Angela è una donna che s'innamora solo di sara, non di tutte le donne. E proprio per questo che la storia tra di loro, essendo universale, era attuale allora ed è attuale oggi.

Poi mi interessava smascherare un virus latente nell'essere umano: il razzismo e la violenza nei confronti dei diversi. Un altro aspetto che rende attuale il film".

(alle attrici) Come avete approcciato i vostri personaggi non facili? Avete mai pensato di scambiarveli?

Valeria Solarino: "Non avrei mai ceduto il mio ruolo, ero fortemente attaccata al personaggio di Angela. Ho sempre avuto chiara in mente una sola cosa: Angela ama Sara in qualsiasi momento della storia. Perciò qui parliamo dell'amore come dovrebbe essere considerato: due esseri umani che si incontrano senza dover rientrare in dei cliché stabiliti o dover riempire delle tabelle già scritte".

Isabella Ragonese: "Il personaggio di Sara l'ho lavorato in maniera meno evidente ed esposta rispetto a quello di Valeria. Ho dovuto intraprendere un percorso più soottile, prima di girare ho cercato di dimenticare ogni cosa attinente all'attualità, ho pensato ad una ragazza ingenua e normale cercando di capire cosa potesse scattare in lei, di cosa si fosse innamorata.

E secondo me Sara si innamora dell'amore che Angela prova per lei, più che di Angela stessa. Il film racconta quanto è potente una passione quando è reale".

(alla produttrice) Come commenta la bocciatura della legge contro l'omofobia?

Maria Grazia Cucinotta: "Non parlo mai di politica, ne parlano tutti oggi ed è una cosa grave perchè così si confonde la gente. Io faccio solo cinema, e così affronto il problema. Facendo il mio lavoro e portando avanti un film del genere. Per realizzarlo ho preso molte porte in faccia e ringrazio fortmente la Medusa che ha creduto nel progetto".

(alla realizzatrice della colonna sonora) Ti sei divertita nel comporre la colonna sonora per Viola di mare?

Gianna Nannini: "Per me quando faccio una colonna sonora è sempre importantissimo parlare con il regista. Questa volta vista l'ambientazione fortemente caratterizzata volevo uscire dal luogo comune della musica popolare, e siccome oggi il rock è la musica popolare per eccellenza il passaggio per me è stato molto vicino. Inoltre ho voluto recarmi personalmente sui luoghi dove tutto è accaduto e tutto è stato girato. Alla fine ho inserito delle sonorità di chitarra molto acide, che appartenessero al luogo e ai suoi sapori, che ho campionato stando lì".

I photoreporter boicottano Paz Vega e Christopher Lee

2009-10-15T17:54:00.000+02:00

Le acque si sono subito agitate nella giornata d'apertura del Festival, e questa volta non sono state nè le star capricciose nè gli organizzatori in cerca di visibilità per la kermesse a smuoverle, bensì i fotografi accreditati alla manifestazione. Un po' mestieranti, un po' artisti hanno mandato a vuoto il primo photocall del Festival, quello di "Triage". La bella iberica Paz Vega, il mostro sacro Christopher Lee e il regista serbo già premio Oscar per "No man's land" Danis Tanovic sono rimasti a bocca asciutta, nessun flash e nessun richiamo casereccio del genere: "Paz facce un soriso" hanno deliziato la mattinata all'Auditorium delle primissime star sbarcate al Festival. Singolare la notizia soprattutto se si tiene conto che nel film in questione i protagonisti sono due fotografi di guerra inviati in Kurdistan, i quali, tenendoci alla larga, non fanno un fine idilliaca. Dalla sua la FPA (Fotoreporter Professionisti Associati) sostiene, e a ragione, che gli spazi dedicati ai fotografi sono inadatti al numero di questi, e perciò le condizioni in cui si lavora sono inaccetabili. Nel comunicato diffuso i fotoreporter sfatano il mito secondo il quale "sarebbe stato lo stesso Renzo Piano a proibire la costruzione per i photocall", registrando la smentita degli architetti del team di Piano.

La magia della musica marocchina pervade il primo giorno del Festival di Roma

2009-10-15T17:51:00.000+02:00

Presentato al Festival del Cinema di Roma come proiezione speciale il documetario "Sound of Morocco" di Giuliana Gamba. Un mockumetary che delinea delicatamente il panorama musicale del Paese marocchino, raccontandone la magia e la magneticità ereditati dalla tradizione, attraverso la gita a Zri Zrat, culla del movimento musicale marocchino più antico, e motivandone la crescita e la consacrazione attraverso l'incontro con Omar Sayed, leader degli storici Nass El Ghiwane, definiti da Scorsese i 'Rollin' Stones d'Africa'. Il Cicerone di questo viaggio all'interno dei suoni di un Paese incredibile come il Marocco sarà Nour Eddine, che da vent'anni vive e suona in Italia, e che qui farà da tramite tra il nostro modo di pensare e quello di un Paese in fervida trasformazione. Questi pretesti hanno aiutato la regista a raccontare meglio il panorama odierno, attraversando le città di Tangeri, Ouazzan, Meknes, Casablanca e Essaouira (dove ogni anno si svolge il Festival di musica Gnawa). Un affresco complesso e coinvolgente, che lascia all'improvvisazione dei musicisti coinvolti, vedi il freestyle improvvisato dai rapper di Casablanca e gi urli delle donne ad una festa tradizionale, le redini del racconto di un popolo che vive un momento di grande orgoglio e rivendicazione, attingendo da ieri per costruirsi un domani accettabile.

Recensione: Nemico pubblico

2009-10-14T12:11:00.000+02:00

John Dillinger era per gli Stati Uniti della Grande Depressione l’antieroe di un popolo intero, l’inafferrabile rapinatore di banche, romantico, metteva in ginocchio, colpo su colpo, proprio quegli istituti che in quegli anni affondavano l’economia di un Paese intero. L’uomo che da solo mise in crisi e in discussione l’efficienza e l’effettiva utilità della neonata FBI. Colui che sfidò l’intero sistema, mettendo a segno evasioni e rapine da costa a costa.

Dozzine di romanzi e produzioni se ne sono occupati prima, ma qui ci si trova di fronte a qualcosa di visceralmente diverso.

È questo il pretesto, non da poco, da cui Mann parte: un terreno di contenuti dove il regista si muove a dir poco a suo agio, quello della definizione, quasi epica, di vita, morte e miracoli di cattivi dal cuore d’oro. Assassini dal carisma incontenibile sullo schermo, come il Tom Cruise di Collateral, o i poliziotti corrotti di Miami Vice, che l’affermazione planetaria di Michael Mann permette di veder interpretati da star di prim’ordine.

Stavolta è il turno di un Depp nella sua interpretazione perfetta, che accantona, almeno fino al 2011, i panni di pirata fulminato, e si ritrova magnetico protagonista di un gangster movie girato, ovviamente, alla Mann.

Proprio la coppia Depp-Mann sarà il motore di “Public enemies”, inquadrature con telecamera a spalla al servizio di un’interpretazione vecchia scuola, dove non per forza bisogna trasformarsi, ingrassare, imbruttirsi, invecchiarsi o prendersi in giro per richiamare amori di pubblico, critica e Academy.

Il resto, seppur ben curato, è un contorno che qui diviene di poco conto: il Bale inespressivo relegato ad un ruolo volutamente secondario, la descrizione di un’epoca vista ormai troppe volte al cinema, il crogiolarsi su facili stereotipi che la vita da ladro gentiluomo e un’ottima spalla femminile quale ‘Edith Piaf’ Marillon Cotillard porgono facilmente.

Il salto di qualità rispetto ad un buon film lo fa fare la, riconosciuta, vena registica di Michael Mann, che mette su un classico gangster-movie girato all’interno di un registro cinematografico che lui, prima e meglio di altri, incarna perfettamente. L’esperienza di un’immagine realistica, con una fotografia naturale spinta quasi al limite, sensazioni che i nuovi media come internet (vedi youtube) hanno insegnato a digerire come pane quotidiano, ma che sul grande schermo stravolgono lo spettatore. Lo lanciano nell’azione a fianco del Depp di turno, attraverso un’immaginaria telecamera nascosta nei covi dei criminali degli anni ’20.

Ed allora giù il cappello per Mr. Mann che, nell’epoca del 3D a tutti i costi, zittisce tutti e si conferma assoluto padrone del cinema d’avanguardia tecnologica ad alto budget. “Public enemies” funziona su tutta la linea (cast, sceneggiatura, scenografie, costumi), è un gangster-movie di primo livello, dove però sembra che il girato sia quello del backstage di una webtv indipendente inviata sul posto a dar fastidio e non quello ufficiale della major di turno (Universal).

VOTO 80/100

Tommaso Ranchino

Presentata la 4° edizione del Festival del Cinema di Roma

2009-09-26T17:47:00.000+02:00

Apre i battenti anche quest’anno il Festival Internazionale del Cinema di Roma. Per la prima volta interamente curato e diretto da Rondi, dopo l’edizione last minute dell’anno scorso.

Tanta carne al fuoco, prodotti interessanti ed iniziative lodabili. Forse l’anno della consacrazione, forse semplicemente una crescita rispetto al 2008.

Cominciando a puntare l’occhio sul concorso giungono subito le note liete per i cinefili che affolleranno l’Auditorium dal 15 al 23 ottobre.

In concorso: "Alza la testa" di Alessandro Angelini, "L'uomo che verra"di Giorgio Diritti, "Viola di mare" di Donatella Maiorca, "Up in the air" di Jason Reitman con George Clooney, "Triage" di Danis Tanovic con Colin Parrel e Christopher Lee, "After" di Alberto Rodriguez, "Broterhood" di Nicolo Donato, "Chaque jour est une fete" di Dima El-Horr, "Dawson Isla 10" Miguel Littin, "The last station" di Micheal Hoffman con Helen Mirren, "Plan b" di Marco Berger, "Qingnian" di Geng Jun, "Les Regrets" di Cèdric Kahn, "Vision" di Margarethe Von Trotta.

Prodotti che, più delle altre edizioni, potranno dare luce ad un concorso che a Roma, per dirla tutta, ha sempre fatto storcere la bocca al pubblico, ma soprattutto alla critica, lasciando il meglio del materiale alla sezione Premiére.

Da tener sott’occhio quindi i tre italiani che concorreranno al Marco Aurelio d’Oro: Angelini e Castellitto fieri del loro “Alza la testa”, quell’apprezzato Giorgio Diritti già autore di “Il vento fa il suo giro”, e l’amore saffico narrato dalla Maiorca in “Viola di mare” messo in scena dall’interessante trio femminile Cucinotta-Ragonese-Solarino.

Prestigiose le firme del Premio Oscar Tanovic che aprirà la manifestazione col suo “Triage” con Colin Farrell, le opere della Von Trotta e di uno dei giovani maestri della commedia nera come Jason Reitman, vincitore dell’edizione 2007 col sorprendente “Juno”, che porterà nella capitale il suo “Up in the air” con un protagonista che farà discutere al Festival non solo per la sua interpretazione, George Clooney (confermato per il red carpet).

Fuori Concorso i protagonisti indiscussi sono, ovviamente, i Cohen che presenteranno “A serious man”. Nonostante la direttrice Detassis li avrebbe visti (e chi non lo avrebbe fatto?) perfetti per il concorso, i cineasti statunitensi, come era semplice prevedere, hanno declinato la proposta, regalando però al Festival la loro presenza sul tappeto scarlatto. Buone speranze anche per l’ultimo di James Ivory e per la commedia “Julia & Julia” che culminerà l’omaggio a Meryl Streep e che chiuderà la kermesse.

Per l’appunto gli omaggi di quest’anno saranno dedicati all’attrice statunitense, all’impegnato Richard Gere e allo scomparso Heath Ledger, del quale verranno proiettati l’ultimo film a cui ha partecipato come interprete “The Imaginarium of Doctor Parnassus” di Terry Gilliam e alcuni cortometraggi da lui scritti e diretti, mai visti prima. Verdone e Servillo lasceranno le poltrone della Sala Petrassi per l’incontro-scontro a Gabriele Muccino e Giuseppe Tornatore. Altri incontri con lo scrittore Paulo Cohelo, che presenterà un insolito film, e con la più casereccia Asia Argento.

Anche quest’anno, purtroppo, il popolo del Festival dovrà sopportare i deliri adolescenziali post-pubertà degli invasati fan della saga firmata dalla Meyer, 20 minuti di “New moon” verranno presentati, e la presenza dei divi-vampiri non è ancora stata confermata, né tantomeno, ovviamente, smentita.

Molto è affidato sulle spalle di Mario Sesti e della sua sezione L’Altro Cinema, che nelle scorse edizioni si è rivelata fiore all’occhiello della manifestazione, portando alla ribalta e spostando dal cono d’ombra, come lui stesso lo definisce, prodotti davvero sorprendenti, uno su tutti quel “Man on wire” Premio Oscar come Miglior Documentario l’anno passato.

Le premesse sono buone, da notare la maggior compattezza e coerenza della manifestazione, che, da calderone scoordinato ed affrettato che era l’anno passato, sembrerebbe aver assunto un’identità, se buona o meno ancora non è lecito saperlo, quantomeno delineata.

Info utili: I biglietti sono acquistabili dal 28 settembre: all'Auditorium (luogo principale dove si svolge il festival), su internet, in altri punti vendita autorizzati. Per tutte le informazioni ed il programma c'è il sito www.romacinemafest.org.

Recensione: Earth

2009-04-19T20:01:00.000+02:00

La Disney Nature è pronta a prenderci per mano, ed immergerci nella natura incontaminata e mozzafiato che ricopre le zone (a noi) remote del pianeta. Un’esperienza rigenerante ed incredibile quella che la voce di Paolo Bonolis ci racconta, una visione che, però, ci scaraventa anche di fronte alle nostre responsabilità. La posizione di predominanza che la nostra specie ha naturalmente assunto ci ha portato, sempre naturalmente, a distruggere la Terra che ci ospita, nelle modalità più disparate possibili, riempiendoci la bocca, perlopiù nei momenti di relax, di parole e progetti “per l’ambiente” mai realizzati o fortemente perseguiti dalla comunità internazionale. Il documentario che la Disney e la Bbc confezionano si affida ad una potenza visiva che vale, da sé, la visione. Storie di animali in difficoltà per la sopravvivenza, una ‘famiglia’ di orsi polari, un elefante e due megattere saranno protagonisti di dure odisee, alla ricerca di quell’habitat che riscaldamento globale ed inquinamento hanno sottratto loro. Il Polo, il deserto e l’oceano allora diventeranno le vere star del docu-film, gli attori non accreditati di un urlo di dolore corale che arriva dal cuore della Terra. Tutto decodificato attraverso la percezione umana del concetto di famiglia e amore verso i figli, al quale “Earth” rimarrà forse un po’ troppo appeso per tutta la sua durata. Avremmo preferito un’emancipazione totale dalla voglia di umanizzare ogni espressione della natura, particolarmente disneyana, prediligendo il messaggio ambientalista che un tuffo nella natura nuda e cruda avrebbe saputo sopportare meglio. Resta la qualità tecnica della pellicola a renderne giustizia, gli amanti della natura rimarranno senza parole di fronte a cotante virtù del nostro pianeta, raramente immortalate così dall’occhio umano. Rimanere a guardare la divina perfezione di un ecosistema in crisi sarà il compito di chi guarda, cominciare ad attivarsi nel proprio piccolo, con tutto quello che un’assennata economia domestica può apportare, il compito di chi, oltre a guardare, sa anche rifletterci su. Un buon esperimento, sia dal punto di vista del puro entertainment, che da quello del messaggio globale, quello di “Earth”, che, se da un lato appare un po’ troppo demagogico e generalizzato, dall’altro ci mette di fronte ad una bellezza che ignoriamo, ad una maestosità al cospetto della quale dovremmo, intimoriti, chinare il capo (avvenimenti recenti ce lo insegnano), e non perseguire la falsa chimera di un benessere a breve gittata, senza saper guardare al (dopo)domani.

VOTO 71/100

Tommaso Ranchino

Recensione: Gli amici del Bar Margherita

2009-04-07T19:59:00.000+02:00

Continua l’Odissea nostalgica di Pupi Avati all’interno del suo cinema, di quelle atmosfere che ha vissuto e raccontato anni orsono. “Gli amici del Bar Margherita” è proprio per questo un film che racconta un’Italia che il cineasta bolognese conosce bene, impreziosito da una carrellata di personaggi, perlopiù macchiette, raccontati con umorismo cinico e sardonico.

Il filtro surreale che Avati sceglie genera nello spettatore una sensazione duplice, da un lato lo isola rispetto alle storie che, vista l’insolita attitudine di chi le trama e le vive, si succedono piuttosto rapidamente e con leggerezza, dall’altro mitizza l’epoca in cui il tutto si svolge, obbligando lo spettatore a rimanerne assolutamente affascinato e devoto. Ecco il motivo della riuscita del film di Avati, usciti dalla sala ci si trova di fronte all’irresistibile magnetismo di un periodo in cui tutto era ancora ben delineato, dove quello che facevi era legato indissolubilmente con chi eri e la costruzione della propria immagine aveva una valenza ancora di riconoscimento sociale. Da qui gli inganni, i tradimenti, le truffe, la mistificazione della propria natura che si alternano con intermittenza incalzante, disegnando un’umanità piccola e falsa con rara ispirazione descrittiva dell’autore.

A dispetto di questo buono che “Gli amici del Bar Margherita” evidenzia la pellicola soffre di una disarmonia generale che, alla lunga, tende a sfilacciare l’intero impianto. Le troppe storie che s’incrociano sono evidentemente un limite, si racconta troppo, facendolo male. Per mettere tanta carne al fuoco si perde per strada l’integrità stilistica che il film avrebbe meritato.

A conti fatti Pupi Avati si coccola un film che gli cuce bene addosso, in una versione di sé stesso (per fortuna) meno austera del solito, con un risultato complessivamente godibile, ma che balbetta quando lo si guarda nel complesso, a mente fredda, troppo legato alla natura episodica delle storie che lo compongono.

VOTO 65/100

Tommaso Ranchino

Recensione: Fast & Furious - Solo parti originali

2009-03-29T19:56:00.001+02:00

A sette anni di distanza dal primo F&F, tornano in sala Dom Toretto e Brian O’Conner. Il cattivo, che sotto sotto è un bonaccione, e il bravo ragazzo dalla faccia pulita, che si sente sé stesso solo quando si trova a fare il delinquente come infiltrato.

Dopo gli esperimenti di “2Fast, 2Furious” e “Fast & Furious – Tokyo Drift” si torna all’antico, a quella chimica che consacrò Vin Diesel, e lanciò Paul Walker e Michelle Rodriguez, attraverso l’idolatrazione pagana e godereccia di macchine fiammanti iperpacchiane e ragazze seminude che si dimenano senza motivo allietando ogni momento della giornata del gangster/pappone/spacciatore modello. L’ultimo esperimento si culla sugli allori di questo mondo, che sembra vivere esclusivamente in una certa Hollywood del blockbuster d’azione e non trovare un proprio corrispondente nella vita reale, facendo anche meglio dell’originale. L’ottima fattura formale, ed una storia che assume toni meno epici, per incunearsi un po’ di più all’interno dei personaggi storici della serie, si rivelano sin da subito una sorpresa. Sarebbe stato lecito attendersi un sequel senz’anima, tra il remake e l’amarcord, ed invece “F&F” rinvigorisce un genere, quello dell’action movie ambientato nel mondo delle corse clandestine, che inventò nel 2001, attestandosi come capostipite indiscusso del filone dei 2000s. Un filone che ha partorito perlopiù fenomeni da baraccone, con le relative disfunzioni insostenibili, vedi “Torque”, andando a prendere infelicemente il posto di quell’azione-spazzatura che l’era post-Stallone/Schwarzenegger ha generato.

Bisogna digerire il fatto, soprattutto dalle parti degi Studios losangelini, che costruire un buon film d’azione, come è “F&F-Solo parti originali”, non è facile. Bisogna trovare le facce giuste, e Diesel e Walker ce l’hanno, il regista giusto, Justin Lin già nello scialbo “Tokyo Drift” evidenziava una buona conduzione delle scene ad alto dinamismo, trovare il giusto dosaggio tra macchine e ragazze, esibendone l’appeal senza stomacare chi guarda (più facile accada con le auto); e nel fare tutto questo non bisogna dimenticarsi di dare un’anima a chi guida le macchine.

Proprio qui il film spiazza gli scettici, la sceneggiatura di Chris Morgan distoglie l’attenzione dalle macchine, a dispetto di quello che fa, e bene, la regia, poco si cura delle storie d’amore, quella tra Toretto e Letty (Michelle Rodriguez), quella tra O’Conner e Mia Toretto, ma si immerge negli spettri dei personaggi principali. La rumorosa coscienza dell’agente O’Conner, che si deve confrontare col torbido in cui sguazza, dovendo amettere che ci si trova alla grande, come fosse nato per star lì. La riabilitazione del criminale, che Toretto imbocca come fosse una strada quasi necessaria al percorso di formazione del proprio personaggio, il quale domina la propria sete di sangue per non appiattire irrimediabilmente la pellicola.

Chi si farà un giro per il mondo sotterraneo delle corse e del narcotraffico messicano di “F&F” rimarrà sorpreso dalla completezza di un’opera che va ben oltre le aspettative che porta in dote.

VOTO 70/100

Tommaso Ranchino

Recensione Film: Che - El argentino

2009-03-23T19:54:00.000+01:00

Lo sgranato di un bel bianco e nero ci porta per mano nel cuore dello storico discorso che il Che fece alle Nazioni Unite nel 1964. Ed allora, con un’immagine cromaticamente azzerata, la voce del Che, che perentoria e coinvolgente dichiara al mondo intero “Patria o morte”, elettrizza ancor di più lo spirito rivoluzionario che cova in ognuno. E proprio la revoluciòn, l’ideale, il sacrificio, la dedizione, sono i combusitibili che hanno fatto ardere vita natural durante l’animo del protagonista che, da questa prima parte del biopic di Soderbergh, ne esce poco nitido e mal contornato, ma comunque carico di un fascino magnetico, innegabile nel personaggio.

Gli occhi stanchi che la sanno lunga di Benicio Del Toro vanno perciò oltre tutto quel che l’impacciato Soderbergh narratore ha intenzione di fare e dire. Il percorso macchinoso e troppo ascrivibile al mockumentary che il regista di Traffic percorre qui, rischia di distogliere l’attenzione, di portarla eccessivamente sui toni populistici e di rapida decodificazione della lotta continua del Che contro l’oppressore nordamericano, perdendosi per strada la quintessenza dell’uomo, descritta meglio nei Diari della motocicletta. Il film è assolutamente ridotto e follemente fissato con le boscaglie e l’addestramento delle truppe rivoluzionarie di Castro, quando sfidava Batista, scene sempre uguali, che hanno insito però il merito di non etichettare la biopic tra le solite spettacolarizzazioni hollywoodiane delle vite dei grandi della Terra.

Il salto continuo tra l’ascesa del battaglione 26 Luglio e le dichiarazioni all’ONU stilizzano l’immagine del Che tra le sue due nature, di guerrigliero concettuale prima, e di politico post-rivoluzionario poi. Una duplice pulsione che ne ha caratterizzato l’esistenza, Che Guevara rimane uno dei pochissimi casi in cui l’uomo dipende così strettamente e visceralmente da ciò che ha fatto nella propria vita, anche e soprattutto in quel che dice, che la scelta, azzardata e complessivamente discutibile, di Soderbergh pare da questo punto di vista l’unica percorribile per raccontare l’uomo Ernesto Guevara.

In pratica il film fa scelte impopolari, dal punto di vista del marketing cinematografico soprattutto, ma è eticamente più vicino a ciò che il Che era per sé stesso, sicuramente più dei Diari della motocicletta, che però al cinema sono di tutt’altro piglio ed appeal. Soderbergh sceglie la coerenza del personaggio, e la fa sua, portando alla ribalta un qualcosa di farraginoso, rabberciato e poco avvincente, che, quando scorrono i crediti, lascia però a chi l’ha visto una forte ombra di un personaggio straordinario e modello sempiterno del rivoluzionario innamorato della libertà e della giustizia, che può, e il più delle volte deve, essere percorsa attraverso il sangue e il sudore.

VOTO 61/100

Tommaso Ranchino

Recensione: Questo piccolo grande amore

2009-02-16T19:25:00.000+01:00

È San Valentino, e la Medusa ha deciso di ricordarcelo a modo suo, scagliando in sala “QPGA”, acronimo di quei versi della canzone di Claudio Baglioni (Questo piccolo grande amore) che tempo addietro fecero sospirare giovani generazioni d’innamoratini da prima volta.

L’esordio di Riccardo Donna, fino ad oggi artigiano della fiction patinata per mamma Rai, ricostruisce l’Italia degli anni ’70. I capelli lunghi, i pantaloni a zampa, l’amore libero, la rivoluzione culturale.

Giulia e Carlo vengono da quartieri diversi, ed hanno vite diverse. Liceale perbene e perfettina lei, universitario libertino lui. Quando s’incontrano cambia tutto, e il concept album di Baglioni del ’72 scrive la loro storia, passando per Portaportese, Piazza del Popolo e la stazione Termini, laddove si consuma la parabola del loro menage.

Un’ennesima prova d’immaturità per il cinema italiano, un film che prende tutto quel che può da “Across the universe” di Julie Taymor, non sapendone cogliere, tralasciando l’impietoso accostamento musicale, il reale valore: il saper contestualizzare l’opera dei Beatles, reinterpretandola in lungo e in largo. Invece il Baglioni di QPGA è ancor più banale dell’originale, se possibile, le atmosfere sanno di primo bacio rubato a13 anni, sanno dell’amore impossibile e maledetto, che poi impossibile non sarebbe nella realtà, visto e rivisto.

Ogni tassello del puzzle è un passo nel baratro, l’ambientazione, la sceneggiatura, i personaggi, tutto è preconfezionato. Eppure il marchio è lo stesso del primo “Notte prima degli esami”, che, senza bisogno che ci si strappino i capelli per gli elogi, risulta incredibilmente meglio congegnato, e riporta in quegli anni ’80 con uno spirito sanamente nostalgico, giocando meglio con musiche e storia.

Anche le facce a cui Donna si affida, gli esordienti Mary Petruolo e Emanuele Bosi, risultano troppo standardizzate e pulitine, meglio sarebbe stato sporcare di più i personaggi, ed evitare quel sapore da spot che glassa la pellicola, e che, ahinoi, intraprende il suo crescendo nella primissima scena.

Un film affrettato, banale, privo di ironia, iperglicemico ed indigeribile. Forse i teen-ager più sensibili potranno ritrovare le loro idealizzazioni sullo schermo, e rivivere la fugace emozione della prima volta, della corsa in motorino con l’amata, della gelosia che ti chiude lo stomaco. Ma sorge qualche dubbio anche in merito vista l’epoca, d’altronde Baglioni non può più avere la stessa presa di un tempo.

VOTO 40/100

Tommaso Ranchino

Recensione: Operazione Valchiria

2009-02-02T19:23:00.001+01:00

Verso la fine del conflitto mondiale il Colonnello dell’esercito nazista Claus von Stauffenberg, di servizio in Nord Africa, rimane ferito gravemente ed abbandona il fronte. Di ritorno a Berlino la sfida più importante della sua esistenza è lì ad aspettarlo: prenderà infatti parte, diventandone ben presto il perno, ad un attentato alla vita del cancelliere tedesco.

“Mi trovo circondato da uomini che non vogliono, o non sono capaci, di affrontare la realtà: Hitler non è solo il peggior nemico del mondo intero, ma il peggior nemico della Germania”.

Da sempre la massa dell’opinione pubblica internazionale si è chiesta come avesse fatto la popolazione tedesca a sopportare Hitler e la sua nefasta dittatura che ha fatto sì che la Germania si inimicasse il mondo intero. Come avesse fatto un popolo intero a permettere tutto questo. “Operazione Valchiria” è lì per dire che questo in realtà non successe mai, che in primis gli alti ranghi dell’esercito covavano malumori mai realmente soffocati.

La storia di uno dei tanti attentati che il Fuhrer subì è qui riportata con modesta solerzia storica, ma con una buona conduzione generale della pellicola. Il Bryan Singer che firmò, prima di crogiolarsi nelle rendite ultramilionarie come regista di cinefumetti Marvel con “X-Men”, quel “I soliti sospetti” che ha lasciato un ottimo ricordo in tutti quelli che, dal 1995 ad oggi, lo hanno visto, evidenzia oggi una regia salda e matura, sviscerando all’interno di un impianto classico la discesa-ascesa-discesa di un personaggio dal forte tasso di eroismo. Classicismo ed eroismo allora saranno i vessilli di un film che trova nel solito Tom Cruise, carismatico ma mai del tutto convincente, un personaggio in fin dei conti mal investigato, semplicemente messo lì a fare ciò che deve, senza troppe indagini introspettive a renderlo vicino allo spettatore o a rendere lo spettatore stesso partecipe della parabola narrativa che viene intrapresa. Il complotto, l’attentato, la fugace gloria, il baratro.

Il limite sta nell’eccessivo inscatolamento predefinito d’ogni personaggio, pedina di un thriller comunque dotato d’impatto, ma assolutamente anemico dal lato della verve stilistica e della ricerca cinematografica. Il classicismo formale e narrativo lo si sarebbe potuto, anzi dovuto, metter al servizio di un canovaccio meglio strutturato.

Le sequenze concitate dell’attentato godono di un gran piglio sul grande schermo, ma sembrano essere uno dei pochi picchi, soprattutto perché un pressoché impalpabile approfondimento delle motivazioni e del substrato culturale da cui prendeva linfa il movimento finisce per dare la sensazione di star davanti a un’azione cinematografica avventata e d’intrattenimento, perlopiù nei confronti di un Hitler qui quantomai tipicizzato e macchiettistico. Anche allora il semplificato ‘platonico’ duello personale tra von Stauffenberg e il Fuhrer perde di tutta quella veemenza drammaturgica che avrebbe meritato.

A conti fatti ci si trova davanti ad un’opera che porta con sé un esclusivo valore d’intrattenimento di stampo classico, distorcendo anche la storia che vorrebbe raccontare e portare alla massa, restando nel limbo dei film riusciti a metà su cui però ci si sarebbero potuti spendere sforzi, soprattutto nella sceneggiatura, meglio mirati. Una visione è consigliata,lo schermo attaccherà il pubblico alla poltrona, in attesa di conoscere il finale, ma di certo tutto cadrà ben presto nel dimenticatoio.

VOTO 61/100

Tommaso Ranchino

Intervista al regista e al cast di Italians

2009-01-27T17:57:00.002+01:00

Giovanni Veronesi torna al cinema, lascia i patemi d’amore e i viaggi chiarificatori post-maturità per puntare il suo obiettivo su tutti quegli italiani che, per motivi personali o per lavoro, vivono o si trovano temporaneamente all’estero. Proprio fuori dai confini diamo contemporaneamente il nostro meglio e il nostro peggio, croce e delizia dell’italianità. Il regista toscano ce li racconta così: “Nel film ci sono 4 tipologie completamente diverse di italiani all’estero, abbiamo scelto quelle che potevano risultare più divertenti pur essendo sostanzialmente persone normali. In realtà penso anche di esser stato troppo buono, in alcuni casi la condizione degli italiani all’estero è a dir poco stravagante, particolarmente di quelli che si trovano in Russia, che noi raccontiamo nel secondo episodio”.
C’è comunque stato un cambiamento nelle motivazioni che spingono gli italiani ad emigrare, soprattutto perché nel dopoguerra si cercava una situazione sostenibile dove lavorare e magari fare anche fortuna: “Gli italiani che adesso vanno all’estero – dice Veronesi – sono di ceto sociale decisamente più alto, e più che altro cercano buoni affari. Hanno però una caratteristica comune che ci accomuna da sempre: l’italiano all’estero da sempre si porta con sé un grado d’italianità molto più alto rispetto alle altre nazionalità. Nel film appare una frase pubblicata sul New York Times: ‘Gli italiani sono il popolo che suona di più al metal detector’, e penso che la nostra italianità è talmente forte e caratterizzante che suoneremmo sotto il metal detector anche nudi. Poi noi sappiamo adattarci meglio, e ci facciamo sempre riconoscere, questo è vero, ma non solo per l’essere caciaroni, anche perché abbiamo sempre un’umanità e una positività che viene sempre e comunque apprezzata”.

La pensa così anche Riccardo Scamarcio: “Credo davvero che in Italia ci sia una sorta di umanità che viene sempre fuori. Ad esempio basta andare in America e vedere quanta violenza c’è, se solo si pensa alla polizia statunitense la nostra polizia e i carabinieri ci fanno simpatia. L’umanità è la nostra migliore qualità, tutto il resto è un casino, qui nessuno rispetta le regole e il più delle volte fa come gli pare”.
Interprete del film anche Ksenia Rappoport, che fa uno strano confronto tra italiani e russi: “I nostri popoli trovo abbiano davvero molto in comune, soprattutto quando vanno all’estero. I russi quando sono fuori sono incredibilmente impacciati, non parlano una parola d’inglese e fanno casino. Da noi in Russia gli uomini italiani sono sinonimo di amore, passione e sole, li vediamo così”.

Sembra proprio che tutti abbiano una precisa e propria idea sugli italiani all’estero, anche Carlo Verdone ce la racconta: “Gli italiani che lavorano e vivono all’estero sono la parte migliore del nostro Paese. Io ho avuto molte occasioni per confrontarmi con questa gente, e mi sono accorto che qualsiasi lavoro facciano portano un carica e un bagaglio di genialità che altri non hanno. Genialità che possono ben confluire, cosa che non succede qui, anche grazie al rispetto e all’osservanza delle regole e ai mezzi di cui dispongono altre società straniere. Se questo accadesse anche in Italia, se ci fosse un minimo di rispetto per le regole in più tutto potrebbe girare per il verso giusto”.
Verdone, aderendo maggiormente ad “Italians”, racconta l’esperienza con Veronesi, unico regista, a parte naturalmente sé stesso, da cui da un po’ di anni si fa dirigere: “Giovanni è un mio amico anche nella vita privata, e dopo aver fatto i due manuali d’amore ho pensato che non ci potesse essere due senza tre. Ho quindi accettato il ruolo volentieri, anche perché ogni tanto mi fa bene fermarmi e far anche l’attore senza far l’autore. Veronesi poi ormai capisce e conosce i miei tempi, riesce a dare spazio ai miei tic e alle mie caratteristiche. Gli ho chiesto di mettere in imbarazzo il mio personaggio spesso, infatti quando sono in imbarazzo riesco a dare il mio meglio. Poi nel film da una prima parte in cui sono impacciato ed imbranato, passo ad una temperatura meno comica e più poetica, scoprendo nella casa-famiglia quei valori meno effimeri che forse cercavo veramente”.

Anche Sergio Castellitto fa parte felicemente del cast di “Italians”, misurandosi con la commedia, come poche volte gli era successo in carriera: “Io sono uno che frequenta poco la commedia. Già feci “Silenzio si nasce” con Giovanni in compagnia di Paolo Rossi, ed avevo un bel ricordo, poi sono stato battezzato al genere proprio da Carlo in “Stasera a casa di Alice” a fianco di Ornella Muti, perciò mi allettava l’idea di tornarci su. Essendo anche io regista quando lavoro per altri sono molto obbediente, un ospite gentile ed educato nel mondo dell’altro regista. Per Veronesi gli attori sono gli effetti speciali dei suoi film, e ovviamente contribuiscono di loro alla storia e alla sceneggiatura, ad esempio nel nostro episodio nel piccolo dialogo sul mutuo, che trovo di una forza incredibile, ho collaborato alla scrittura”.
L’attore romano confida di aspettare ansioso la reazione del pubblico meno navigato: “Sono davvero molto curioso di vedere la reazione dei ragazzi giovani. Questo è un film che cerca di portare un’analisi abbastanza approfondita sulla natura e l’essenza del nostro essere, inserendo questi elementi riflessivi all’interno di una commedia. D’altronde se guarderai alla commedia potrai sempre trovare un’analisi sociologica di fondo, invece guardando alla sociologia difficilmente ci troverai della commedia”.
All’interno di “Italians” c’è un elemento, per alcuni disturbante, per altri riuscito, che si emancipa completamente dalla produzione di genere: il personaggio di Dario Bandiera muore, Veronesi ce lo spiega: “Questa volta sono voluto andare un po’ oltre, inserendo la morte di Bandiera. Volevo vedere se il pubblico continuava a seguirmi, perché inserire un elemento del genere in un film di questo tipo non è assolutamente facile da digerire. Infatti la prima sensazione è quella di aspettarsi che il personaggio rispunti fuori da qualche parte, o che non sia lui l’assassinato. Lo spettatore poi se ne capacita, il film cambia completamente, e si è portati a ricercare un senso di quiete e pace, che parzialmente si ritrova nella parte finale del film e nella casa famiglia”.
Il presidente Filmauro Aurelio De Laurentiis, spiazzando anche lo stesso Veronesi che aveva appena detto: “Il prossimo che farò non sarà un film ad episodi, ma non voglio dirvi altro…”, ha annunciato che è di prossima produzione la nuova fatica del regista toscano: “genitori e Figli – Istruzioni per l’uso”.

Tommaso Ranchino

Recensione di Italians

2009-01-27T17:42:00.003+01:00

Si apre con “Tarareando” dell’Orchestra di Piazza Vittorio l’ultimo di Veronesi, degli stranieri che fanno musica in Italia dischiudono così quelle folkloristiche danze che gli italiani che si trovano in terra straniera sembrano saper cadenzare come nessun altro popolo.
Due episodi raccontano un’italianità da esportazione, soprattutto cafona, ma anche misercordistica, godereccia prima, umanitaria poi. Quattro le facce da italiano che il regista plasma, trasforma, umanizza. Facce da Scamarcio, da Castellitto, da Verdone, da Bandiera, prodotti diversi di un cinema invece davvero poco esportabile, che si riferisce, Veronesi è garanzia in tal senso, ad un innalzamento esponenziale delle cariche emozionali di avvenimenti in realtà di poco conto. Una poetica alla quale il regista ci ha iniziato con i due manuali per innamorati scemi, e che sembra coltivare anche in questo “Italians”, arricchendola dell’interessante idea di metterci tutti un po’ in discussione, in una sorta di simil“Sorpasso” nel primo episodio, che scatena una riflessione on the road tutta all’italiana. Un cinema attaccato ad una filosofia becera, delle pisciate chiarificatrici nel deserto e del sex tourism che tanti connazionali sembrano apprezzare, che però perde aderenza quando si vuole mostrare romanzo di formazione, sfornando in un tripudio iperglicemico di buonismo due finali così così, uno pessimo per il vero. A quel punto meglio ancora sarebbe stato continuare la strada intrapresa, scandagliando più a fondo la nostra fissazione per le donne leggere e straniere, per il soldo facile che spesso cerchiamo all’estero, occultando la parte sin troppo umanizzata che distrae e confonde le idee, completando un ritratto a quel punto sì manierato e sin troppo vincolato alla drammaturgia del cinema spicciolo.

Il Verdone sempre impasticcato ed ipernevrotico dei film di Veronesi torna, dopo prove agrodolci, a far ridere di gusto; pur se ingabbiato in un personaggio scritto malino, l’attore romano si ispira alla commedia all’italiana, cosa che difficilmente in un passato fatto di macchiette e manierismo aveva provato a fare, riproponendosi in una veste che, lui assicura, sarà quella definitiva d’ora in poi. Dopo aver lasciato il proprio testamento artistico in “Grande, grosso e Verdone” si rimette in pista puntando sull’esperienza e la conoscenza che la maturità gli ha donato, ed è un godimento la scena che regala nel secondo episodio.
Di contro poco graffiante la prova di un immenso interprete quale Sergio Castellitto, che evidenzia, e conferma, scarsa propensione genetica per lo scorrimento comico di film del genere, risultando sempre forzato quando cerca il sorriso del pubblico, ed invece incredibilmente bravo e magnetico quando ne cerca la riflessione o la reazione emotiva. Di suo Scamarcio fa lo Scamarcio, forse ancor meno ispirato del solito, che sfoggia ahinoi un imbarazzante accento romano, e Bandiera conferma una potenzialità d’istrione ancora poco indagata e spremuta a dovere dall’industria dello showbiz nostrano.

Comunque va dato atto a Veronesi, e ad “Italians”, di metter in circolo un cinema a metà tra la boiata commerciale e la commedia impegnata, pendendo meritevolmente più per la seconda, almeno nelle intenzioni, restituendo solo parzialmente quella dignità che il genere ha conosciuto tempo fa. La strada da fare è tanta, ma pare che la buona volontà, sotto tanti aspetti, ci sia.

VOTO 55/100

Tommaso Ranchino

Recensione di Imago mortis

2009-01-20T18:07:00.000+01:00

Bruno studia regia alla Murnau, una scuola internazionale di cinema del torinese, e la sua vita viene tormentata da una serie di visioni raccapriccianti e lugubri, in coincidenza col momento in cui riuscirà ad ottenere il lavoretto di custode dell’archivio cinematografico della scuola per pagarsi la retta. Tra l’incredulità e lo scetticismo di chi lo circonda riporterà a galla avvenimenti oscuri, ed oscurati, di anni prima, legati agli esperimenti del pazzoide Fumagalli. Scienziato del 1600 che era riuscito, attraverso il tanatoscopio, una sorta d’elmetto omicida alla “Saw”, a ricavare dai bulbi oculari l’utima immagine registrata dalla vittima dell’orpello infernale. Tutto questo anni prima dell’apparizione della fotografia.

Anche in Italia scocca l’ora della rivalutazione e rivisitazione del genere horror. L’effetto traino scatenato dalla florida rinascita iberica, capitanata da Amenàbar, Balaguerò, Del Toro e l’ultimo Bayona di “El orfanato”, trova il suo corrispondente nell’ultimo lavoro di Stefano Benussi. Si parte da dove si era terminato, si potrebbe dire così. Uno degli ultimi registi cimentatosi con successo nell’esercizio del genere è stato Pupi Avati, ritornato a metter paura anche col recente “Il nascondiglio”, e Benussi proprio di Avati è stato aiuto dal ’98 al 2001.
Accantonato il contesto ed il momento favorevole a livello europeo, “Imago mortis” non riesce di fatto a rilanciare un genere, qui, in disuso, anzi. Paralizzato da un’inspiegabile voglia di ‘internazionalità’, che porta a coinvolgere personaggi inquietanti, quali Geraldine, figlia di Charlotte, Chaplin e figlia, il film si appoggia su di un’idea interessante, quella di volersi addentrare nell’ossessione della razza umana di voler spasmodicamente fermare il tempo attraverso le immagini istantanee, assurgendo l’ultima immagine impressa sulla retina prima della morte ad esempio metaforicamente coinvolgente di vita, morte e tempo. Ma l’idea non trova respiro in quest’opera sconclusionata ed a tratti persino farraginosa.

La capacità di portare a termine un horror, o qualcosa che gli somigli assai, non la si acquisisce da un giorno all’altro, ed evidentemente in Italia non siamo ancora pronti, o almeno Benussi e compagnia ancora non lo sono. La regia si rivela ben presto invadente, facendo scelte visive radicali, quali l’epifania continua dello spettro sottolineata violentemente da un’invadente colonna sonora, eliminando luce in maniera del tutto arbitraria. Ogni stanza (impeccabilmente e per niente plausibilmente impolverata e stravecchia), antro o corridoio della scuola di cinema è illuminato al massimo da una lampadina, e chi guarda ha la sensazione di un ambiente davvero troppo forzatamente distorto. Forzatura che culmina, e dà il colpo di grazia a tutta la credibilità di “Imago mortis”, nella costruzione dei personaggi. Manierati ed insopportabilmente pilotati, anche nella recitazione, maschere quali quella della contessa proprietaria della scuola, inquietantemente spettrale, quella del direttore della fotografia che, impazzito, ha deciso saggiamente di vivere rinchiuso in una stanza della fatiscente struttura della Murnau, il preside-professore, regista attempato che vive l’immortalare immagini in modo ossessivo e compulsivo. Insomma una carrellata di macchiette improbabili, che trascinano pian piano il film verso la propria involontaria, tuttavia la migliore, natura grottesca.

“The orphanage” è qui lontano anni luce, la coerenza, in primis stilistica ed in secundis narrativa, viene disattesa, a favore della facile veemenza visionaria di una commistione continua di elementi paranormali e simbolismi pregni di futili metafore. Passato/presente. Sogno/realtà. Vita/morte. Tutti dualismi che vengono snocciolati a raffica, in uno svolgersi che ridurrà in maniera didascalica tutte le premesse ad una semplice ricerca del colpevole, dell’aguzzino, del carnefice invasato dall’arte e dall’ossessione per l’immagine eterna, cinematografica o fotografica che sia.
Resta comunque un bene aver cercato di riportare in voga il genere in Italia, speriamo che qualcuno, di meglio ispirato, colga il segnale e s’impegni a ricostruire una tradizione che da Argento, Bava (entrambi) e appunto Avati non ha più regalato un sano brivido all’italiana al pubblico, non solo connazionale.

VOTO 45/100

Tommaso Ranchino

Intervista al regista e al cast di Imago mortis

2009-01-18T18:03:00.000+01:00

“Imago mortis” tenta di rinverdire la produzione di film di genere in Italia, soprattutto in relazione all’onda d’urto del fenomeno spagnolo, e a tal proposito il co-sceneggiatore della pellicola Luis Berdejo è proprio colui che scrisse, assieme a Balaguerò, lo script di “Rec”.

Il regista Stefano Bessoni ci racconta il suo rapporto con l’horror: “La mia scelta nasce dalla mia inesauribile passione per il genere, che fu proprio quella che mi spinse ad intraprendere la carriera nel cinema. Sin dall’inizio ho voluto affrontare questo genere, pur rendendomi conto delle difficoltà che ci sono in Italia nella produzione di opere gotiche ed horror. Fortunatamente dopo una collaborazione di due anni con la Pixstar siamo finalmente riusciti a fare il film che volevamo fare”.
La realizzazione del film, tra riferimenti e passaggi di testimone, ha nascosto più di un’insidia, soprattutto in fase di scrittura: “Aldilà del lavoro finale con la Pixstar- dice Bessoni - la gestazione di Imago mortis è stata lunghissima, durata parecchi anni, in cui si sono avvicendati innumerevoli sceneggiatori, ci sono state circa 30-35 riscritture. Quella definitiva, che arriva al cinema, è quella mia e di Luis Berdejo, per l’appunto. Il riferimento al cinema tedesco espressionista è stato un passaggio obbligato per me, così come lo è per tutti quelli che approcciano l’horror. Poi ovviamente la scena attuale spagnola, tra Balaguerò ed Amenabar, ed uno sguardo al cinema nazionale di genere di cui, pur non citando direttamente, mi porto qualcosa visceralmente dentro. Voglio creare un genere come accaduto in Spagna ed in Francia”.

Nel film sono presenti due donne, eredi di un nome a dir poco oneroso, Gerladine Chaplin, già vista proprio in “The orphanage”, e sua figlia Oona. La ragazza, che vive a Londra, racconta l’esperienza sul set con la madre: “E’ la seconda volta che lavoro con mia madre, mentre la prima fu una cosa voluta, che abbiamo scelto e portato avanti insieme, questa volta, credetemi, è stato tutto figlio di un puro caso. Stefano è arrivato a me attraverso un agente di Londra. Qualche giorno più tardi, parlando al telefono con mia madre le stavo raccontando che avrei dovuto girare un film a Torino, e abbiamo scoperto di essere entrambe nel cast dello stesso film. La cosa più assurda è che Stefano inizialmente non sapeva nemmeno che eravamo parenti, tantomeno madre e figlia”.

Il protagonista maschile è il giovane spagnolo Alberto Amarilla, che racconta il momento spagnolo così: “Trovo che Spagna e Italia siano cugini di primo grado, ci sono infinite affinità tra i nostri due paesi. Oggi la Spagna sta vivendo un vero e proprio risorgimento: dal cinema per l’appunto, per arrivare sino allo sport, stessa cosa che, soprattutto parlando di cinema, l’Italia ha passato anni fa. E spero davvero che in Italia possa accadere oggi lo stesso che accade da noi, soprattutto perché durante le riprese ho potuto confrontarmi con un cast tecnico dotato di un talento cinematografico davvero fuori dal comune”.

Tommaso Ranchino

Recensione di Ti amerò sempre

2009-01-12T02:14:00.003+01:00

Il romanziere francese Philippe Claudel, penna apprezzata soprattutto in patria, si cimenta per la prima volta dietro la macchina da presa e, per la verità, riesce finalmente a dare pieno sfogo ad una passione che coltiva dagli anni del liceo. Naturalmente scritto da lui, “Ti amerò per sempre” inquadra la propria attenzione sulla conformazione del rapporto tra due sorelle: Lèa, donna dall’incredibile fragilità che mal si concilia con la propria innata voglia di vivere, e Juliette, la maggiore, appena tornata in libertà dopo aver scontato 15 anni per l’omicidio del proprio figlio. L’incontro fra le due, allontanatesi dopo la condanna, e forse anche prima, riesumerà emozioni e percezioni, legate soprattutto al crimine di Juliette, che porgeranno momenti di instabile intensità, mai eccessivamente energica comunque, allo spettatore. L’amore, quello misterioso ed enigmatico fra sorelle, quello viscerale e in qualche caso anche distruttivo di una madre per il proprio figlio, sono, qui, gli elementi facili di una storia come tante. Storia che in ogni caso avrebbe potuto generare due ore di gran film, asciugando qui e lì, smontando le troppe barriere socio-culturali che “Ti amerò per sempre” propone, adoperando modelli di decodifica ben più scarni ma efficaci.
Gli spettatori invece si ritrovano sbatacchiati all’interno di un ambiente intellettualoide, con evidenti puzze varie sotto al naso, dove, tra figli vietnamiti adottati (l’adozione è un tema qui sviscerato con una superficialità pressoché sconcertante) e spossanti dibattiti pregni di citazioni autoreferenziali, l’antipatia già fenomenale dei francesi diventerà praticamente leggendaria, addirittura nel film un personaggio ammette di esser dovuto scappare da Parigi perché vi erano troppo parigini, e forse Nancy non è stata la scelta più oculata in quest’ottica.
Un contorno che, al contrario, meglio si sarebbe sposato con la struttura di un’opera narrativa. In poche parole un romanzo per lo schermo, le pagine si evolvono in fotogrammi, distorcendone la qualità prìncipe, dove i personaggi non possiedono alcun vantaggio rispetto ai ‘videolettori’, ed anche in questo Claudel palesa la propria spiccata sensibilità da autore di romanzi, scavandosi la propria fossa cinematografica. Tempistiche di un libro, perlopiù descritte aggrappandosi ai particolari, alle piccolezze, che ci portano immagini di un cinema lento e spoglio d’impeto patetico.
Complessivamente nulla qui è troppo male, pulite le interpretazioni, addirittura eccezionale Kristin Scott Thomas, che si porta a casa anche l’EFA come migliore attrice protagonista, una sceneggiatura senza particolari picchi o cadute, che oggi è già qualcosa, ma la totalità rimane comunque priva di un quid cinematografico che ce la possa rendere indelebile, o quantomeno lodabile. Tutto insieme non funziona.
Che non ci si potesse aspettare granché da un esordio lo si immaginava a priori, ma Claudel evidenzia anche una modesta padronanza del mezzo, esibendo una regia didascalica e piatta, che, di suo, non aggiunge nulla. Si vuole sobbarcare l’onere di scrivere un libro di celluloide, dimenticandosi della varietà dello strumento con cui si sta relazionando. Il cinema vive di innumerevoli aspetti che la composizione di uno scritto non prevedono. Claudel non se n’è accorto, o non è riuscito a seguire tutte le fasi (scrittura, prepoduzione, riprese, montaggio, postproduzione, rifinitura) come avrebbe dovuto. Tutto qui.
In sintesi un film senza sprint, senza un proprio stile ben definito, che s’inserisce con poco entusiasmo nel filone autoriale francese, in un marasma ormai davvero grigio, sbiadito, per riscattarsi esclusivamente in un finale che restituisce un minimo di senso filmico al lavoro.

VOTO 51/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Ultimatum alla terra

2009-01-01T02:06:00.000+01:00

Una sfera mastodontica è atterrata a Manhattan, Central Park. Il mondo è atterrito, il Presidente Usa se l’è già data a gambe e Klatuu, ambasciatore alieno, è uscito allo scoperto per avvertire il genere umano che la Terra non gli appartiene, visto l’animo distruttivo della nostra specie.
Il remake di “Ultimatum alla Terra” arriva al cinema, a 57 primavere di distanza dall’originale firmato Robert Wise, cineasta sperimentatore che ha attraversato innumerevoli generi (“Elena di Troia”, “West Side Story”, “Tutti insieme appassionatamente”, “Star Trek”). La mano contemporanea dell’inesperto Scott Derrickson (“The exorcism of Emily Rose”, “Hellraiser V”) connota l’intenzione del film su di un altro strato, se nel ’51 il messaggio pacifista insigniva il valore dell’opera, oggi la vena scolasticamente ambientalista di questo ennesimo remake, isterica tendenza hollywoodiana che sta prendendo sempre più, ne tarpa le ali e le facoltà narrative. Nella realizzazione formale poi questa natura di mezzosangue trova il suo solare esibirsi: alla fotografia ed agli approcci cromatici dal gusto retrò che si lasciano intravedere qui e lì non viene dato il giusto spazio, ripiegando sulla scialuppa di salvataggio, nonostante effetti speciali ben gestiti, di una formalità meticcia, tra il b-movie falsamente ricreato e il distaster movie d’oggi.
In uno scorrere affrettato, a tratti televisivo, la pellicola molesta la visione con la assoluta decostruzione di personaggi manierati e scribacchiati. Il cast inabissa assieme alle proprie maschere, il solo Keanu Reeves sguazza in un ruolo che ben gli si cuce. La sua inespressività viscerale, che si porta dietro dagli esordi, trova un completo adempimento nella disgregazione emotiva di un personaggio alieno. Il completo firmato e la pelle grigiastra fanno il resto.
Il sorvolare sbrigativo del film poco riporta alla forza che avrebbe meritato la sensazione claustrofobica di un’isteria di massa, egregiamente vista in “E venne il giorno”, un contorno onnipresente che a giochi fatti risulta il fulcro delle intenzioni di sceneggiatura e girato. Tendenzialmente “Ultimatum alla Terra” decide di non sporcarsi le mani, di fare un passo indietro, di riportare un genere in recessione come la sci-fi ad una risoluzione semplicistica e scevra di complessità. Un buco nell’acqua per la cinematografia odierna, che con le ottime prove di Shyamalan e di Danny Boyle (“Sunshine”) ha nel suo arco le frecce giuste per ricominciare a centrare il bersaglio nel largo bacino di fan, disillusi, della fantascienza.
Il singolare nucleo famigliare composto da Jennifer Connelly e Jaden (figlio di Willie) Smith si specchia falso e distorto in una mendace riproposizione di un’integrazione condivisa, oppure è semplicemente un raggiro mediatico imposto dal babbo alla Fox in una clausolina di chissàquale faraonico contratto. Fatto sta che è un ulteriore elemento minante, manifesto di uno sconclusionato lavoro di preproduzione.
“Ultimatum alla Terra” non merita una visione, godendosi qualche buon risultato visivo non si giustifica una completa disattenzione nei confronti della storia, a tratti mortalmente tediosa, a tratti nauseatamente già vista. Peccato per un genere nobile, che meriterebbe un rispetto reverenziale capace di bloccare velleità produttive come questa.

VOTO 45/100

Tommaso Ranchino

Recensione di The Spirit

2008-12-25T02:17:00.001+01:00

Basato sulla graphic novel di Will Eisner che quando uscì, parliamo del lontano 1940, disse fortemente la sua su ciò che sarebbe venuto dopo, “The Spirit” è il primo film personalmente diretto da Frank Miller, reduce dalla stretta ed ottima collaborazione con Robert Rodriguez per “Sin City”. Ed è proprio da lì che si parte, dall’esperienza che Miller ha avuto sul set con Rodriguez, dove ha capito che avrebbe potuto disegnare i propri film, girare le scene sul green screen, e poi unire il materiale girato alle proprie illustrazioni.
In questi anni, proprio grazie a Miller, ci troviamo di fronte ad una commistione, cinema e fumetto, che verrà ricordata come una delle più fruttuose mai strette tra due arti visive. Prodotti che difficilmente possono essere definiti film, o semplice animazione, qualcosa che prende dal mondo del cinema la cinetica e la dinamicità che un foglio non potrà mai avere, ma che strappa dalle pagine di Miller, o meglio dalla versione milleriana del lavoro di Eisner, quella incredibile creatività cromatico-stilistica a cui un regista canonico non potrebbe mai aspirare. Qui il merito infinito del talento di Miller, un talento così prepotente da portarlo ad eccellere in campi così complessi e diversificati quali il disegno, la scrittura e una schizzata ossessione per i personaggi, tanto per dirne una la striscia di Batman “The Dark Knight” che ha fatto la fortuna del cinefumetto, definizione per la verità strettina in questo caso, meglio riuscito di tutti tempi porta la sua eccellente firma.
Certo la conduzione di un film è altra cosa, “The Spirit” sembra rubare troppo a “Sin City”, distorcendo la natura più pop, alla “Watchmen” diciamo, del lavoro di Eisner. Ed allora l’impatto visivo, che in assoluto è ottimo, poco e male si amalgama con la storia dell’ex poliziotto innamorato della sua città. E più in generale tutto risulta troppo frazionato, riducendosi ad un insieme di siparietti, singolarmente riusciti, ma che uno appresso all’altro lasciano tante perplessità.
Il fiore all’occhiello del primogenito di Frank Miller è l’ironia che lo attraversa in lungo e in largo, il cupo noir di “Sin City” è qui dolce e demenziale, il ‘villain’ Octopus (Samuel L. Jackson), alter ego maligno del protagonista inscenato dal poco carismatico Gabriel Macht, attira le benevolenze dei lettori/spettatori nella sua spasmodica delirante ricerca del superuomo, passando goduriosamente per i travestimenti nazisti che ricordano più il naziporno “La bestia in calore” che “Schindler’s list”. Un teatro dell’assurdo, quello di Samuel L. Jackson, sarcastico e parodico, dotato di una vivace cromaticità che avremmo voluto vedere lungo tutta la pellicola. Splendida anche la Send Saref di Eva Mendes, esplosa più che mai in tutto il suo intrigante fascino, donna che preferisce, e di gran lunga, i diamanti alla vita vera, gli amori d’interesse a quello vero. E proprio sugli amori e sui continui colpi di fulmine del protagonista la novel si riderà addosso più volte, facendoci rider di gusto anche a noi per la verità.
Un risultato agrodolce, che pende comunque verso una promozione con riserve, che risente in malomodo dell’onda lunga del riuscito “Sin City”, scimmiottandolo eccessivamente, invece di coglierne gli elementi che avrebbero potuto essere utili a rendere al meglio il messaggio di Will Eisner, dove la città è l’unico vero amore del protagonista, su cui tra l’altro ci si sarebbe potuti scervellare di più in fase di casting. Qui invece quella che dovrebbe essere un’immaginaria New York, altro grande amore, assieme alle donne, di Frank Miller, fa solo da sfondo e da musa dei deliranti monologhi narranti del suo ‘spirito’ di superomino, altra fotocopia di “Sin City”.

VOTO 58/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Lissy - Principessa alla riscossa

2008-12-22T19:21:00.001+01:00

Era il 2007 quando l’acuto Michael Bully Herbig regalò al pubblico tedesco “Lissi und der wilde Kaiser”, un cartoon digitale che, partendo dai lavori Dreamworks e arrivando anche a prendersene gioco, si poggiava sulla forte caratterizzazione del suo creatore, che ha prestato volto e voce alla protagonista femminile. Una pellicola per adulti, pregna di una valenza locale nel suo humour che le ha consentito di comandare la bundesliga del box office a lungo.

Qui in Italia il discorso è diverso. Michael Herbig non è uno degli showman più seguiti ed amati, anzi è un perfetto sconosciuto. Una comicità che si prende gioco delle fissazioni e delle caratteristiche grottesche di alcuni tedeschi avrebbe trovato una naturale indifferenza nel nostro panorama culturale. Ed allora la Moviemax, che distribuisce il film, ha deciso di ritoccare profondamente la natura dell’opera, edulcorandone i toni, riscrivendo per intero battute e doppi sensi inadattabili. Quello che ci arriva è un cartoon in pieno stile Dreamworks, con la piacevole aggiunta di una comicità a sfondo sessuale che nei prodotti d’oltreoceano non si vede mai, viste le storture conservatrici che caratterizzano lo stomaco degli Stati Uniti.

Un prodotto che rubacchia alle opere che hanno segnato il genere: lo Yeti che, in una sorta di singolare par condicio, si colloca perfettamente a metà tra il Sully di “Monsters & co.” e Shrek, la vena parodica di prodotti quali lo stesso “Shrek”, “Cenerentola e gli 007 nani” e “Cappuccetto Rosso e gli Insoliti Sospetti”.

Il vizio della rivisitazione italiana è proprio quello di prendersi troppe libertà nei confronti dell’originale, ci si trova sovente di fronte ad un esito che sa di rimpastato e disarmonico. La voglia di accontentare tutti, bimbi e genitori, finisce per disilludere entrambi: né il pubblico più giovane potrà godere di una sintonia con i personaggi e con la storia, né gli adulti potranno ridere di gusto come avrebbero potuto. Si è voluta imboccare una strada cerchiobottista, forse per non perdere le potenzialità di un prodotto d’animazione dalle spiccate qualità tecniche, nulla a che invidiare ai lavori Pixar, che verrà lanciato appena dopo le feste, facendo leva sulle nostalgie delle incantevoli atmosfere natalizie appena nate e già finite.

“Lissy – Principessa alla riscossa” resta comunque qualcosa di nuovo, nella sua accezione originaria, e un prodotto che arriva invece in immenso ritardo rispetto ai modelli statunitensi, meritandosi comunque una visione per un paio di trovate particolarmente riuscite.

VOTO 50/100

Tommaso Ranchino

Recensione del Bambino con il pigiama a righe

2008-12-12T02:22:00.000+01:00

Bruno si è trasferito nei pressi di un campo di concentramento, e la noia delle sue giornate lo spingerà ad avventurarsi aldilà del filo spinato, incontrando la propria maturazione e la consapevolezza di una condizione insostenibile.
L’amicizia infantile tra Bruno, figlio di un ufficiale nazista, e Shmuel, bimbo ebreo rinchiuso in un campo di concentramento, porterà ad un incontro di due realtà opposte, manifestazioni di uno stesso riferimento socialmente allargato, quello dell’umanità gretta e arrendevole.
È proprio il rapporto amicale tra i due che monderà la trasmissione di una situazione violentata dal cinema, come quella della Shoah, in un approccio che tanto richiama, pur se con velleità e stilemi del tutto ineguali, “La vita è bella” e “Le train de vie”. Metaforicamente il regista Mark Herman, affidandosi all’input dell’infanzia, s’interroga sull’inesplicabile realtà di quegli anni. Due bimbi che si specchiano uno nell’altro, risvolti estremi di una situazione hobbesiana e paradossale di homo homini lupus che ancora oggi trova un’acerba analisi o risoluzione almeno intenzionale.
L’assoluta immedesimazione sociale e gerarchica degli adulti, splendida l’interpretazione di Vera Farmiga, scatenerà un vortice di violenza che la singola coscienza di ognuno degli aguzzini difficilmente saprebbe anche immaginare o strutturare: un caso estremo della rappresentatività comunitaria che sfoga i propri tumori attraverso l’imbarbarimento più becero nei confronti della debolezza della minoranza etnica. Una disfunzione che ha generato uno sterminio di dimensioni epidemiche, le quali conseguenze aleggiano ancora nelle rappresentazioni immaginarie di un futuro di convivenze insostenibili.
“Il bambino con il pigiama a righe” sorprende per la capacità di emanciparsi dal clichè del buono e del cattivo, dell’ebreo e del nazista, del bimbo e dell’adulto, in un affresco che trasuda coscienza narrativa e un realismo rivisitato ad hoc per la situazione. Come se il regista fosse stato ignifugo nei confronti degli inebetiti esperimenti ed esercizi narrativi che tale tematica ha ispirato. Lo scuotimento sentimentale facilone e a portata di tutti qui non è minimamente indagato, il garbo nel rappresentare la violenza interna al campo evidenzia una sana dose di rispetto nei confronti di una memoria condivisa e gravosa.
In sostanza un film che tira dritto, non si ferma al primo assunto banale, abbatte le barriere, in primis quelle psicologiche, ricordandoci che il pigiama a righe è stato cucito da noi, su misura delle nostre paure sociali, senza possibilità di una redenzione che non passi per la consapevolezza di una colpa largamente condivisa a tutti i livelli.

VOTO 68/100

Tommaso Ranchino

Recensione di Bolt

2008-12-04T12:09:00.003+01:00

Dopo poco più di un mese dall’uscita dello splendido e, a modo suo, rivoluzionario Wall-E, il miglior prodotto in assoluto dell’animazione nell’era digitale, la Disney torna in sala con “Bolt – Un eroe a quattro zampe”. E lo fa senza la Pixar, questa è la notizia. Nonostante ci sia John Lasseter, storico uomo Pixar, nei panni di produttore esecutivo e, naturalmente, di guida per gli esordienti registi, il prodotto, tecnicamente impeccabile, che ne esce ha caratteristiche simili, ma non del tutto identiche alle collaborazioni Disney – Pixar.
Il film narra delle avventure di Bolt, cane protagonista di una serie tv di successo nella quale salva il mondo grazie ai suoi superpoteri. Il problema è che per Bolt esiste solo il mondo fittizio in cui è un supereroe, e quando esce dal teatro di posa hollywoodiano per andare in cerca della sua padroncina si scontrerà, e i traumi non saranno pochi, con il mondo vero e con la realtà di non essere dotato di alcun superpotere.
La Disney torna al classico, ci sono tutti gli ingredienti indispensabili che hanno caratterizzato i prodotti anni ’90: i buoni sentimenti, l’amore incondizionato e reciproco (tra il cane e la sua padroncina), l’ironia pulita, un protagonista integerrimo e lo stuolo dei personaggi spassosi, ben caratterizzati ed ancor meglio costruiti, e il necessario happy ending. Tutti elementi che rendono il prodotto meglio fruibile, soprattutto rispetto a Wall-E, ad un pubblico più giovane.
La solfa indubbiamente è rinnovata esclusivamente nella forma, ma ha il merito di sfornare e lanciare nel mercato natalizio l’ennesimo fenomeno mediatico, si è ormai perso il conto da Mickey Mouse in poi; il cagnolino Bolt farà ancora una volta breccia nei cuori del pubblico più verde e recettivo, non ci sono dubbi a riguardo.
Il protagonista si formerà fluttuando tra le varie dimensioni che si alterneranno (realtà-finzione, mondo umano-mondo animale), tra (dis)avventure e pause di riflessione, lungo un viaggio on the road che attraverserà lo stomaco degli Stati Uniti, da New York a Hollywood, in compagnia di due immancabili compagni di viaggio prima e di vita poi: un’ironica e sarcastica gatta abbandonata ed un criceto sovrappeso e tv-dipendente, che da sempre segue sul piccolo schermo le avventure del super-cane col quale si troverà ad unirsi in un metaforico percorso di formazione che gioverà a tutti i personaggi della storia. Ed allora Bolt imparerà a fare il cane ‘normale’ trovando la propria felicità, nel più classico immaginario dell’animazione di tradizione.
Il film è poi impreziosito da dettagli sempre impeccabili: dal doppiaggio alla cura nel delineare i personaggi anche secondari, o addirittura solo figuranti. Tutto è coordinato e questo si riconferma il punto di forza delle produzioni disneyane, nelle quali, anno dopo anno, successo su successo, la soglia d’attenzione dell’intero team, con o senza Pixar, resta alta.
Con Bolt si ride, ci si commuove, ci si diverte senza pensarci troppo su, un’occasione, per gli adulti, di staccare la spina e rilassarsi di fronte all’ultima frontiera dell’entertainment per famiglie.
Qualcosa di già visto, certo, ma di cui difficilmente il pubblico si stancherà o si priverà come lieto intervallo tra le abbuffate natalizie, soprattutto se casa Disney continuerà a dimostrarsi così affidabile ed infallibile.

VOTO 58/100

Tommaso Ranchino

Recensione di Torno a vivere da solo

2008-12-04T12:01:00.003+01:00

Giagià (Jerry Calà), dopo vent’anni di matrimonio, torna a vivere nel suo loft da scapolone impenitente nel centro di Milano. Equivoci, tradimenti, intrecci amorosi più o meno strampalati si alterneranno in un film che vuole, riuscendoci poco o niente per la verità, fotografare con disimpegno la situazione, modernistica più che moderna, della famiglia allargata, sia in senso numerico che in senso di genere o razza, manifestando nel finale un’affermazione goliardica dell’amore omo-transgender. La sostituzione di ‘Pace e bene’ in ‘Pacs e pene’ la dice lunga.

“Torno a vivere da solo” è il sequel, più ideale che reale, di uno dei film che ha reso Calà un protagonista della commedia all’italiana degli anni ‘80, “Vado a vivere da solo”. Nonostante questo punto di contatto la nuova creatura dell’istrione, che ormai 57enne torna in un ruolo principale, segna l’affermazione di un distacco da ciò che era stato, strizzando l’occhio a quel che sarà, o almeno questa è la speranza. Il gigioneggiare oltremodo manierato che lo ha reso celebre e vendibile nei suoi anni d’oro, quando girava 4 film l’anno, è riproposto in modo ragionatamente relativo attraverso la razionalizzazione iniziale, che poi diventerà un’eclissi totale in corso d’opera, dei suoi pezzi forti. Chi vedrà “Torno a vivere da solo” ritroverà nelle prime sequenze il Jerry che aveva riposto nella memoria, forse ancora più carico ed eccessivo, ma durante il disporsi della storia ad una rivisitazione nostalgica, spesso riprovevole e stucchevole in alcuni colleghi di Calà che lavorano a pieno ritmo ancora oggi, si sostituirà un flusso nuovo, quello di un interprete rinnovato, meno caratterista, ma con più corde a disposizione. Una scelta azzardata, forse.
Il prodotto che comunque viene liberato nel carnaio anticinefilo natalizio del 2008, uscirà in 200 copie il 5 dicembre, ha dalla sua un minor richiamo commerciale, senza dubbio, ma un’attenzione verso il cinema e verso la commedia lievemente maggiore e più rispettosa. Il cast, a tratti ridicolo, vedi un Don Johnson oltremodo fuor d’acqua, la Henger, la Ingerman, Max Parodi e qualche altro elemento minante rilasciato qui e lì, giova però anche di note liete, su tutti un ispirato Paolo Villaggio, trascinatore di un paio di monologhi strepitosi, un Enzo Iacchetti sorprendentemente morigerato nell’interpretare il migliore amico omosessuale che si innamora del protagonista, e poi delle vecchie glorie del teatro milanese quali Gisella Sofio e Piero Mazzarella.

L’influsso di qualche bravo attore si sente anche nella dinamicità della pellicola, i cinepanettoni più recenti hanno sempre sofferto la totale irrilevanza della storia, mortificata, con diabolica ripetitività, dalla vena caratterista dei comici che vi recitano, che qui invece non figurano. Dopo tanto tempo ci si ritroverà a seguire, senza trascendere per carità, la trama di una commedia non impegnata prodotta nel nostro Paese. Chiaro che qui non si aprirà un’era nuova, ma una ventata, anzi un alito, di una rivalutazione della risata facilona ricercata in un ritorno al passato è soffiato.
Chi si avvicina con supponenza ed esigenza si guardi bene, e giustamente, dalla visione della pellicola. Chi invece poco bada al mezzo cinema, all’espressione artistica e ai contenuti, ma che anzi non disdegna una capatina annuale da Boldi e De Sica, si goda questo film onesto e coerente con la propria natura, preferendolo ai già citati avversari, e non se ne pentirà.

VOTO 50/100

Tommaso Ranchino

Intervista ad Oliver Stone per W.

2008-11-29T15:12:00.000+01:00

Oliver Stone ha presentato a Torino il suo ultimo e controverso lavoro, “W.”. Una parodia ragionata sul Presidente degli Stati Uniti dal gradimento popolare più basso della storia, ma che non bisogna dimenticare che è stato comunque eletto due volte, che ha trovato dappertutto un muro distributivo dovuto alla troppa vena politica e all’impellente ed onerosa attualità del tema.

Fare un film sul Presidente in carica è stato problematico, sia per la figura controversa del

Presidente stesso, sia per la situazione politica che tendeva a mutare in continuazione.

Stone ci descrive le difficoltà nel fare un film su Bush: “Durante le riprese poteva verificarsi un attacco terroristico oppure gli Stati Uniti, come effettivamente avevano intenzione di fare, avrebbero potuto dichiarare guerra all’Iran. Poi il crollo dell’economia ha smorzato i toni dell’amministrazione Bush, che ha dovuto rivedere i propri piani, e ha danneggiato McCain che i sondaggi davano in vantaggio prima del 16 settembre”.

Come si diceva “W.” è una pellicola che porta con sé grandi problemi legati alla distribuzione: “In America il film è stato accolto abbastanza bene ma la crisi economica forse ci ha in parte

danneggiato perché è diventata protagonista dell’attualità americana più del Presidente

stesso. Per gli americani Bush è «morto» il 16 settembre. Tuttavia, nutro grandi speranze

per il film di ottenere dei riconoscimenti e di avere una vita lunga oltre alle proiezioni nelle

sale. Credo che possa essere ben apprezzato anche in Europa dove Bush non è mai stato

molto amato. Per quanto riguarda la distribuzione italiana del film, è probabile che verrà acquistato da una casa di distribuzione piccola, indipendente e molto forte che crede profondamente nel

film. E nonostante in Italia l’amore per il cinema non si traduca più in una visione nelle

sale, il film potrà comunque continuare a vivere in DVD o essere trasmesso da qualche

emittente”.

Josh Brolin si è caricato onori ed oneri di interpretare il ruolo di Bush, Oliver Stone ci racconta le singolari motivazioni della scelta: “Josh Brolin è un meraviglioso caratterista che nel 2007, grazie in particolare a Non è un paese per vecchi è riuscito a far conoscere le sue doti. Fino a quel momento non riusciva a sfondare a Hollywood, per questo ho riscontrato un’analogia col Presidente perchè a 40 anni entrambi avevano fallito, l’uno come attore, l’altro come politico, presidente di una squadra di baseball e uomo d’affari. Un’altra analogia era la figura ingombrante del padre,

un famoso attore sposato con Barbra Streisand. Brolin inizialmente si è quasi risentito di

queste analogie ma io gli ho proposto immediatamente il ruolo perchè vedevo in lui un

atteggiamento texano che si è manifestato nell’accento ben costruito e nella camminata. È

una sorta di cow-boy alla John Wayne. Abbiamo girato il film in sequenza cronologica per seguire i cambiamenti nella vita di Bush. Nello scegliere il cast abbiamo pensato ad attori che non avessero somiglianze fisiche con i reali personaggi ma che potessero in qualche modo sentirsi quei personaggi”.

Vedremo come e dove verrà distribuito questo film che, per onestà intellettuale, dovrebbe esser visto, criticato e discusso in tutto il mondo.

Incontro con Roman Polanski

2008-11-29T15:08:00.000+01:00

Il regista, intervistato da Nanni Moretti, parla del suo cinema, in occasione della retrospettiva dedicatagli al Torino Film Fest

A Roman Polansky è stata dedicata un’intera retrospettiva, che ha ripercorso la sua intera militanza di filmaker, dall’esordio nel ’51 con “Morderstow” per arrivare all’ultimo cortometraggio “Chacun son cinéma” del 2007. Uno spostamento, dall’essere europeo e americano al contempo, che ha caratterizzato il suo cinema, attraversato dallo smarrimento e dall’angoscia di non poterne uscire mai.

Nella chiacchierata a 360° con Nanni Moretti Polanski ammette di aver molto amato il nostro cinema, ma di esser sconcertato sul momento attuale: “Mi ricordo che da studente aspettavo con ansia il film successivo di De Sica o Rossellini mentre negli anni ’60 seguivo i giovani registi italiani (Pasolini, Olmi, Bellocchio, Bertolucci, De Seta) sia come collega sia come spettatore. Mi chiedo cosa sia successo al vostro cinema dopo. Sarà colpa della televisione”.

Ma anche per la Nouvelle Vague francese ha una parola dura: “I film della Nouvelle Vague sono spesso inguardabili. A parte forse Truffaut”. Il suo approccio singolare al cinema ha fatto sì che spesso i suoi film, pur avendo avuto gran successo, non siano stati interpretati come lui se lo aspettava: “Spesso scopro cose del tutto inaspettate o che non avevo immaginato. Specialmente riguardo alla comicità. A volte il pubblico ride senza che io ne capisca il motivo o invece non sembra divertirsi in momenti che per me sono comici. A volte. Per esempio per me L’inquilino del terzo piano era un film comico, ma il pubblico l’ha inteso diversamente”.

La retrospettiva, fortemente voluta dal regista ossessionato dalla Sacher, è andata bene, attraversando l’intera manifestazione ha riscosso anche un discreto interesse del pubblico.

Recensione film: New Orleans mon amour (Fuori Concorso)

2008-11-27T19:14:00.001+01:00

Il regista statunitense Michael Almereyda torna a Torino 11 anni dopo aver presentato il suo corto “The Rocking Horse winner”, con un lungometraggio che vuole omaggiare, cominciando dal titolo, quella che lui stesso definisce la sua seconda casa: “New Orleans mon amour”.

Girato in una condizione problematica per la città sul Mississipi, ovvero nel 2006, un solo anno dopo la tragedia di Katrina, il film racconta l’amore extraconiugale tra il Dr. Jekyll e la giovane Hyde, che si sono ritrovati, entrambi volontari, tornandosi ad amare dopo che l’uragano, oltre alle case e a tutto il resto, si era portato via anche il loro rapporto.

Tra realtà e finzione, la pellicola divide il proprio animus, velleità documentaristiche che tentano, riuscendoci a metà, di riportare una tersa istantanea della New Orleans convalescente e degli spettri che la abitano, e in questa desolazione la vicenda amorosa dei due risulta falsata e distorta. Il regista dimostra di essere un modesto narratore, la storia, scollata e ricucita a forza più volte, non ha il piglio che ci vorrebbe, lasciando affievolire anche la resa della sezione documentaristica.

Il voler offrire una personale trasposizione dell’amore, di coppia o universalistico, tentando al contempo di rendere giustizia ad un momento cupo della storia di una magnifica città, nella quale non ha smesso di pulsare vibrante il cuore nero del blues, è un’ambizione irraggiungibile da Almereyda. L’unica cosa che trova la giustizia cercata è il sentito omaggio alla città, della quale è tangibile l’affezione dell’autore. La passione per il cinema riversata qui è indubbia, a tratti ci si emoziona davvero, e alcune frazioni di “New Orleans mon amour” sono dei piccoli film, opposti tra loro, da spiantare ed ammirare.

In sostanza l’autore indipendente statunitense ha messo troppa carne al fuoco, dimostrando presto di non avere le corde e l’occhio per gestire il troppo materiale narrativo e cinematografico in cui si era imbarcato.

VOTO 56/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Wendy and Lucy (Fuori Concorso)

2008-11-26T19:16:00.000+01:00

Wendy è diretta in cerca di fortuna in Alaska, una macchina, il suo adorato cane Lucy ed uno zaino carico gli unici residui della sua vecchia vita. Fermatasi per la notte in una cittadina dell’Oregon, la scomparsa all’indomani dell’adorata Lucy avvierà un processo di smarrimento interiore alla protagonista, che tra le disperate ricerche del cane scaverà silenziosamente al proprio interno.

La regista di Miami Kelly Reichardt utilizza un registro scarno, puntando tutto, o quasi, sull’interpretazione di Michelle Williams, conosciuta ai più per la serie tv “Dawson’s Creek” e per esser stata moglie dello scomparso Heath Ledger. L’attrice non delude, sono i suoi occhi e le sue espressioni a restituire al pubblico le sensazioni predominanti dello script, solitudine, angoscia, disorientamento. La troviamo qui trasformata ancora, l’adolescente pienezza di “Dawson’s Creek” e i capricciosi panni da superdiva di “Io non sono qui” di Todd Haynes sono lontani, vestita in modo sciatto, porta un caschetto bruno che la fa somigliare ad un uomo, anche per disilludere le fastidiose avances che avrebbe potuto incontrare nel suo viaggio verso l’Alaska.

“Wendy and Lucy” è un film che, pur dicendo poco con le voci, mette in questione innumerevoli aspetti dell’esistenza umana: la voglia di mettersi alle spalle un passato che la storia non concede allo spettatore, l’amore per un cane, simbolo di un affetto disinteressato e fanciullescamente irrinunciabile, il mettersi in viaggio verso il nord, in un modus che ricorda tanto l’epopea del Supertramp di “Into the wild”. E come nel film di Sean Penn la nostra girovaga incontrerà un anziano che le darà aiuto, senza chieder mai nulla in cambio, personaggio, o deus ex machina, che riporterà Wendy a fidarsi della natura umana, sciogliendo quella contrattura sociale che i suoi sguardi nei confronti del prossimo sembrano palesare. I magnifici luoghi e le musiche di Eddie Vedder che tanto e bene hanno contribuito alla riuscita di “Into the wild” sono qui assenti, ma l’ottimo lavoro di sceneggiatura ha riportato appieno nell’immaginario comune le sensazioni di una vita, e di un film, itinerante. La città dell’Oregon è essenzialmente tappa di un qualcosa di più grande, che parte da lontano per arrivare lontanissimo, le emozioni di una vita da scoprire come quella di Wendy magnificano la visione.

Lodabile il buongusto della sceneggiatura di affrontare con garbo il rapporto cane-padrone, l’animale sarà in video per non più di un quarto d’ora, e questo lascerà campo alla narrazione di un sentimento quanto mai misterioso ed empatico.

Un buon lavoro di cinema indipendente americano, che descrive sensazioni contrastanti senza parlarsi mai addosso, senza ammiccare mai, senza fare della facile demagogia cinematografica.

VOTO 75/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Bitter and twisted (Torino 26)

2008-11-26T18:15:00.003+01:00

Liam è scomparso prematuramente, lasciando una fidanzata ed una famiglia numerosa. La dipartita del giovane avvierà un meccanismo diabolicamente ben congegnato, stravolgendo le vite delle persone più care che però, attraverso la gravosa rielaborazione del lutto, vivranno una metamorfosi necessaria che aprirà loro inaspettati spiragli vitali.

Giù il cappello per l’opera prima del 24enne Christopher Weekes, che interpreta (alla grande), dirige e scrive un lungometraggio incantevolmente ritmato, dimostrando una notevole nozione di cinema. Autori ben più rodati non sempre raggiungono il risultato prefisso, qui ci si trova davanti ad un film che vuole parlare della vita a chi la vita la vive tutti i giorni, soffermandosi sulle depressioni e sulle solitudini di un manipolo di personalità eccezionalmente descritte. Un cinema formalmente denso, costruito su di un’ottima colonna sonora e su di un’ammirevole varietà d’inquadrature, e che propone una coralità attoriale che rende tangibile il dinamismo di una sceneggiatura acuta, fiera dell’umorismo nero che la pungola.

L’autore si è visibilmente confrontato e riferito al cinema indie più blasonato, la vicinanza stilistica a registi come il primo Paul Thomas Anderson è palese.

L’istantanea che ne esce è quella di un’umanità disperata e sola, che si appiglia al prossimo per un’autoaffermazione sociale dovuta più che voluta. Esseri umani che, smarriti, ne cercano altri in cui smarrirsi. Il volto dell’amore, familiare o di coppia, assume un’espressione enigmatica ed inquietante, a tratti disarmante; la felicità rimane così null’altro che un compromesso, almeno fino a quando nel finale i personaggi non si guardano in faccia come forse non era mai successo prima.

“Bitter and twisted” punta dritto e non si distrae, pur essendo molto costruito e poco aggrappato al reale, non accentua le proprie astrusità come si verifica spesso in lavori del genere. Pur trovandosi in situazioni assurde ed assumendo atteggiamenti al confine del surreale i personaggi mantengono una loro dignità e credibilità, facendo sì che l’opera conservi fino in fondo la propria vigoria e non si specchi smodatamente.

VOTO 72/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Momma's man (Torino 26)

2008-11-26T18:14:00.001+01:00

Una dimensione temporale lunga e vorticosa la caratteristica essenziale del terzo lungometraggio di Azazel Jacobs, figlio di quel Ken Jacobs (che vediamo comparire nei panni del padre qui) che con i suoi lavori e il suo impegno nell’arte visiva ha dato un apporto notevole al movimento underground del cinema newyorkese.

“Momma’s man”, l’uomo di mamma, comunica un disagio preminente e totalizzante che paralizza il protagonista, che, tornato nella sua New York per motivi di lavoro, non riesce più a tornare alla sua nuova vita losangelina, in cui aleggiano le forti presenze e le onerose responsabilità di una moglie e di una figlia a carico.

Nel periodo in cui Mike, il cui nomignolo Mickey ostentato di continuo accentua la sfumatura infantilisitica del suo personaggio, resterà nella casa in cui è cresciuto, si configurerà in lui una personalità sorniona ed a tratti nostalgica, il bamboccione per scelta cercherà i vecchi amori e gli amici di un tempo, ma ben presto questo desiderio di ‘rimpatriate’ si trasformerà in un’immobile implosione intestina all’animo del personaggio. Disagio che rinchiuderà in casa Mickey, che lo porterà ad annullarsi e ad isolarsi in una scatola a chiusura stagna.

La forma visiva che Jacobs sceglie per esibire l’impianto narrativo della sua opera è senza filtro ed iperrealistica, al punto da ricavarne in qualche fotogramma un riscontro sullo schermo paradocumentaristico, al quale una direzione mai volutamente costruita o governata del cast da man forte in ogni singolo fotogramma.

L’ignoranza condivisa a più livelli delle motivazioni dei comportamenti del personaggio è resa eccezionalmente, in particolar modo perché la storia stessa non ne possiede gli strumenti di decodifica richiesti, pubblico e cinema si troveranno così a porsi la stessa domanda senza risposta data, in una rara tangenza che la settima arte avrà con chi ne fruisce.

Cinema incredibile per quanto significativo, forse non eccessivamente indagato laddove ci si sarebbero potute sporcare le mani un po’ di più, ma che nel complesso funziona, riportando fedelmente la sensazione universale della difficile relazione con gli altri, ma soprattutto con sé stessi, in quei momenti in cui ci si guarda allo specchio e si respinge l’accettazione dell’esistenza che si sta portando avanti, nascondendosi tra le rassicuranti braccia di una madre premurosa che forse sin dall’inizio ha compreso l’esigenza istintiva del figlio.

VOTO 76/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: We've never been to Venice (Torino 26)

2008-11-26T18:12:00.001+01:00

La tendenza, quasi maniacale, con la quale la 26ma edizione di Torino sta sottoponendo all’occhio di pubblico e critica opere che ritrovano nella rielaborazione del lutto i loro leit motiv, trova, in questo breve (62’) film sloveno, il suo personalissimo momento più alto e significativo.

Ancora lutto e ricordo allora, ma inseriti in uno spirito di cinema encomiabile per coerenza ed asciuttezza. Personaggi muti che urlano con i gesti e con gli sguardi assenti, inquadrature fisse, colonna sonora timida e una cinetica della macchina da presa che non si mette mai in mostra, tutti tasselli di uno splendido mosaico per cinefili curiosi ed innamorati.

Quando il padre viene a trovare Grega e sua moglie Masha si respira subito l’aria pesante di un qualcosa di insostenibile accaduto da poco, a cui “We’ve never been to Venice” non fa mai esplicito riferimento. Proprio quest’epifania omessa, che lascia largo margine d’azione al non detto e al fuori campo, che viene anche utilizzato con senno in un paio di sequenze, contempla l’idea narrativa di un esordiente che proviene dal mondo del cortometraggio, risentendone positivamente l’influenza. Il lavoro di sottrazione, iniziato e portato a termine dall’autore, consente di sfruttare appieno la potenzialità del cinema, l’industria paroliera e logorroica è qua mortificata ed annichilita dall’affermazione dell’immagine-senso. Splendida messa in scena e composizione curata e mai ridondante sono l’ottimo surrogato di una sceneggiatura irrilevante, le relazioni dei personaggi prendono corpo in un altalenante susseguirsi di sensazioni contrastanti, lui e lei si attraggono e si respingono, non si parlano mai ma la sensazione è quella di averli sentiti discutere per ore, tanta e buona è la veemenza scenica che ne scaturisce.

La ricerca di una felicità possibile nella fuga dall’ambiente di riferimento, il viaggio in Sudamerica come cura di tutti i mali, elementi metaforici abusati e violentati dalla letteratura e dalla cinematografia internazionale, qui ritrovano una loro dignità, perché cercare altrove ciò che si può trovare accanto, se non dentro di noi? E allora la meta di una gita purificatoria sarà la vicina Venezia, dove anche l’ennesimo incontro metaforico con l’acqua, altro elemento con cui il regista gioca più volte, arricchirà il percorso dei personaggi.

Una nota lietissima, l’arte cinematografica sfruttata sino in fondo, che mostra le sue infinite potenzialità attraverso le quali la messa in scena può, di suo, scatenare riflessioni e trasmettere sensazioni. Un’immagine che produce senso, tra gesti abbozzati ed una trama che si spoglia pian piano, è una visione davvero riconciliante per chi ama il cinema e le sue varianti più minimaliste.

VOTO 78/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Prince of Broadway (Torino 26)

2008-11-25T18:10:00.000+01:00

Lucky è un immigrato clandestino ghanese che si guadagna la pagnotta, ed anche qualcosa in più, vendendo merce firmata contraffatta a Broadway, New York. La sua vita sembra scorrere fluida, tra droghe, vestiti alla moda e una donna che, a modo suo, ama, fino a che una sua ex di origine portoricana gli recapita un pacco a dir poco oneroso: un bambino. Non avendo la sicurezza della paternità, vista anche la carnagione chiara, Lucky prende comunque con sé il bimbo, e quella che doveva essere una convivenza temporanea finirà per diventare qualcosa di più, che cambierà radicalmente l’intera esistenza del protagonista. Il regista e sceneggiatore Sean Baker, 37enne newyorkese, al suo terzo lungometraggio dopo “Four letter words” (2000) e “Take out” (2004), torna a porre l’accento su New York, e sull’intricato tessuto etnico-sociale che la compone. L’aggressività urbana tipica della Grande Mela non perde colpi dietro la macchina da presa, quasi perennemente a spalla, del cineasta, anzi. Sequenze caotiche e un montaggio frazionato, forse troppo nel complesso, filtrate dall’occhio di un’innocenza infantile, tutte sensazioni sgraffignate da una vivida realtà mediante la selezione di una cifra radicalmente naturalistica. Un’aderenza alla realtà che affibbia credibilità ad una pellicola che, altrimenti, avrebbe potuto banalmente inciampare nel macchiettistico, in un senso, o nel mockumentary, in un altro. Ed invece ci si trova di fronte ad una climax emotiva inattesa, retta soprattutto dall’ottimo personaggio, e l’ottimo interprete, di Lucky, il quale riconsegna la singolare conformazione di una virilità moderna. Il re del quartiere, che vive senza limiti o relazioni fisse, e che impara passo dopo passo ad amare un bambino lo si è visto innumerevoli volte sullo schermo, ma in una salsa priva di originalità, qui invece il finale non arriva come naturale conseguenza di una data e certa idea di cinema, ma come tappa, o meta, di un percorso marcatamente introspettivo del protagonista, dove viene anche lasciata aperta una porta sul retro e le certezze tangibili abitano solo i sentimenti di Lucky. Merito a Sean Baker, e a Prince Adu, di aver riportato fedelmente, e con mezzi modesti, uno spaccato della black life e del calderone sociale più in generale di New York City, attraverso una storia che strappa sorrisi alternati ad amare riflessioni, sfilacciandosi comunque un po’ nel finale, dove sembra voler annacquare troppo la minestra quando non ce ne sarebbe davvero bisogno.

VOTO 73/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Gigantic (Fuori Concorso)

2008-11-25T18:07:00.000+01:00

Un film che calza a pennello con l’animus festivaliero torinese, su questo non ci piove. “Gigantic” è ben scritto, ben fotografato, ben montato. È un’opera che vuole ammiccare ad un’assodata fetta di pubblico, ed infatti lo fa, ma sino ad un certo punto.

Un ragazzo poco spigliato, che coltiva sin dall’infanzia il sogno di adottare una bimba cinese, incontra, e si innamora, di una ragazza che invece sembra non aver inibizioni.

Già la trama lascia presagire la marcata voglia di forzare, un po’ generica e generalizzata. Passi che il protagonista sia un improbabile venditore di materassi che dimostra 10 anni in meno di quelli che realmente ha, passi che il padre della sua bella, un buon John Goodman, trascorra l’intera giornata sdraiato a terra causa un mal di schiena psico-somatico, passi anche che i suoi genitori hanno 80 anni, ma l’idea che l’unico desiderio di un 28enne un po’ sfigato sia adottare una bambina, e che questa debba essere per forza cinese, suona davvero ridicolo.

È qui che l’opera dell’esordiente Matt Aselton getta alle ortiche il suo potenziale. Tutte le situazioni, sempre più assurde, vengono poco giustificate, buttate lì con animo furbesco, a voler stupire il fruitore con mezzucci di un cinema sinceramente sorpassato. Passano inevitabilmente in secondo piano le angosce e le insoddisfazioni dei complicati rapporti interfamigliari, che avrebbero meritato un rispetto maggiore sia in fase di scrittura che durante le riprese, ma con le quali il regista non si è dimostrato in grado di cofrontarsi. Indubbia la vena di Goodman, all’ennesima meritevole menzione da caratterista, che si addossa il carico di distribuire cinismo e comicità noir, al servizio di uno script che si appanna inesorabilmente nella fase centrale. Zooey Deschanel e Paul Dano hanno, dono di natura, faccia e corpo incredibilmente calzanti per un qualsiasi prodotto made in Usa che non punti a sbancare i box office.

“Gigantic”, per l’appunto, abbraccia pregi e limiti sempre più spesso ascrivibili alle produzioni indipendenti statunitensi. L’attenzione d’oltreoceano nel confezionare pellicole del genere, dalla scelta del cast ad una resa formale degna di un notevole impegno di risorse, ormai vanno di pari passo con il forzato tentativo di risultare straordinari, ostentatamente autoinnalzandosi dalla bassezza contenutistica di cui viene additata l’industria americana, vedi i progetti meglio riusciti “Juno” e “Little Miss Sunshine”. Si attestano perciò come disfunzioni di uno stesso sistema, culmini iperbolici di una stessa concezione dello strumento cinema, con target di riferimento opposti ma prodotti di uno stesso background socio-culturale. Così spesso si (ri)percorrono strade cieche, che tentano, pur con sguardo malinconico, di riciclare il sogno hollywoodiano della circolarità della vita, del cambiamento auspicabile e sempre possibile. Null’altro che una versione ‘per strani’ dei soliti noti buoni sentimenti.

Un film astuto ed oltremodo costruito che, tra un sorrisino accennato ed un’amara risata, finisce involontariamente per prendersi gioco del pubblico a cui si rivolge.

VOTO 58/100

Tommaso Ranchino

Intervista a J.J. Abrams che ha presentato a Roma alcune sequenze in anteprima mondiale dell'atteso Star Trek

2008-11-16T14:54:00.005+01:00

Quel geniaccio di J.J. Abrams, dalla cui mente sono scaturite le serie tv Alias, Lost e l’ultimo Fringe che già appassiona fan in tutto il mondo, è arrivato a Roma per presentare in anteprima mondiale il trailer e alcune sequenze del nuovo Star Trek, diretto e prodotto da lui. Torna perciò dietro la macchina da presa dopo il buon risultato di Mission Impossibile III. Un impegno gravoso quello di realizzare un prequel di una serie come Star Trek, che porta in dote uno stuolo di fan davvero impressionante ed intorno al quale si accalca un’attesa davvero incredibile da parte di molti.
E Abrams non era proprio uno di quelli: “Non sono mai stato un fan di Star Trek. Quando lo guardavo non riuscivo a sentirmi coinvolto dalle vicende, non riuscivo a trovare un punto di contatto ed una connessione con i personaggi.

Anche per questo avevo scelto di impegnarmi come produttore e non regista inizialmente. Però man mano che lo script prendeva corpo ed identità ho cominciato ad essere geloso di quello che lo avrebbe diretto, ed allora mi sono proposto per la regia. Oggi come oggi sono un grandissimo fan di Star Trek, forse il più grande, e ho fatto questo film soprattutto per chi, come io prima, ancora non lo è. L’ho fatto per dare vita ad una nuova generazione di appassionati”.
Nel cast sono presenti Chris Pine (Kirk), Zachary Quinto (Spock), Zoe Saldana (Uhura), Eric Bana (Nero) e Wynona Rider (Amanda Greyson).
Le scene che ha presentato alla stampa romana evidenziano un ottimo lavoro fatto intorno ai personaggi e l’utilizzo di falshback e flashforward, marchi di fabbrica anche di Lost e del suo lavoro più in generale. Risate ed azione poi non mancheranno di certo, ed allora il progetto sembra voler portare elementi innovativi in un genere che troppo spesso predilige impegnarsi negli effetti visivi e nella dinamicità dell’azione trascurando i caratteri dei personaggi e la direzione del cast.

Il regista descrive così il lavoro svolto da lui: “I personaggi della storia sono fantastici, davvero, ed il cast con cui ho lavorato è sinceramente eccezionale. L’obiettivo che mi son posto sin da subito è stato quello di dare il giusto peso e controbilanciare la storia ed i personaggi con l’aspetto tecnologico della pellicola. L’elemento che poteva differenziare il mio Star Trek dagli altri progetti del genere era il fatto che portasse lo spettatore ad amare e ad appassionarsi più che alle astronavi a chi c’è dentro”.
Questa mattinata romana insomma ha incuriosito ed ingolosito appassionati e non, non resta che aspettare che l’Enterprise, ed il suo equipaggio soprattutto (Abrams docet), atterrino a maggio 2009 nelle nostre sale cinematografiche.

Tommaso Ranchino

Recensione di The orphanage

2008-11-16T14:48:00.003+01:00

Laura, cresciuta in un orfanotrofio sul mare, decide di tornarci a vivere con il marito e con il figlio adottivo Simòn, per metter su una casa famiglia. Da quando si trasferiranno nell’ex orfanotrofio la loro vita non sarà più la stessa, presenze inquietanti che infestano la casa causeranno la scomparsa di Simòn, e di lì Laura inizierà un percorso, tra il flashback e l’onirico, che riporterà a galla avvenimenti terrificanti accaduti trent’anni prima.

Vera rivelazione del cinema iberico, acclamato in patria e all’estero, il primo lungometraggio di Bayona rivisita il genere horror in chiave fantastica, quasi fiabesca, con un risultato che, anche se a tratti risulta troppo edulcorato, non può che compiacere chi lo guarda. Difficilmente si cerca il salto sulla poltrona dello spettatore, al quale viene fornita una trama lineare e ben indagata, l’attenta ricerca, fatta in sede di scrittura del plot, nel costruire i personaggi trova riscontro e conseguente giovamento nel risultato complessivo, più che nelle singole sequenze.
L’enorme villa semibuia, porte che scricchiolano e stanze segrete sono tutti elementi di genere che però qui, vista la differente intenzione ultima del regista, assumono colorazioni diverse, apparendo reali e non artefatti, perciò più terrificanti e disturbanti.

“The Orphanage” poi si muove su due differenti piani d’azione, ed accanto al classico immaginario dell’horror consegna sullo schermo interessanti dualismi: tra il mondo adulto e quello infantile, tra il nucleo familiare ed una comunità di orfani, tra il reale ed il paranormale. Un’indagine quella nel paranormale che non inciampa nel surreale o nel banale, come succede sempre oltreoceano, e che culmina in una riuscitissima scena con Geraldine Chaplin, figlia di Charlie, forse una delle sequenze più coinvolgenti del genere degli ultimi anni.
L’esordiente cineasta si affida ad una regia classica e coerentemente funzionale agli stilemi di genere, rivelandosi sorprendentemente bravo nel creare tensione ed angoscia, servendosi di un ottimo uso delle luci e della fotografia, e non peccando di egocentrismo artistico, difetto comune a molti filmaker contemporanei; l’uso delle accelerazioni e della telecamera a spalla è sempre giustificato da un’impellente esigenza scenico-narrativa e non risulta mai pleonastico. A militare fedelmente dalla parte della storia anche una colonna sonora che non invade mai, a tratti troppo patinata forse, che però nelle scene cardine non tradisce.

A coadiuvare con credibilità lo scenario fatto di bambini deformi, di maschere inquietanti e d’infanzie interrotte che il film crea, c’è un’ottima Belèn Rueda, già vista accanto a Javier Bardem ne “Il mare dentro” di Alejàndro Amenàbar, che con intensità e carica scenica si sobbarca l’intero impianto emotivo della sceneggiatura, non risultando mai sovraccarica o sopra le righe.
“The Orphanage” è quindi un bell’esperimento (riuscito) che non verrà ricordato come capolavoro, ma potrà certamente attestarsi come modello di un genere rivisitato, portando alla ribalta l’esordiente Bayona, meritevole di aver ben gratificato l’intenzione di veicolare sentimenti positivi, quali l’amore materno, attraverso la commistione di generi disomogenei come l’horror ed il fantasy.

VOTO 77/100

Tommaso Ranchino

Intervista a Juan Antonio Bayona, sorprendente regista esordiente di The orphanage

2008-11-16T14:43:00.002+01:00

È arrivato, anche se in ritardo rispetto al resto d’Europa, anche da noi il fenomeno del cinema europeo del momento, “The orphanage”. Vincitore di 7 Premi Goya in Spagna è rientrato anche nella corsa agli Oscar come Miglior Film Straniero, non finendo in cinquina però, ed è tra i favoriti alla vittoria dell’EFA 2008.
Impossibile non notare l’influenza sia di Guillermo Del Toro, che ha presentato il film in giro per il pianeta, che di Alejàndro Amenàbar nell’opera, il regista, alla prima esperienza al cinema, Juan Antonio Bayona ce la racconta così: “Mi sono ispirato molto al lavoro di Narciso Ibáñez Serrador, che ha girato due film: “Ma come si può uccidere un bambino?”e “La residencia”. Soprattutto quest’ultimo mi è stato di grande ispirazione, una pellicola del 1969 che ha incredibilmente precorso i tempi, sia per la sceneggiatura che per l’ambientazione. Altri film a cui mi sono ispirato sono ovviamente “The Others” di Alejandro Amenabar ed anche a “Lo spirito dell’alveare” di Victor Erice”.

Una cosa che salta subito all’occhio vedendo il film è la diversità ed il distacco che prende dalla produzione statunitense di genere: “Ritengo che il miglior cinema horror e fantasy si faccia in Europa oggi come oggi. In America ci sono grandi produzioni ma la qualità non sempre è di buon livello, invece in Europa si ha più coraggio di sperimentare e, sia in Spagna che in Francia, si fanno perciò film più trasgressivi che non si limitano a rientrare nei dettami di genere”.
Magistrale l’interpretazione di Belèn Rueda, a cui molti attribuiscono gran parte dei meriti della riuscita dell’opera, il regista ci racconta la sua scelta: “Lei aveva lavorato nel cortometraggio di un mio amico e l’avevo ovviamente apprezzata in “Mare dentro” di Amenabar, a cui come ho già detto mi sono molto riferito, quindi scegliere lei per me è stato un po’ come chiudere un cerchio. Sono stato assolutamente ripagato della scelta, ha dato anche più di quello che potevo aspettarmi, è stata fantastica”.
Dopo il successo internazionale che “The orphanage” ha riscosso la carriera dell’esordiente Bayona sembra poter prendere un velocissimo decollo, ci illustra i progetti per il futuro: “Sto sviluppando un paio di progetti attualmente: uno, ancora una volta in collaborazione con Guillermo Del Toro, prodotto dalla Univesal, che tratterà di un’isteria di massa negli Stati Uniti scaturita per volontà del governo e l’altro in Spagna visto che voglio lavorare sia all’estero che in patria, dato il forte legame che mi lega alla mia terra”.

Tommaso Ranchino

Recensione de La fidanzata di papà

2008-11-16T14:36:00.003+01:00

Anche quest’anno il Natale arriva prima, e si salvi chi può. Ancora una volta Cortina d’Ampezzo. Ancora una volta Miami. Non è di certo l’originalità l’ingrediente principe del cinepanettone, negli anni lo abbiamo imparato.
Dopo il successo (limitatamente al botteghino) di “Matrimonio alle Bahamas” della scorsa stagione, torna quella spina dorsale che ormai da qualche anno fronteggia la banda De Sica nella sfida, tutta all’italiana, per il primato d’incassi di Natale. Spina dorsale formata dallo scissionista Massimo Boldi, da Enzo Salvi, Biagio Izzo e I Fichi d’India. Ad aggregarsi al gruppone, come tradizione richiede, anche qualche comico apparso alla ribalta da poco, preferibilmente del vivaio Zelig, quest’anno tocca alla brava e siciliana Teresa Mannino. Le bonone di turno sono la Canalis e la Bush. Ma quest’anno la pellicola ha un asso nella manica, perlomeno dal punto di vista dell’appeal commerciale, ossia la presenza di Simona Ventura, first lady dei reality targati Rai e della tv nazionale spazzatura, nei panni della co-protagonista femminile.

Le premesse per un altro botto ci sono tutte. Inutile rodersi il fegato e sforzarsi troppo per annichilire un’opera che col cinema vero e proprio non ha nulla a che fare, e non ha neanche ambizioni in merito. L’italiano ha dimostrato in più occasioni, una volta l’anno da 25 anni per l’esattezza, di aver bisogno di pellicole del genere, di cibarsene avidamente quando gli viene richiesto.
La trama è la solita, trita e ritrita da anni, che sembrano secoli ormai, due famiglie che s’incrociano vista l’unione dei figliocci, e di lì equivoci a non finire.

Una comicità sempliciona e un po’ datata quella che ci propone il regista e sceneggiatore Enrico Oldoini, militante di vecchio corso della commedia nostrana (“Anni ’90”, “Vacanze di Natale” ’90 e ’91, “Yuppies 2”). Una comicità ormai sorpassata, che non diverte più neanche la vecchia guardia di afficionados, fatta di gag stucchevoli in cui Boldi gira nudo, in cui gli irritanti Fichi d’India si rendono ridicoli ed insopportabili scena su scena, in cui ci sono i bacarozzi nelle zuppe e dove ormai Er Cipolla non raccoglie più il successo di un tempo.
A contrapporsi, leggermente, a questo trend che guida nel baratro intellettuale ed artistico più becero, ci sono le buone vene comiche di Nino Frassica, esilarante, di Biagio Izzo, bravo nel vestire i panni di una donna, e della sorprendente Teresa Mannino, lieta scoperta.

Altro elemento, tanto indispensabile e presente da anni ormai quanto di un gusto a dir poco discutibile, è la scelta progettata e ragionata di cavalcare furbescamente l’onda dell’attualità. E questa volta si è andati forse troppo oltre: in “La fidanzata di papà” la Ventura racconta che ha avuto una storia extra coniugale con un famosissimo, soprattutto in questo periodo afferma, uomo di colore. Forti dell’uscita prevista già da tempo a ridosso dell’elezione del nuovo Presidente degli Stati Uniti, gli sceneggiatori hanno scommesso sulla vittoria del senatore dell’Illinois. Il cattivo gusto, grazie al cielo, si è limitato all’insinuazione, tra l’altro più che palese, grazie alla scelta in post produzione di tagliare alcune scene, su tutte quella in cui Boldi rincorre la Ventura dicendogli: “Ma gli schiaffi così li davi anche ad Obama?”, oppure quella in cui la Ventura al cellulare accenna un Happy birthday alla Marylin al Presidente dicendogli: “Ma sei già alla Casa Bianca? Ah no, è vero ci vai a Gennaio”.

Insomma questo è un film di bassa qualità, come era già facile ipotizzare, che fa ridere poco e male, ma questo oggettivo giudizio non fermerà di certo la massa dall’affollarne le sale (ben 600) che lo ospiteranno. Non ci resta che scrutare impassibili, ed aspettare tempi migliori.
E se il Natale invece di arrivare prima non arrivasse mai? L’Italia potrebbe sopravvivere? Siam certi di sì.

VOTO 35/100

Tommaso Ranchino

Intervista al cast de La fidanzata di papà

2008-11-16T14:29:00.003+01:00

Si riaffacciano al cinema Massimo Boldi e la sua cricca con “La fidanzata di papà” che uscirà in 600 copie, andando a dar fastidio a James Bond. Abbiamo incontrato l’intero cast del film.
Nel film si fa riferimento, neanche troppo velato, a Barack Obama. Boldi ce lo spiega: “Sicuramente siamo in tema con i nostri giorni, ed il nome che poi Simona mi rivela alla fine si dovrebbe capire tra le righe che è lui. Non l’abbiamo detto perché mi sembrava fosse una cosa esagerata, l’importante era farlo capire”. Enrico Oldoini, regista e sceneggiatore, aggiunge: “Quando abbiamo scritto a Febbraio la sceneggiatura abbiamo scommesso sulla vittoria di Obama. Sia nella sceneggiatura che nelle riprese ci sono delle scene che fanno espresso riferimento a Obama, noi le abbiamo tagliate perché ci sembrava troppo sfrontato. Abbiamo preferito poi alludere, senza dire il nome e senza precisare”.
Immancabile il riferimento alla battuta sull’abbronzatura, che assomiglia molto ad alcune gag del film, del neo Presidente degli Stati Uniti fatta dal premier Berlusconi, anche produttore di fatto visto che il film è targato Medusa, Boldi ridendo ci dice: “Non ci mettiamo d’accordo prima, forse lui ha preso da noi probabilmente. È così veloce che è riuscito a leggere nel nostro pensiero come E.T., un extraterrestre”.
La coppia che funziona di più sullo schermo è quella formata da Teresa Mannino e Nino Frassica, che ci raccontano l’esperienza: “Il mio lavoro sul personaggio – dice la Mannino - è stato inesistente, essendo io una siciliana pettegola e gelosa mi veniva molto naturale. Non ho lavorato né sul carattere, né sui movimenti.
Con Nino ci siamo subito, da buoni siciliani, squadrati da lontano, poi però devo dire che io ho seguito tutte le indicazioni di Nino, che mi ha fatto ridere quando ero una ragazzina. Lui e Massimo sono stati dei maestri sul set”.
Frassica, al solito pungente, ci confida: “Ho inserito di mia invenzione il fatto che il mio personaggio parlasse in terza persona. Devo ringraziare un tronista di Uomini e Donne, che diceva: ‘Giovanni non fa così, Giovanni è un’altra persona’ ed io mi chiedevo: ‘Ma chi è sto Giovanni?’. Poi ho scoperto che Giovanni era lui. Subito dopo aver visto la trasmissione ho chiamato Enrico e glielo ho detto, lui è stato subito d’accordo”.
Per la prima volta la Canalis veste i panni della cattiva: “E’ la prima volta che mi trovo a far questa parte negativa, prima nei pochi ruoli che ho avuto in fiction e in qualche film ho sempre fatto la bambolina. Felicity è la cattiva della storia che cerca di mettere i bastoni tra le ruote ai piccioncini, poi però alla fine c’è un cambiamento in positivo”.
Simona Ventura, arrivata in ritardo a causa dei suoi innumerevoli impegni televisivi, racconta l’esperienza sul grande schermo: “Ero molto preoccupata, non essendo il cinema il mio mondo. Enrico, siccome ero terrorizzata da questa idea, è venuto a Milano ed abbiamo preparato le parti prima. Mi ha fatto capire cosa voleva da me: un personaggio molto diverso da quella che sono in tv. Mi ha detto di sottrarre tutto quello che avevo addosso. Il film è stato girato molto in presa diretta, massimo 2 o 3 ciak. Spero che questa sia la ciliegiona sulla tortona di un’annata davvero piena”.
Nonostante tutti gli impegni che la Rai le sottopone la Ventura, in chiusura, non nasconde di voler continuare ed intraprendere una carriera come attrice: “I tempi del cinema sono diversi da quelli televisivi, per me è stata una vacanza quella di Miami. Mi sono trovata benissimo con il resto del cast, d’altronde il successo nasce dallo spogliatoio in ogni cosa che uno fa. Mi piacerebbe fosse questa una seconda parte della mia vita, anche perché dico sempre che forse è arrivato il momento di dosare un attimo le forze. Mi piace cambiare, amo molto il cinema, appena posso ci vado. Un domani potrebbe essere il mio futuro”.

Tommaso Ranchino

Gianluigi Rondi stila un bilancio del Festival Internazionale del Cinema di Roma

2008-10-31T15:17:00.000+01:00

Gianluigi Rondi, in attesa della premiazione delle 18,30, incontra la stampa per fare un bilancio della prima edizione del Festival che lo vede timoniere.

Si dice soddisfatto prima di tutto degli eventi collaterali alla selezione ufficiale, con particolare riferimenti al mercato, The Business Street, e agli Stati Generali del Cinema, dei quali dice: “Si sono gettate le basi legislative e giuridiche per tutto quello che sarà il cinema a venire, ci vuole una legge che coordini e riassatti l’intero sistema cinema”.

Soddisfatto anche dell’attenzione che hanno ricevuto le mostre, in particolare quella del ’48, che unisce senso civico e passione per il cinema del Presidente della Fondazione Cinema per Roma. Di grande valenza, emotiva e cinematografica, gli omaggi agli scomparsi, che hanno dato l’occasione di recuperare materiale interessante ed inedito.

La cosa che non gli è piaciuta invece, e questo lo si sapeva già visto che lo aveva esternato in più sedi ed occasioni, è stato l’eccessivo materiale in concorso. “Quattro film in concorso al giorno – dice – sono davvero troppi. So che per voi della stampa è impossibile vederli tutti. Essendo io un critico mi arrabbio perché so che bisogna scelgiere, ma i film in concorso devono esser potuti visionare tutti. Prometto che questa cosa verrà rettificata il prossimo anno”. Rondi precisa che comunque la colpa non è dei selezionatori, che, quando lui è salito in corsa, avevano già selezionato il materiale, e non potevano comportarsi altrimenti.

Proprio riguardo i selezionatori Rondi auspica delle novità, che spera siano apportate già dalla prossima edizione: “Spero che chi vorrà occuparsi della selezione avrà con me uno scambio d’opinioni. Abbiamo l’11 novembre un Consiglio Direttivo della Fondazione dove esporrò le mie idee, ci metterò sicuramente la non completa autonomia dei direttori”.

Rassicurazioni invece sul fronte location per le prossime edizioni, il contratto con l’Accademia di S. Cecilia è stato prolungato fino al 2001.

Recensione film: A corte do Norte

2008-10-30T18:00:00.000+01:00

A corte do Norte racconta la storia di tre donne, in tre periodi storici diversi. Lo scorrimento delle vicende si ritrova, in un percorso circolare che termina ai giorni nostri, a inseguire la soluzione di un’enigma: la morte di Rosalina, donna vissuta a Madeira che aveva una impressionante somiglianza con la imperatrice Sissi, della cui dipartita non si è mai trovata prova concreta.

L’opera fa e disfa la trama troppe volte, i continui salti temporali e l’utilizzo di Ana Moreira, modesta interprete emergente portoghese, per dare il volto alle irrequiete protagoniste delle varie epoche creano una confusione che, stratificandosi col passare del tempo, distrae e quasi condanna lo spettatore ad una visione poco sensata.

Il lavoro di Botelho quindi non pone in primo piano la linearità e la coerenza della storia, si limita a costruire scene che si incastrano male tra loro, fornendo una complessità che una trama già contorta non meriterebbe. Tematiche come l’affermazione della donna, l’identità, il senso di appartenenza ad una famiglia sono reperibili, ma inefficaci e mal sviluppate. Emergono perché la costruzione di alcuni caratteri, attribuibile più al romanzo a cui si ispira che al lavoro di sceneggiatura di Botelho, è costruita verso una direzione ambigua ed enigmatica.

L’utilizzo del digitale in sostituzione della pellicola tra l’altro non aiuta, e allora A Corte do Norte soffre anche di un impatto visivo poco dinamico. La costruzione di ogni scena come fosse un’opera pittorica, significativo l’omaggio funzionale alla trama dedicato alla Giuditta ed Oloferne di Caravaggio, se da un lato inizialmente sorprende ed incanta, dall’altro annoia ben presto. D’altronde una serie di ottimi fotogrammi e di affascinanti screenshots privi di cinetica non produce quasi mai come risultato un film visivamente bello. E allora quello che potrebbe, e dovrebbe, essere il punto forza diventa un ulteriore passo falso.

Dal punto di vista contenutistico la cifra è relegabile al melodramma femminile d’epoca, in cui amori impossibili e attriti famigliari sono leit motiv a dir poco ripetitivi, e dove il confronto dei personaggi, che tra loro legano rapporti tipicizzati (le serve che s’innamorano dei padroni, le sorelle che provano amori platonici per i fratelli, ecc.), con la realtà sociale dell’epoca è affidata alle solite feste o rappresentazioni teatrali, più o meno eleganti e patinate a seconda degli episodi.

Un esperimento, quello del regista, poco riuscito. Forse il romanzo di Agustina Bessa Luis era poco traducibile in un cinema che potesse produrre un minimo di senso artistico, ed allora il risultato è un melodrammone appannato, sconclusionato che poco aggiunge in termini di qualità al materiale in concorso al Festival di Roma.

VOTO 51/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Missing

2008-10-30T17:58:00.000+01:00

Nei fondali di un’isola giapponese di Yonaguni un ricercatore muore in modo misterioso. Il suo fantasma tornerà dalla sua amata, in una realtà distorta che viaggerà tra onirico ed immaginazione.

Tsui Hark porta a Roma fuori concorso un film stravagante e controverso. Missing è un’opera che non accetta classificazioni, inquina i generi, appiccicandoli in modo violento e traumatico, analizza e reinventa continuamente i personaggi con occhio inquieto e disturbante.

Quando la strada imboccata pare esser quella del thriller, ecco che le suggestioni e le visioni si spostano prepotentemente nel linguaggio del cinema horror orientale, quando invece l’horror si esaurisce, in modo tra l’altro poco indagato, eccoci nel campo del melodramma romantico. L’unico aspetto comune, oltre ad uno sfacciato product placement a favore della Panasonic, è l’importanza dell’acqua come elemento vitale, il vero e proprio fil rouge del lavoro metaforico dell’autore.

Impossibile, si potrebbe pensare. Ed invece è proprio così, anzi le parole non descrivono a fondo la multicromaticità che Missing propone. Esperienza visiva accecante, più che film dall’invidiabile impianto narrativo, mette troppa, a dir poco, carne al fuoco.

Mescolare i generi va bene, quando la storia lo richiede. Quando i personaggi sono ben delineati allora i generi, fastidiosa etichetta che non attacca sui prodotti di qualità, neanche dovrebbero esistere. Invece Tsui Hark esagera. Proporre al pubblico un tale esercizio di stile porta irrimediabilmente ad una reazione scomposta. I tanti film dentro al film non convincono neanche se espiantati e giudicati singolarmente. Ed ecco l’horror assomigliare ad una parodia dei tanti prodotti giapponesi, The Grudge su tutti; esteticamente caricato da effetti speciali grossolani, porta con sé sequenze davvero mal strutturate. In pratica un horror giapponese contaminato dal cattivo gusto delle rivisitazioni made in Usa degli ultimi anni. Il film romantico ha toni oltremodo melensi e patetici.

Anche formalmente Tsui Hark fa scelte discutibili, gli stacchi e le inquadrature prevaricano spesso una messa in scena non curata. Da questo punto va comunque riconosciuta una certa coerenza: la voglia di sorprendere lo spettatore trova riscontro anche nella direzione registica mai classica.

Finiti i titoli di coda di Missing avremo visto la protagonista nei panni di una subacquea avventuriera (Trappola in fondo al mare), una psicanalista che impazzisce (Gothika), una vittima perseguitata dai fantasmi (scegliete voi), una specie di assistente sociale per i fantasmi (questa è nuova), una donna che ha perso l’amato e lo rivede da fantasma (Ghost) in un prodotto pasticciato ed ultracitazionista, che merita comunque una visione per il coraggio e l’originalità.

VOTO 48/100

Tommaso Ranchino

Intervista al regista polacco Zanussi e all'attore ucraino Stupka, regista ed attore di With a warm heart

2008-10-30T15:28:00.000+01:00

Zanussi questo film segna un suo ritorno alla commedia. Perché questa scelta?

Krzysztof Zanussi: “Mi sembrava che era arrivato il momento in cui dovevo cercare di dire cose serie in una commedia nera. Pensavo di poter inserire l’atteggiamento nichilista in un forma comica. Fa sempre ridere qualcosa che si smaschera, che è finto: un uomo che induce la potenziale vittima al suicidio, dicendo cose in cui non crede minimamente, mi sembrava potesse essere un ottimo soggetto”.

Il film si chiude troppo presto e con troppo buonismo, dopo il trapianto Dopo trapianto si chiude in maniera troppo veloce. Basta un cuore nuovo?

K.Z.: “Ho voluto inserire un forte elemento di favola, non realistico. Non è il cuore nuovo a suggerire la redenzione del personaggio, bensì il pericolo della morte. Quando tutto finisce volevo lasciare forte la sensazione che la vita vale qualcosa.

Il cuore poi sin dal medioevo è rappresentato come fosse il centro dell’anima, anche se i processi emozionali e spirituali si svolgono nel cervello. Il cuore ha una forza metaforica: un cuore nuovo può salvarti anche sul piano spirituale, oltre che quello fisico”.

Bohdan Stupka lei è stato Ministro della Cultura della Repubblica ucraina ed ha un’esperienza incredibile come attore alle spalle. Come si è trovato a lavorare con Zanussi?

Bohdan Stupka: “E’ la prima volta che faccio una commedia nera. Mi piacciono ruoli tragici, li preferisco. Insieme a Zanussi avevo già lavorato ne L’allodola, uno sceneggiato per la tv, visto che si dice che Dio ama tre volte, io vorrei tornare a lavorare con lui per una terza volta.

Abbiamo fatto le prove ed abbiamo discusso insieme sul personaggio. Abbiamo creato la figura insieme, non ho avuto nessuno come esempio o modello, però nella vita vedo tante persone che pensano con i soldi e non con il cuore. Vedo tante persone vuote dal punto di vista spirituale, vogliono avere la pancia piena e possedere cose belle. La nuova oligarchia che è arrivata da noi, da voi già esiste da anni”.

Il suo film si pone come forte critica alla natura dell’uomo, ma anche alla società moderna, ce ne vuole parlare?

K.Z.: “Non accetto una visione del mondo in cui l’uomo sia solo un prodotto della società. Infatti nel film quando il personaggio di Stupka deve decidere a chi lasciare i propri averi per danneggiare maggiormente il mondo la scelta ricade sui teorici del nichilismo, che escono dal film come il miglior modo per distruggere le generazioni future.

La figura del giovane ipersensibile e iperidealista che non trova spazio nel mondo è una figura retorica, molti ragazzi oggi rifiutano il gioco del mondo, e questo deve essere trasferito in un atteggiamento pratico, non autolesionista come accade al protagonista che vuole togleirsi la vita. Alla fine troverà un suo spazio dove realizzarsi, aiutando gli animali. Il suo personaggio e le nuove generazioni hanno la necessità di vedere qualcosa di disinteressato”.

In Polonia l’opinione pubblica ha gridato allo scandalo quando ha saputo che nel suo film ci saraebbe stata la cantante pop Doda, ci parli di com’è andata.

K.Z.: “Vedo che le voci della nostra provincialità arrivano anche qui da voi. Abbiamo una cantante pop di pessimo gusto in Polonia, molto volgare. L’ho chiamata per inscenare la metafora del cambiamento a tutti i livelli. Il collegamento mio con la ragazza ha creato grande agitazione tra l’opinione pubblica ed anche tra gli attori, era un mio scherzo in buona fede da inserire nel film. Certi attori pensavano non si potesse recitare insieme ad un mostro mediatico del genere. Il film ha procurato a lei, che tra l’altro canta bene ed è bella, molte copertine”.

Progetti per il futuro?

K.Z.: “Ho in progetto di dirigere una Medea a Siracusa, è un’opera impegnativa e tragica, con la Medea non si gioca. Alla mia età si hanno tantissimi progetti non realizzati, ma io sono ancora pronto”.

Recensione film: With a warm heart

2008-10-29T17:56:00.000+01:00

With a warm heart è una piacevole commedia di taglio autoriale del regista polacco Krzysztof Zanussi. Konstanty è un ricco e dissoluto oligarca che ha problemi di cuore, ed ha bisogno di un trapianto. Stefan è un timido ragazzo che vuole farla finita. Il gioco è presto fatto.

Al Festival di Roma continua il viaggio nei generi e nella mescolanza di questi che gli organizzatori avevano annunciato nella conferenza d’apertura. Questo film, che è lontano dall’essere un capolavoro, sembra essere la versione buona del grossolano Le plaisir de chanter, simile per destinazione ed intenti, passato qualche giorno fa, una dimostrazione di come è giusto approcciare il genere e, in assoluto, l’arte cinematografica.

Le scelte registiche e la direzione del cast producono un risultato piacevolemente interessante. Il cinema austero ed impegnato di Zanussi fa spazio ad una commedia nera dall’umorismo tagliente, che punta tutto sull’incontro-scontro tra bene e male, giocata sul carisma di un ottimo Bohdan Stupka e sui continui tentativi, tutti grottescamente falliti, di suicidio da parte del giovane aiutato dallo scagnozzo.

I personaggi di Konstanty e Stefan sono le due facce, caricate e tipicizzate, di una società che ha vissuto una rapida ascesa come quella dell’Europa centrale. Ricco e malavitoso il più anziano, idealista e sognatore il ragazzo; vedranno le loro vite incontrarsi per caso e dare vita ad una scura favola che dimostrerà come tutti possono cambiare.

La metafora di un cuore nuovo che produce una redenzione inimmaginata, nonostante suoni banale, viene inscenata bene, in un finale trasognante forse un minimo affrettato. Certo il film si muove su crismi già abusati, il risultato che ne esce però sullo schermo ha un suo carisma e un aspetto, sia narrativo che stilistico, che riporta indietro ad un cinema di genere degli anni ’70 e ’80.

Davvero una buona vena quella che attraversa l’ultima fatica di Zanussi, che non sembra accantonare la destinazione del suo cinema, un linguaggio diverso dello stesso discorso, nichilismo e sfiducia nella natura umana restano la condicio sine qua non del regista per mettersi a edificare un progetto.

Sicuramente With a warm heart non è un capolavoro, ma trasuda nella sua realizzazione un forte rispetto per il cinema e per il genere della commedia da parte dell’autore che ben poco vi si è cimentato in carriera, regalando una storia che ben si esaurisce sullo schermo, non lasciando porte aperte a causa di sceneggiatura stilata con imperizia, come spesso successo quest’anno al Festival di Roma.

VOTO 74/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Iri

2008-10-28T17:55:00.001+01:00

Il regista cinese Zhang Lu (Desert dream, Grain in ear) parte da un evento realmente accaduto nel 1977. Nella città del sud della Korea Iri l’esplosione della stazione causò anche il crollo di molti palazzi circostanti e uccise migliaia di persone. La vita andò avanti, la città cambiò nome, ma alcune ferite non si chiusero mai. Questo il pretesto per raccontare una storia ambientata ai giorni nostri. Jin-seo è una ragazza che ha un lieve ritardo mentale, dovuto per l’appunto ad un incidente dovuto all’esplosione (ecco una di quelle ferite che non si riemargineranno più), vive con il fratello e lavora come inserviente in una scuola di cinese. Un film dall’elevata carica drammatica che riporta una situazione limite: la protagonista, vista la sua pura ingenuità dovuta al suo disturbo, si trova a venir sfruttata sessualmente da tutti gli uomini con cui si relaziona. Uno sguardo duro verso la società moderna, un’analisi disincantata della natura umana, quella virile in particolare. L’unico personaggio maschile positivo è un immigrato clandestino iracheno, il quale, per un’ironia malevola, sarà invece l’unico che verrà accusato dalla comunità di violenza nei confronti della giovane. Proprio lui che non ne aveva mai approfittato finisce nel mirino, un bersaglio sin troppo facile per una cittadina infestata da ipocrisia ed insoddisfazione. Una serie innumerevole di personaggi trova la propria affermazione solo attraverso l’esibita violenza sessuale. L’aspetto formale dell’opera percorre la strada battuta dalla maggior parte del cinema autoriale asiatico. Le dimensione temporale è allungata, le vicende si snodano con una lentezza inesorabile, spesso portata all’inverosimile e all’irritante. La mancanza totale di colonna sonora, che avrebbe potuto colmare qualche spazio, penalizza ancor di più il ritmo, inesistente, appesantendo anche le scene meno significative. Zhang Lu si segnala comunque per una splendida messa in scena, messa a servizio di inquadrature sempre fisse. La costruzione di alcuni fotogrammi è altamente significativa, cinema e senso combaciano per alcuni momenti sullo schermo, in uno degli istanti cinematografici tecnicamente più interessanti dell’intero Festival di Roma. Un film da consigliare ai soli appassionati di cinema orientale che sono abituati a certi ritmi non proprio serrati, gli altri difficilmente capirebbero la direzione e le scelte di un cinema per niente leggero come quello di Zhang Lu.

VOTO 68/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: Le plaisir de chanter

2008-10-28T17:53:00.000+01:00

Le plaisir de chanter è una commedia anticonvenzionale che prende di mira il filone spionistico e le commedie amorose. I vari strampalati personaggi, tra cui si intrecceranno turbinose storie, si ritrovano ogni settimana a lezione di canto lirico, dove ognuno dovrà spogliarsi della propria maschera sociale e confrontarsi con gli altri.

La pellicola francese, presentata in concorso al Festival del Cinema di Roma, è diretta da quell’Ilan Duran Cohen vincitore del Premio Orizzonti a Venezia 2004 con Le petit fils. Facile però ipotizzare che il destino di quest’ultimo film sarà meno glorioso.

Il registro grottesco dell’opera non si rivela pungente quanto vorrebbe, tralasciando alcune sequenze ritmate, il resto non è altro che un’epifania continua di gag sessuali e battute irritanti, perché forzatamente ricercate.

Le plaisir de chanter si inserisce come prodotto di un cinema supponente ed autoreferenziale, che ignora quale sia il requisito minimo richiesto ad ogni pellicola, il saper tenere il fruitore attaccato alla storia. Guardando il film francese l’interesse che si prova nei confronti delle vicende è soffocato. L’unica cosa che salta agli occhi è la voglia del regista di segnalarsi per l’arguzia e la ricercatezza, prodigandosi in un inutile esercizio di stile, e l’inadeguatezza di un cast che, tralasciando un paio di elementi, offre un prova poco corale e mal funzionante sullo schermo.

Difficile trovare una destinazione all’opera, che potrebbe trovare anche in Francia una fredda accoglienza, d’altronde i successi recenti d’oltralpe hanno dimostrato come le commedie che utilizzano comunque un linguaggio ricercato devono parlare al popolo con schiettezza e aderenza sociale per essere apprezzate.

In definitiva quello di Duran Cohen è un film nato per strappare arguti sorrisi, più che sonore risate, ma s’impegna troppo nel sottolinearne l’arguzia, dimostrando un modesto rispetto nei confronti della storia e del mezzo.

VOTO 31/100

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Recensione di Aide-toi et le ciel t'aidera

2008-10-26T21:30:00.003+01:00

Aide-toi et le ciel t’aidera, aiutati che il cielo t’aiuta letteralmente, è un film low budget ambientato nella periferia francese in cui una donna di colore (Felicite Wouassi) deve barcamenarsi per portare avanti una famiglia numerosa e problematica, il tutto tra morti improvvise e situazioni surreali.
Un’opera piccola e indipendente che s’interroga su tematiche scottanti affidandosi ad un linguaggio e ad una costruzione tipica di generi meno impegnati. L’integrazione, la precarietà, la vecchiaia e la morte vengono addolciti da siparietti surreali ed esilaranti, una delicatezza che devitalizza il nichilismo di fondo comunque presente.
La fotografia della comunità nera appare vivida e plausibile grazie ad una tecnica che spesso si avvicina al taglio documentaristico, Francois Dupeyron, già regista di Monsieur Ibrahim, utilizza inquadrature dal basso e camera a mano per gran parte del film, quel che ne esce sono immagini significative che affascinano per la loro veemenza.

Il centro gravitazionale della storia è la protagonista Sonia, tutto si svolge in base ai rapporti interpersonali che lei intrattiene: con gli anziani per cui lavora, con i figli, con l’amica, con il nuovo amore. La carica scenica della Wouassi è perciò elemento imprescindibile della natura di un progetto del genere in cui molti degli attori si trovano per la primissima volta a relazionarsi con la cinepresa ed in cui il suo personaggio è al contempo struttura e dettaglio dell’impianto narrativo.
Il disagio sociale che viene presentato è attuale e mai pedagogico, e anche il ruolo dell’amore, narrato incantevolmente, assume colori contrastanti dal retrogusto agrodolce.
Il film non si carica l’onere di produrre giudizi di qualsivoglia tipo, l’integrazione della comunità nera viene semplicemente fotografata in maniera realistica, inserendo alcune scene di pura tradizione africana davvero trascinanti.
Anche la descrizione della caldissima estate parigina del 2003, nella quale tantissimi anziani persero la vita, è un semplice sfondo messo lì a ricordare quel che successe.
In sintesi Aide-toi et le ciel t’aidera è un affresco dalle tinte forti, una pellicola lussureggiante che anche grazie alla presenza della musica hip-hop francese nel finale porta con sé tematiche sociali intrinseche al genere della commedia impegnata, qui dotata di rara vitalità.

VOTO 74/100

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Intervista al cast de Il passato è una terra straniera e a Daniele Vicari

2008-10-26T21:13:00.001+01:00

Daniele Vicari perché ha scelto questa storia?

Daniele Vicari: “Il romanzo di Carofiglio mi ha colpito profondamente, l’ho trovato estremamente moderno. Questo è un modo di fare letteratura che sta per fortuna prendendo piede in Italia, racconta i chiaroscuri della società moderna e nel frattempo mi ha ricordato i protagonisti di alcuni romanzi di fine ‘800, che avevano problemi d’identità. Proprio la questione dell’identita è il motivo fondamentale che mi ha spinto a fare il film. E poi ovviamente perché ho pensato che da una storia così si poteva fare un film in cui il cinema potesse avere delle ampie possibilità di esprimersi”.

Elio Germano il tuo personaggio intraprende un percorso che tu hai deifnito liberatorio, nell’intepretarlo hai provato a fare la stessa cosa?

E.G.: “Qui ho voluto decostruire, più che costruire per lasciare al personaggio la possibilità di rimanere stupito davanti agli eventi. Scavare piuttosto che edificare. Così che il personaggio potesse meglio considerare questa apertura verso un mondo nuovo, come fosse una liberazione. Una cosa che mi fa molto piacere è che nel film racconta più quello che non vediamo di quello che si dice”.

Michele Riondino la tua interpretazione e quella di Elio Germano sono state molto coinvolgenti, come ti sei preaprato?

Michele Riondino: “È stata un’espserienza molto diversa da altre esperienze cinematografiche che ho avuto. Ho affrontato una preparazione rigida, come teatrale, del personaggio. In un secondo momento è avvenuto l’incontro con Elio: abbiamo trattato molto sulla sceneggiatura, abbiamo ridotto ed eliminato alcune parole ed abbiamo fatto una sorta di lavoro di simbiosi con i personaggi”.

Il suo è un film di genere?

D.V.: “Il tema dei generi cinematografici è superato, ormai i generi si mescolano tra loro in maniera inestricabile. Il problema che mi pongo sempre è se il racconto nel suo sviluppo produce senso, molti film di genere invece non producono senso alcuno. Il racconto narrato nel romanzo mi è sembrato subito capace di produrre senso”.

Valentina Lodovini come ti sei preparata alle scene di violenza così forti?

V.L.: “Il clima di lavoro era molto sereno ed accogliente, ho vissuto comunque il qui e ora che si cerca così tanto al cinema. La scena è stata così forte che dopo averla girata ho cominciato a proteggermi anche nella vita, cosa che prima non facevo”.

A tal riguardo il regista ci tiene a dire: “ Amo i film in cui c’è anche l’azione e non ci sono persone che parlano intorno al tavolo. Girando il film ho imparato che le scene violente o sono studiate come si studia una danza o non funzionano”.

Per finire Vicari, riguardo le polemiche che si sono scatenate dopo la censura ricevuta dal suo film (v.m. 14 anni), lancia una forte stoccata: “L’istituto della censura è una sopravvivenza del medioevo ipocrita e fallace, i film più belli della storia del cinema in Italia sono stati vietati, se dobbiamo proteggere i cittadini in questo modo c’è qualcosa che non va nella nostra società. Bisogna discutere di questo per crescere come comunità”.

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Incontro con Giampaolo Pansa ed il cast e il regista de Il sangue dei vinti

2008-10-26T21:07:00.000+01:00

Il sangue dei vinti è un’iniziativa Rai Cinema, il film è una versione ridotta delle due puntate della fiction che andrà in onda sulle reti nazionali. “Il film è costato 9 milioni di euro. La fiction – dice il produttore Fracassi - andrà in onda a dicembre 2009. Il film uscirà nelle sale invece a Febbraio 2009”.
Il film, liberamente ispirato al romanzo di Giampaolo Pansa, vuole rendere giustizia alla memoria delle vittime, sia dei partigiani che dei repubblichini di Salò, della guerra civile italiana precedente alla vittoria degli alleati.
Proprio ieri Fini ha detto che si poteva parlare, riferendosi a Napolitano, di El Alamein con la memoria pacificata di oggi. Ed a questo riguardo il regista Michele Soavi dice: “L’intento del film è proprio questo, una sorta di pacificazione per rendere umana una guerra, dove vengano seppelliti tutti i morti”.
Protagonista del film Michele Placido, storicamente uomo di sinistra, che rivela di aver fatto parte della Giovine Italia quando era adolescente: “Fino a 16 anni ero iscritto alla Giovine Italia e anche nelle Università c’era una preponderanza MSI. Venendo a Roma e facendo il poliziotto, ho conosciuto dei compagni e sono diventato di sinistra. Ho capito che il fascismo è stato un orrore. Non c’entra nulla, ma oggi mi trovo vicino agli studenti questi giorni”.

Presente all’incontro con la stampa Giampaolo Pansa, che si leva subito un sassolino: “Mi sarei aspettato che il film fosse stato in concorso, presentarlo come proiezione speciale non mi è piaciuto, ma l’ho accettato come accetto tante cose italiane che non mi piacciono”.
Per quel che riguarda la trasposizione cinematografica del suo libro la vede così: “Il sangue dei vinti è un libro intraducibile in un film. Una specie di lungo elenco di nomi ed orrori. Qui è stata inventata una storia con un personaggio immaginario, che Placido interpreta come nessuno poteva fare. Il film mi basta, e anzi conoscendo i miei polli (del pollaio Italia), mi basta e mi avanza”.
Anche per Michele Soavi non dev’essere stato semplice confrontarsi con una tematica del genere, che, volenti o nolenti, ha distrutto le vite di persone che ancora oggi non hanno un riconoscimento diffuso: “Mi sono avvicinato al progetto con estrema cautela, ho esperienze familiari in merito. Mio padre, che è uno scrittore, viveva al Nord, ed è diventato repubblichino per cultura. Mia madre viene da una famiglia di ebrei. In generale si è scelto di seguire il Pansa-pensiero. Lo stesso scrittore mi ha suggerito di fare il film come se fossi un lappone, quindi isolandomi dalla situazione del nostro Paese. Questo mi ha aiutato a raccontare la verità”.

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Recensione de Il sangue dei vinti

2008-10-26T20:09:00.001+01:00

Dopo i tedeschi La banda Baader Meinhof e Schattenwelt, anche l’Italia si cimenta nella rivisitazione dell’interpretazione di un ricordo partecipato del proprio passato non troppo remoto.
Il sangue dei vinti, liberamente ispirato all’omonimo romanzo di Giampaolo Pansa, è ricavato dalla fiction di due puntate che andrà in onda nei primi mesi del 2009 sulla Rai. Michele Placido e Barbara Bobulova sono i protagonisti di una storia banale, rivisitata in chiave revisionista e pacificata, dove le colpe vengono equamente divise tra partigiani e repubblichini.

Formalmente la pellicola contiene tutti i difetti che una produzione televisiva può offrire: fotografia patinata, recitazione da sceneggiato, sceneggiatura popolare.
Anche se Soavi cerca di inserire elementi di genere, il giallo verso il quale sembra tendere inizialmente il film scema dopo i primi venti minuti, per lasciare spazio ad un intricato tentativo di descrivere in maniera improbabile ed affrettata le realtà del Paese.
I due fratelli del protagonista assurgono, come facce della stessa medaglia, a modelli esplicativi per la didattica elementare dell’opera: da una parte Ettore (Alessandro Preziosi), partigiano tutto ideali ed istinto, dall’altra Lucia, arruolatasi nella Repubblica di Salò dopo aver perso il marito nel bombardamento di San Lorenzo. Entrambi scenderanno a compromessi con la propria morale, uno per portare avanti l’idea, l’altra per esternare il rancore lancinante.

Le interpretazioni lasciano davvero a desiderare, bisognerebbe aver visto la versione completa che andrà in tv per dare un giudizio complessivo, ma nel film presentato al Festival né Placido né la Bobulova, quelli da cui ci si aspettava qualcosa di più, regalano buone prove. Il resto del cast, come in tutte le produzioni tv, accentua ogni espressione, che esce ridicola o sovraccarica. I continui primi piani, necessari sul piccolo schermo, creano irritazione ed angoscia al cinema.
Il sangue dei vinti è un prodotto, forse anche passabile in tv, che sul grande schermo ha davvero poco senso. Le tematiche, il linguaggio, la cifra, oltre alla realizzazione formale, mal si sposano col pubblico cinematografico che dovrebbe avvicinarsi al progetto, essendo per natura facilmente assimilabili dalle masse di telespettatori.

VOTO 43/100

Tommaso Ranchino

Recensione film: L'heure de l'eté

2008-10-26T17:46:00.001+01:00

Assayas porta sullo schermo tematiche quali il lutto, la famiglia, il ricordo tramite un linguaggio alternato all'interno dell'opera, momenti caotici e dispersivi vengono pian piano sostituiti da sequenze ben riuscite.

Quando tre fratelli perdono l'unico collante che hanno, la madre, la famiglia si sgretola pian piano, subendo una diaspora definitiva, evitata fino a quel momento dalla presenza della genitrice.

Il talentuoso regista sfrutta bene ancora una volta il mezzo che ha tra le mani, ogni inquadratura contiene significativi punti di vista, però questa volta si presenta meno efficace e diretto. La carica drammatica della prima parte è praticamente nulla, un muro divide lo spettatore dai protagonisti ed il coinvolgimento ne risente. Stratagemma certamente creato ad hoc da Assayas, vedi l'Allen di Match Point.

La poetica ricercata, colma di allusioni metaforiche, viene fuori alla lunga, quando il film acquista volume, si emancipa dalla tematica del lutto, diviene un affresco insolito ed affascinante di una famiglia come tante, di ragazzi parigini come ce ne sono a migliaia, raccontati qua con occhio benevolo e sognante, forse nostalgico.

Le figure della casa di famiglia da mettere in vendita e delle inestimabili opere d'arte da dismettere, elemento principale dell'esistenza e della convivenza che questa famiglia aveva conosciuto, si sobbarcano una valenza prepotente e totalizzante all'interno del registro narrativo. Simbolismi che assegnano al significato insito nelle varie opere d'arte un valore non solo affettivo e commemorativo, ma anche un aspetto di rifugio dalla realtà, una voglia di voler fermare il tempo, di fotografare edonisticamente l'esteticità di un'esistenza, di un amore. Così come la madre non faceva altro che parlare del fratello, affermato artista di fama internazionale, rivivendone l'amore incestuoso che avevano condiviso attraverso l'affermazione e la divulgazione delle sue opere, così il figlio maggiore, l'unico rimasto a Parigi, attraverso l'ossessione per la casa di famiglia e per le opere che la popolavano resta aggrappato ad una situazione familiare ormai lentamente, inesorabilmente, naturalmente tramontata.

Il rinnovamento generazionale e l'accettazione inconscia del mutamento della propria situazione culmina nella scena finale della festa organizzata dai nipoti della defunta, quando la casa, già sgombra e prossima alla vendita diviene teatro di una festa tra ragazzi d'oggi.

Un'opera complessa, a tratti magnifica, a tratti farraginosa, che lascia in fin dei conti attratti ed affascinati.

VOTO 70/100

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Intervista a Felicìte Wouassì e Francois Dupeyron

2008-10-26T12:41:00.000+01:00

Da dove nasce l’idea di una commedia che toccasse tali e tanti temi di rilevanza sociale in Francia?

Francois Dupeyron: “Mi sono ispirato al vostro cinema degli anni ‘65 -’70. Ho visto I mostri e altri film come questo. Voi avevate già toccato questo tasto, in quelle pellicole parlate dei problemi sociali con grande ironia. Oggi la periferia francese, la vecchiaia e le persone di colore sono un problema sociale per la Francia. Gli si da prima un’etichetta e poi non se ne parla più. Nonostante questo io non ho voluto fare un documentario, anche perché sono un regista non un giornalista. Il punto di partenza è stato un fatto sociale presente da noi: per strada vedi donne anziane al braccio di di tutrici di colore. E queste vecchie spesso sono razziste, l’ho trovata una cosa molto intensa che potesse provocare un riso provocatorio”.

Nel film vengono utilizzate molte inquadrature dal basso, come mai?

F.D.: “Era per dare maggiore forza, non per fare un documentario. Le inquadrature dal basso danno importanza agli attori, perchè sembrano più grandi. Servono anche a dare dinamicita e spazio agli attori. Vado contro la regia accademica, mi piace innovare lo stile e metterlo al servizio del film”.

Felicite Wouassi come ha affrontato il personaggio della protagonista?

Felicite Wouassi: “Francois mi ha regalato un libro giapponese ‘Le belle addormentate’, l’ho letto e devo dire che mi ha dato tanto, mi è rimasto dentro.
Ho costruito un personaggio che passasse inosservato inizialmente, che non avesse alcuna carica sessuale, per creare così un effetto diverso al suo disvelamento della sua carne. Questo è stato il difficile nel preapararlo.
Ho preso Sonia come fosse una figura simbolica di una madre universale e così ho voluto trasemetterla”.

Felicite è il centro di gravità permanente della storia e si relaziona con diversi attori, come si è trovata?

F.W.: “La cosa più bella è stata che Francois ci ripeteva tutti i giorni: ‘Noi qua non facciamo il cinema’. A partire da lì gli attori ed io eravamo liberi di proporre e Francois si prendeva ciò che gli interessava. Alcuni attori sono per la prima volta in un film ed anche io mi sono sentita veramente libera. Mi ha ricordato il primo film della mia carriera che ho girato in Ungheria. Il regista lavorava così”.

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Recensione di Baksy

2008-10-26T12:25:00.000+01:00

“Baksy” è un piccolo film kazako della regista Guka Omarova, già apprezzata dalla crtica dei Festival internazionali con “Schizo”, che racconta la storia di una sciamana di nome Aidai, ma non solo. Aidai ha capacità ultraterrene e la sua presenza rende accettabile e straordinaria la vita in una landa desolata ed arida. Quando però gli interessi di un criminale locale le porteranno via la sua terra tutto andrà a sgretolarsi, svelando risvolti inattesi.
La pellicola si fa forte della carismatica figura di una protagonista come non se ne vedono spesso, ma lo fa con parsimonia. La figura principale è in video per un’esigua tranche del film, che verso la metà si trasformerà in opera di genere, con rapimenti, riscatti, omicidi e pistole. Rimarrà comunque presente nelle sensazioni e nelle aspettative di tutti i personaggi, per poi riapparire in un finale ottimamente strutturato.

È questa la particolarità che segnala il poco ambizioso “Baksy”, quella di implementare tanti film in uno solo, la narrazione sfrutta l’elemento sovrannaturale con un rispetto estetico verso la veridicità della pellicola che raramente si riscontra in progetti simili. L’attaccamento alla terra, che può esser facilmente inteso come rispetto per la natura, è, pur se taciuto, elemento centrale del simbolismo e della poetica. La direzione del cast verso una recitazione naturalista, difficile fare altrimenti con tali mezzi e tali condizioni, qualifica e responsabilizza ancor più l’approccio verista del cineasta kazako.
Quando poi il film prende una piega inaspettata lo spettatore è consapevole che la sterzata è strumentale al fine primo, il kitsch e lo squallore delle ambientazioni ‘cittadine’, che per buona parte sono le uniche cose che si vedono, si piazzano in forte contrapposizione alla situazione brada della casa della sciamana ormai demolita.

Un progetto interessante, davvero. Ma troppo difficilmente esportabile nel nostro panorama distributivo. Pressochè impossibile mantenere alta l’attenzione in un cinema che trascina dei ritmi naturalmente diversi, un background culturale assolutamente impervio e non decodificabile.
Una chicca di cui solo i festivalieri più attenti potranno giovare. Omarova, ci si vede al prossimo Festival.

VOTO 73/100

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Recensione de Il passato è una terra straniera

2008-10-25T20:29:00.003+02:00

Bari. Giorgio (Elio Germano) è uno studente 22enne a cui manca un esame alla laurea in giurisprudenza per inseguire il sogno di diventare magistrato. Quando però incontra Francesco (un sorprendente Michele Riondino), abile baro che frequenta i tavoli da gioco, da quelli più fatiscenti a quelli patinati, del capoluogo pugliese, intraprende la strada della truffa e della criminalità, riscoprendo un’area della propria personalità fino ad allora soffocata.
Vicari torna a confrontarsi con tematiche che si annidano ai margini dell’impianto sociale nazionale, le bische di Bari sono un palcoscenico insolito, perfetto per inserire le caratteristiche del suo cinema crudo ed aggressivo.
Il cliché del “chi va con lo zoppo impara a zoppicare” viene rivisitato grazie ad un’introspezione analitica installata sottotraccia in tutta la pellicola, il protagonista ha qualcosa di diverso dal classico bravo ragazzo che vuole provare delle emozioni nuove trasgredendo alle regole. La sua è una metamorfosi che non fa altro che dare ossigeno alle sue pulsioni più naturali. Dall’appagamento sessuale ricercato in una relazione con una donna sposata alla bramosia incalzante di una ricchezza lampo, Giorgio non fa altro che entrare in contatto con la propria indole più primitiva. Quella che per altri sarebbe una discesa verso gli inferi è per lui un viaggio nell’Eden della sua affermazione adulta.
La devianza sessuale di Francesco, conseguenza di una personalità fragile ed insicura, richiama, nel confronto con la manifesta sessualità di Giorgio, ombre di teorie freudiane un po’ banali.
Il regista, apprezzato dalla critica in Velocità massima e autore di documentari di gran successo, tende ad esagerare, spesso senza motivo, per rendere il messaggio che si prefigge ancor più efficace. L’asciuttezza formale e narrativa in molti casi è la cura di tutti i mali, ma il regista sembra non aver ancora fatta sua la lezione. Il vero tallone d’Achille del progetto è una sceneggiatura lacunosa e in molti casi sbrigativa che lascia vere e proprie voragini all’interno della storia.
Vicari avrebbe dovuto, dato che ha dimostrato di saperlo fare in più occasioni, anche dentro il film, affidarsi maggiormente all’accostamento di colonna sonora ed inquadrature inquinate e sporche, che rende personale il suo cinema. Qui lo fa troppo poco nella prima parte e ne abusa a dismisura invece nelle fasi conclusive.
Ancora una volta un buon Elio Germano dimostra di essere un attore ordinario finché il personaggio non richiede una violenza, fisica o verbale che sia, ed un atteggiamento sopra le righe. La sua faccia da bravo ragazzo e la sua capacità di scaldarsi con naturalezza lo stanno incastrando in ruoli sempre più simili. Già ne Il mattino ha l’oro in bocca si era confrontato con il gioco, quella volta erano i cavalli, e con il baratro verso cui spinge, una schizofrenia questa che le sue capacità interpretative sanno rendere con plausibile intensità sul grande schermo.
A conti fatti Il passato è una terra straniera è un buon film, che però intraprende strade già battute e, visto il potenziale artistico insito nelle caratteristiche di chi vi ha partecipato, avrebbe potuto essere ancor più diretto, decurtando elementi superflui e fuorvianti.

VOTO 63/100

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Recensione di L'Heure d'ete

2008-10-25T20:26:00.001+02:00

Assayas porta sullo schermo tematiche quali il lutto, la famiglia, il ricordo tramite un linguaggio alternato all’interno dell’opera, momenti caotici e dispersivi vengono pian piano sostituiti da sequenze ben riuscite.
Quando tre fratelli perdono l’unico collante che hanno, la madre, la famiglia si sgretola pian piano, subendo una diaspora definitiva, evitata fino a quel momento dalla presenza della genitrice.
Il talentuoso regista sfrutta bene ancora una volta il mezzo che ha tra le mani, ogni inquadratura contiene significativi punti di vista, però questa volta si presenta meno efficace e diretto. La carica drammatica della prima parte è praticamente nulla, un muro divide lo spettatore dai protagonisti ed il coinvolgimento ne risente. Stratagemma certamente creato ad hoc da Assayas, vedi l’Allen di Match Point.
La poetica ricercata, colma di allusioni metaforiche, viene fuori alla lunga, quando il film acquista volume, si emancipa dalla tematica del lutto, diviene un affresco insolito ed affascinante di una famiglia come tante, di ragazzi parigini come ce ne sono a migliaia, raccontati qua con occhio benevolo e sognante, forse nostalgico.
Le figure della casa di famiglia da mettere in vendita e delle inestimabili opere d’arte da dismettere, elemento principale dell’esistenza e della convivenza che questa famiglia aveva conosciuto, si sobbarcano una valenza prepotente e totalizzante all’interno del registro narrativo. Simbolismi che assegnano al significato insito nelle varie opere d’arte un valore non solo affettivo e commemorativo, ma anche un aspetto di rifugio dalla realtà, una voglia di voler fermare il tempo, di fotografare edonisticamente l’esteticità di un’esistenza, di un amore. Così come la madre non faceva altro che parlare del fratello, affermato artista di fama internazionale, rivivendone l’amore incestuoso che avevano condiviso attraverso l’affermazione e la divulgazione delle sue opere, così il figlio maggiore, l’unico rimasto a Parigi, attraverso l’ossessione per la casa di famiglia e per le opere che la popolavano resta aggrappato ad una situazione familiare ormai lentamente, inesorabilmente, naturalmente tramontata.
Il rinnovamento generazionale e l’accettazione inconscia del mutamento della propria situazione culmina nella scena finale della festa organizzata dai nipoti della defunta, quando la casa, già sgombra e prossima alla vendita diviene teatro di una festa tra ragazzi d’oggi.
Un’opera complessa, a tratti magnifica, a tratti farraginosa, che lascia in fin dei conti attratti ed affascinati.

VOTO 70/100

Tommaso Ranchino

III Festival di Roma - Incontro con Olivier Assayas

2008-10-25T14:39:00.002+02:00

Dopo David Cronenberg un talentuoso ed apprezzato regista francese come Oliver Assayas ha incontrato il pubblico del Festival di Roma, prima della proiezione de L’heure de l’eté, suo ultimo film.
L’incontro è stato scandito, come si usa qui al Festival, da alcune scene significative della sua cinematografia, e il regista ha intrattenuto i presenti, mantenendo la conversazione su di un livello elevato, forse anche troppo per il pubblico capitolino, che spesso si è fatto sentire auspicando l’inizio della pellicola.
L’incontro ha toccato vari aspetti della sua arte unica ed in continuo divenire.

Scrittura del film

Assayas racconta come sia cambiata e maturata la metodologia con cui approccia la scrittura e la lavorazione di un film: “Prima vedevo la fase della scrittura in modo completamente diverso. Mi mettevo a scrivere un film, la sceneggiatura, le inquadrature e tutto quello che mi fosse potuto servire per girare. Una volta che il film era scritto lo giravo. Erano due fasi ben distinte. Adesso invece la fase della scrittura per me comincia prima di scrivere la prima parola e finisce in studio quando la post-produzione è terminata e rivedo gli ultimissimi dettagli”.

Il rapporto con gli attori

Il francese è uno che instaura un rapporto speciale con gli interpreti delle sue opere: “E’ fondamentale per me favorire la spontaneità degli attori. Io non faccio mai fare le prove, e questo può rivelarsi un problema con quelli che sono abituati a farle. Per farli sentire a loro agio gli dico, mentendo, che filmo le prove per abitudine, invece sto girando”.

Il rapporto col cinema sperimentale ed underground

Il suo amore per il cinema pare essere iniziato con la passione per il cinema underground del movimento newyorkese: “Amavo molto il movimento sperimentale di New York, trovo che abbia reinventato il cinema moderno, al pari di quello che ha fatto da noi la Nouvelle Vague. Sono convinto che ci sia una profonda connessione tra il cinema sperimetale e quello narrativo, il cinema indipendente, sia europeo che americano, non sarebbe stato lo stesso se Warhol non avesse fatto ciò che ha fatto.
Nella scena sperimentale che ho inserito nel finale di Irma Vep ho voluto portare un esempio della giuntura che ci può essere tra cinema sperimentale e narrativo. L’ho girata con un regista sperimentale francese, Claude Duty, che adesso è passato al cinema classico e fa commedie in Francia.
Il cinema contemporaneo è un complesso d’immagini che derivano da altre immagini già fatte da altri. Tutto sembra già visto. Io cerco nella mia arte di ricreare nello spettatore una verginità nei confronti dell’immagine, così da essere totalmente preso e recettivo nei confronti delle emozioni”.

Il lato fisico e l’azione nel suo cinema

Ci confida che ama il cinema in cui l’azione e la fisicità sono presenti ed importanti: “Il rapporto fisico col cinema è una cosa essenziale. Il cinema indipendente ha totalmente perso questo rapporto. L’horror ad esempio mi affascina per questo forte impatto fisico. Nel 2001 con Demonlover ho voluto cimentarmi nel linguaggio fisico del cinema americano di genere, trovo che vada a toccare delle corde essenziali, l’ho fatto anche perché il cinema indipendente stava e sta perdendo il contatto con il pubblico giovane, mancando di fisicità”.

La musica

La musica è un elemento onnipresente nella vita di Assayas: “Sia il mio film d’esordio che Clean del 2004 parlano di musica. Sono cresciuto negli anni ’70, influenzato dalla controcultura di quegli anni ed al centro di tutto c’era la musica. Volevo sin da subito nel fare cinema ricreare la sensazione che la musica mi dava da giovane. Quando filmo una sequenza cerco l’immediatezza e l’energia tipiche della musica”.